Florence et MantoueEdit

La musique de Dafne est désormais perdue. Le premier opéra dont la musique a survécu a été présenté en 1600 lors du mariage d’Henri IV de France et de Marie de Médicis au palais Pitti de Florence. L’opéra, Euridice, sur un livret de Rinuccini, mis en musique par Peri et Giulio Caccini, racontait l’histoire d’Orphée et d’Eurydice. Le style de chant privilégié par Peri et Caccini était une forme exacerbée de discours naturel, un récitatif dramatique soutenu par une musique instrumentale à cordes. Le récitatif a donc précédé le développement des arias, bien qu’il soit bientôt devenu habituel d’inclure des chants séparés et des interludes instrumentaux pendant les périodes où les voix étaient silencieuses. Dafne et Euridice comprenaient également des chœurs commentant l’action à la fin de chaque acte, à la manière de la tragédie grecque. Le thème d’Orphée, le demi-dieu de la musique, était naturellement populaire et a attiré Claudio Monteverdi (1567-1643) qui a écrit son premier opéra, L’Orfeo (La Fable d’Orphée), en 1607 pour la cour de Mantoue.

Monteverdi a insisté sur une relation forte entre les mots et la musique. Lorsque Orfeo a été joué à Mantoue, un orchestre de 38 instruments, de nombreux chœurs et des récitatifs ont été utilisés pour en faire un drame vivant. Il s’agissait d’une version beaucoup plus ambitieuse que celles qui avaient été présentées auparavant – plus opulente, plus variée dans les récitatifs, plus exotique dans les décors – avec des climats musicaux plus forts qui laissaient toute la place à la virtuosité des chanteurs. L’opéra avait révélé sa première étape de maturité dans les mains de Monteverdi. L’Orfeo a également la particularité d’être le plus ancien opéra encore régulièrement joué aujourd’hui.

Opéra à RomeEdit

En quelques décennies, l’opéra s’est répandu dans toute l’Italie. À Rome, il a trouvé un défenseur en la personne du prélat et librettiste Giulio Rospigliosi (plus tard le pape Clément IX). Les mécènes de Rospigliosi étaient les Barberini.

Parmi les compositeurs qui ont travaillé à cette période, on trouve Luigi Rossi, Michelangelo Rossi, Marco Marazzoli, Domenico et Virgilio Mazzocchi, Stefano Landi.

Depuis les années 1630, le sujet des œuvres a beaucoup changé : ceux de la tradition pastorale et de l’Arcadie, il est préférable que les poèmes de chevalerie, généralement Ludovico Ariosto et Torquato Tasso, ou ceux tirés de l’hagiographie et de la commedia dell’arte chrétienne.

Avec l’augmentation du nombre de personnages, les opéras romains sont devenus très dramatiques, et ont eu plusieurs rebondissements. Avec ceux-ci vint une nouvelle méthode de fixation des lignes du récitatif, mieux adaptée aux diverses situations qui découlaient de la riche intrigue et qui était plus proche du discours, pleine de parenthèses aux dépens du style paratactique qui avait tant caractérisé les premières œuvres florentines.

Venise : l’opéra commercialEdit

Les principales caractéristiques de l’opéra vénitien étaient (1) une plus grande importance accordée aux arias formelles ; (2) le début du style bel canto (« beau chant »), et une plus grande attention à l’élégance vocale qu’à l’expression dramatique ; (3) une moindre utilisation de la musique chorale et orchestrale ; (4) des intrigues complexes et improbables ; (5) une machinerie scénique élaborée ; et (6) de courtes introductions instrumentales en forme de fanfare, prototypes de l’ouverture ultérieure.

L’opéra prend une nouvelle direction importante lorsqu’il atteint la république de Venise. C’est là que la première salle d’opéra publique, le Teatro di San Cassiano, a été ouverte en 1637 par Benedetto Ferrari et Francesco Manelli. Son succès a permis à l’opéra de s’éloigner du mécénat aristocratique et d’entrer dans le monde commercial. À Venise, le drame musical n’était plus destiné à une élite d’aristocrates et d’intellectuels et acquit le caractère d’un divertissement. Très vite, de nombreuses maisons d’opéra ont vu le jour dans la ville, présentant des œuvres pour un public payant pendant la saison du carnaval. Les maisons d’opéra employaient un très petit orchestre pour économiser de l’argent. Une grande partie de leur budget était consacrée à attirer les chanteurs vedettes de l’époque ; c’était le début du règne du castrat et de la prima donna (première dame).

Le principal compositeur des premiers opéras vénitiens était Monteverdi, qui avait quitté Mantoue pour s’installer dans la république en 1613, avec d’autres compositeurs importants par la suite, notamment Francesco Cavalli, Antonio Cesti, Antonio Sartorio et Giovanni Legrenzi. Monteverdi a écrit trois œuvres pour les théâtres publics : Il ritorno d’Ulisse in patria (1640), Le nozze d’Enea con Lavinia (1641, aujourd’hui perdu) et, plus célèbre, L’incoronazione di Poppea (1642). Les sujets des nouveaux opéras de Monteverdi et d’autres étaient généralement tirés de l’histoire romaine ou des légendes de Troie, afin de célébrer les idéaux héroïques et la noble généalogie de l’État vénitien. Cependant, ils ne manquaient pas d’intérêt pour l’amour ou la comédie. La plupart des opéras se composaient de trois actes, contrairement aux opéras antérieurs qui en comptaient normalement cinq. L’essentiel de la versification était encore du récitatif, mais aux moments de grande tension dramatique, il y avait souvent des passages ariosos connus sous le nom d’arie cavate. Sous les disciples de Monteverdi, la distinction entre le récitatif et l’aria devient plus marquée et plus conventionnelle. Ceci est évident dans le style des quatre compositeurs les plus célèbres de la génération suivante : Francesco Cavalli, Giovanni Legrenzi, Antonio Cesti et Alessandro Stradella.

Diffusion de l’opéra à l’étrangerEdit

Dans le Commonwealth polonais-lituanien, une tradition de production d’opéra a débuté à Varsovie en 1628, avec une représentation de Galatea (compositeur incertain), le premier opéra italien produit hors d’Italie. Peu après cette représentation, la cour produit l’opéra La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina de Francesca Caccini, qu’elle avait écrit pour le prince Władysław Vasa trois ans plus tôt alors qu’il se trouvait en Italie. Autre première, il s’agit du plus ancien opéra conservé écrit par une femme. Gli amori di Aci e Galatea de Santi Orlandi a également été représenté en 1628. Lorsque Władysław était roi (sous le nom de Władysław IV), il a supervisé la production d’au moins dix opéras à la fin des années 1630 et dans les années 1640, faisant de Varsovie un centre de cet art. Les compositeurs de ces opéras ne sont pas connus : il se peut qu’il s’agisse de Polonais travaillant sous la direction de Marco Scacchi dans la chapelle royale, ou qu’ils fassent partie des Italiens importés par Władysław. Un dramma per musica (comme on appelait à l’époque l’opéra italien sérieux) intitulé Giuditta, basé sur l’histoire biblique de Judith, a été représenté en 1635. Le compositeur était probablement Virgilio Puccitelli.

Les opéras de Cavalli ont été joués dans toute l’Italie par des compagnies itinérantes avec un énorme succès. En fait, son Giasone était l’opéra le plus populaire du 17ème siècle, bien que certains critiques aient été consternés par son mélange de tragédie et de farce. La renommée de Cavalli s’étendit à toute l’Europe. L’une de ses spécialités était de donner à ses héroïnes des « lamentations de basse de terre ». Il s’agissait d’arias de deuil chantées sur une ligne de basse descendante, qui ont eu une grande influence sur Henry Purcell, dont le « When I am laid in earth » de Dido and Aeneas est probablement l’exemple le plus célèbre de cette forme. La réputation de Cavalli incita le cardinal Mazarin à l’inviter en France en 1660 pour composer un opéra pour le mariage du roi Louis XIV avec Marie-Thérèse d’Espagne. L’opéra italien avait déjà été présenté en France dans les années 1640 et avait reçu un accueil mitigé, et l’expédition à l’étranger de Cavalli s’est soldée par un désastre. Le public français ne réagit pas bien à la reprise de Xerse (1660) et de l’Ercole amante (1662), spécialement composé, préférant les ballets qui avaient été insérés entre les actes par un compositeur florentin, Jean-Baptiste Lully, et Cavalli jura de ne plus jamais composer d’opéra.

Cesti eut plus de chance lorsqu’on lui demanda d’écrire un opéra pour la cour des Habsbourg à Vienne en 1668. Il pomo d’oro était si grandiose que la représentation a dû être étalée sur deux jours. Ce fut un immense succès qui marqua le début de la domination de l’opéra italien au nord des Alpes. À la fin du XVIIe siècle, les compositeurs allemands et anglais ont tenté d’établir leurs propres traditions, mais au début du XVIIIe siècle, ils ont cédé le pas à l’opéra italien importé, qui est devenu le style international entre les mains de compositeurs tels que Haendel. Seule la France résiste (et sa tradition lyrique avait été fondée par l’Italien Lully). C’est ainsi que le modèle s’est imposé jusqu’au XIXe siècle : la tradition italienne était internationale et ses principaux représentants (par exemple Haendel, Hasse, Gluck et Mozart) n’étaient souvent pas originaires d’Italie. Les compositeurs qui voulaient développer leurs propres formes nationales d’opéra devaient généralement se battre contre l’opéra italien. Ainsi, au début du XIXe siècle, Carl Maria von Weber en Allemagne et Hector Berlioz en France ont tous deux senti qu’ils devaient défier l’énorme influence de l’Italien Rossini.