A neves műkritikus Clement Greenberg a 20. század egyik legbefolyásosabb és legelismertebb hangja volt. A ma az “amerikai művészet hangjaként” ismert, az amerikai absztrakt művészet merész és szókimondó ünneplése az 1940-es és 1950-es években olyan művészeket tett ismertté, mint Jackson Pollock, Willem de Kooning és Barnett Newman. Mivel Greenberg úgy vélte, hogy a művészetet a vonal, a szín és a sík felület legtisztább, legegyszerűbb és legpoétikusabb tulajdonságaira kell redukálni, elképzelései egy egész generációra voltak hatással, és minden idők legikonikusabb műalkotásainak megalkotásához vezették őket. “A modernizmus – írta – arra használta a művészetet, hogy felhívja a figyelmet a művészetre.”
Clement Greenberg korai eszméi
A Bronxban született zsidó-litván bevándorlók gyermekeként, Clement Greenberg angol irodalmat tanult a Syracuse Egyetemen. A diploma megszerzése után munkahelyek között ingázott, mielőtt megtalálta az utat a magukat New York-i értelmiségieknek nevező írók és kritikusok csoportjába, köztük Susan Sontag és Harold Rosenberg közé. Sokan zsidók voltak, és baloldali politikát képviseltek, integrálva az irodalomelméletet a marxista nézetekkel, de elutasították Sztálint, és inkább a trockizmus liberális eszméi felé hajoltak.
Greenberg számos gondolata eredetileg Karl Marxtól származott, különösen az a meggyőződése, hogy az absztrakt avantgárd művészet merész és forradalmi lépés volt a nácik vagy a kommunisták által vezetett elnyomó politikai rendszerektől. Greenberg elképzeléseire nagy hatással volt Hans Hofmann német művész és pedagógus is. Greenberg 1938-ban és 1939-ben elment Hoffmann több előadására, amelyeken a művészet “formai” felfogásának fontosságát hangsúlyozta, ahol a színt, a vonalat, a felületet és a sík felület síkjai közötti kapcsolatot fontosabbnak tartották, mint a figurális vagy irodalmi tartalmat.
Az avantgárd ünneplése
Clement Greenberg legkorábbi kritikai írásai nagyrészt a New York-i liberális Partisan Review-ban jelentek meg, és nagy hatással voltak rá Hans Hoffmann elképzelései. Greenberg a Partisan Review-ban publikálta első, legnagyobb hatású esszéjét Avantgárd és giccs címmel, 1939-ben, amely számos későbbi gondolatának alapját képezte.
Az esszében Greenberg amellett érvel, hogy a 20. század eleji avantgárd művészet “az egyetlen élő kultúra”, amely még létezik, míg a “giccs”, a populáris vagy tömeggyártott anyagok megjelenése nagy veszélyt jelent a létezésére. Azzal érvelve, hogy a “giccs” képi világa a giccses, olcsó iparosodott társadalom mellékterméke, határozottan állította, hogy mind a művészetnek, mind az irodalomnak utat kell kínálnia egy magasabb igazsághoz, amely túlmutat ezen a “lealacsonyított” nyelven. A folyamatra és kísérletezésre összpontosító “magas” avantgárd művészet társadalmi jelentőségébe vetett hit kulcsfontosságú volt Greenberg összes művészetről alkotott elképzelésében, és a művészetelméletről és -gyakorlatról szóló későbbi esszéinek alapjául szolgált.
A Newer Laokoon
Clement Greenberg alig egy évvel később publikálta második, instrumentálisan fontos esszéjét: Towards a Newer Laocoon, 1940. A szöveg Gotthold Lessing híres Laokoon című cikkének folytatása volt: A festészet és a költészet határairól szóló esszé, amely 1766-ban jelent meg. Lessing elkezdett különbséget tenni a különböző művészeti médiumok, köztük a költészet, a festészet és a szobrászat között, azzal érvelve, hogy mindegyiknek megvan a maga sajátos fejlődési nyelve, amelyet fel kell ismernünk és értékelnünk kell.
Lessing esszéjére építve Greenberg gondolatai egy történeti logikát vázoltak fel, amely leírja, honnan ered a modern festészet, és merre tart most. Azzal érvelt, hogy a festészet a történelmi idők óta egyre laposabbá vált, az elbeszélő vagy irodalmi tartalomtól az absztrakt mintázat és a felület hangsúlyozása felé mozdult el, és ezt írta: “De ami a legfontosabb, a képsík egyre sekélyebbé és sekélyebbé válik, ellaposítva és összepréselve a mélység fiktív síkjait, amíg azok egyként nem találkoznak a valós és anyagi síkon, amely a vászon tényleges felülete.”
Abrakt expresszionizmus
Az 1940-es években Clement Greenberg New York Greenwich Village negyedében telepedett le, ahol a Partisan Review szerkesztőjeként, a Commentary Magazine segédszerkesztőjeként és a The Nation kritikusaként dolgozott. Az elsők között fedezte fel és támogatta a feltörekvő absztrakt expresszionista iskola, köztük Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell és David Smith munkásságát, és írásai révén e művészek karrierje nemzetközi figyelem középpontjába került. Ahogy az ő karrierjük, úgy nőtt Greenbergé is, és az amerikai művészeti élet egyik óriása lett, aki előadásokat tartott a Black Mountain College-ban, a Yale Egyetemen, a Bennington College-ban és a Princeton Egyetemen, ahol jelentős hatással volt a kreatív gondolkodók következő generációjára.
The Crisis of the Easel Picture
Az 1940-es években megjelent számos esszé lehetővé tette Greenberg számára, hogy kibővítse az absztrakt festészet fontossága melletti érvelését, köztük az 1944-ben megjelent Abstract Art és az 1948-as The Crisis of the Easel Picture. Az utóbbi szövegben bevezette az “all-over” kép radikális és nagy hatású koncepcióját, a Jackson Pollock, Lee Krasner és Barnett Newman által gyakorolt lapos, ismétlődő tendenciát az amerikai művészetben “decentralizált, polifonikus, all-over festészetként” írta le, amely “puszta textúrává, puszta szenzációvá” olvadt. Azt is állította, hogy az “all-over” festészet az iparosodott, kapitalista társadalomra adott logikus reakcióként jött létre, amelyben “minden hierarchikus megkülönböztetés kimerült … a tapasztalat egyetlen területe vagy rendje sincs sem önmagában, sem relatíve magasabb rendű, mint bármelyik másik”.
Greenberg ellen. Rosenberg
Clement Greenberg egyik legnagyobb riválisa műkritikus kollégája, Harold Rosenberg volt; a pletykák szerint néha majdnem bilincsben végezték heves vitáik során. Bár elképzeléseik között sok átfedés volt, Rosenberg dicsérte az általa “Action Painting”-nek nevezett festészetet, az absztrakció egy olyan irányzatát, amely a Jackson Pollock, Franz Kline és Arshile Gorkij által gyakorolt energikus, performatív gesztusokon alapult. Rosenberg támogatta az absztrakt expresszionista művészeket is, akik figuratív vagy narratív elemeket vittek vissza szabad, expresszív festészetükbe, mint például Willem de Kooning és Philip Guston.
Ezzel szemben Greenberg az absztrakció tisztább, letisztultabb stílusának támogatását erőltette, aktívan elutasítva de Kooning legújabb figuratív tanulmányait. Ehelyett a washingtoni színes iskola festői, mint Barnett Newman, Kenneth Nolan és Anne Truitt felé tolta el a támogatását, akik a lapos színminták optikai érzetére épülő, lecsupaszított, minimalista nyelvezetet gyakoroltak. Az American-Type Painting (1955) című esszéjében Greenberg azzal érvelt, hogy ez az új festőiskola természetes úton halad a valódi modernista művészet felé.
Modernista festészet
Ahogy Clement Greenberg elképzelései fejlődtek, egyre inkább polarizálódtak és szélsőségessé váltak. Amikor a New York-i művészek, Robert Rauschenberg és Jasper Johns révén a giccs, a többrétegű pop art és a neodada stílusok felemelkedése kezdett kibontakozni, Greenberg még keményebben küzdött ellene. Hangosan küzdött azzal az érvével, hogy a modernista festészetnek olyan redukciós folyamatnak kell lennie, amely elhatárolja azt más médiumoktól vagy módszerektől. Azt állította továbbá, hogy az absztrakció a modern művészet logikus és szükséges fejlődése, amely a művészetet a legcsupaszabb, legdesztilláltabb lényegére csupaszítja vissza, amit a formalizmus természetes továbbfejlesztéseként jellemzett, egy elméletet, amelyet először Roger Fry műkritikus terjesztett elő a 20. század elején.
Ezeket az elképzeléseket Greenberg legikonikusabb esszéje, a Modernista festészet (1961) példázza. Azzal érvelt, hogy a festészetnek végső soron “tiszta” tevékenységnek kell lennie, elutasítva mindenféle utalást a külvilágra, beleértve az érzelmi kifejezést, az illuzionizmust, vagy bármilyen “teret, amelyet felismerhető tárgyak lakhatnak”. Greenberg továbbra is kifejtette, hogy a festészetnek teljesen önreferenciálisnak kell lennie, csak önmagára vonatkoztatva, és semmilyen más külső hivatkozással a valós világra, vagy más művészeti médiumra, például szobrászatra vagy rajzra.
Poszt-festői absztrakció
Clement Greenberg elképzelései – bár szélsőségesek voltak – a kor szellemét tükrözték, és jelentős hatással voltak az 1960-as évek vezető művészeti fejleményeire. Helen Frankenthaler, Morris Louis és Jules Olitski leegyszerűsített, telített Colour Field festményei ma Greenberg eszméinek szinonimái, amelyek a modernizmus korszakának csúcspontját határozták meg a formához, színhez, textúrához, léptékhez és kompozícióhoz való kíméletlenül szigorú, analitikus hozzáállással. Greenberg 1964-ben a Los Angeles Megyei Művészeti Múzeumban posztfestői absztrakció címmel rendezett kiállítást, amelyen harmincegy különböző művész alkotásai szerepeltek; a kiállítás olyan sikeres volt, hogy a posztfestői absztrakciót ma már önálló mozgalomként ismerik el.
A művészetkritikára gyakorolt hatása
A modernista festészetben Greenberg mind saját formalizmusról alkotott elképzeléseire, mind a 18. századi német filozófus, Immanuel Kant elméleteire építve a művészet új, objektív látásmódja mellett érvelt. Úgy vélte, hogy a művészetet teljesen távolságtartóan kell szemlélni és írni róla, csak magának a tárgynak a fizikai tulajdonságait kell megfigyelni. Ezek az elképzelések nagy hatással voltak a modernista műkritikusok új generációjára, akik “Greenberg iskolájaként” váltak ismertté, köztük Rosalind Kraussra, Michael Friedre és Barbara Rose-ra, akik mindannyian hasonló analitikus megközelítést alkalmaztak egy-egy műalkotás boncolgatásakor.
A Clement Greenberg elleni visszahatás
A hatvanas évek közepére a művészek és a kritikusok már túlléptek Clement Greenberg elképzeléseinek szélsőségein. Sokan túlságosan polarizáltnak és dogmatikusnak látták az álláspontját, míg az illuzionizmus, a narratíva és az érzelmek eltávolítása a festészetből sarokba szorította a médiumot, és már nem volt hová mennie. És ahogy Rosalind Krauss műkritikus ráébredt, Greenberg a modernista, formalista művészet túlzott leegyszerűsítésével az élet sajátosságainak és irracionalitásainak nagy részét eltörölte. A pop art és a fluxus bomlasztó iskolái, amelyek Greenberg nyomán jöttek létre, a hatvanas és hetvenes évek során a hétköznapi élet összetett sokszínűségét hozták vissza a művészeti gyakorlatba, és sok mindent megingattak abból, ami mellett Greenberg olyan hevesen érvelt.
Noha a Greenberg tiszta modernizmus és formalizmus körüli elképzeléseivel szembeni ellenhatás több generáción át tartott, az általa az önreferencialitásra és a művészeti tárgyak anyagiságára helyezett hangsúlyt a mai napig tartó attitűd. A mai legkísérletezőbb és legizgalmasabb kortárs festők közül sokaknak a hátsó gondolkodásában ott van a festmény mint fizikai tárgy tudatossága, még akkor is, ha mára már elárasztották azt a modern életre való utalásokkal, ahogy azt Callum Innes, Tomma Abts, Fiona Rae és Peter Doig művészete mutatja.
Míg Greenbergnek a művészettörténetről mint az absztrakció felé való szinguláris menetelésről alkotott, kissé leegyszerűsített nézete mára nagyrészt átíródott, érvelése, miszerint a festményeket először csak önmagukban kell látnunk, anélkül, hogy bármi máshoz viszonyítanánk őket, olyan hozzáállás, amely ma is a háttérben húzódik, és sokunk művészetszemléletét színesíti, különösen a művészetbe mint egyedi élménybe vetett hite, amely “semmilyen más forrásból nem érhető el”
.