Emma Amos, une peintre figurative dont l’art visuellement séduisant fixait le racisme et les privilèges, est morte à 83 ans. Sa galerie, Ryan Lee, a déclaré dans une annonce par courriel qu’Amos est décédée à Bedford, dans le New Hampshire, le 20 mai de la maladie d’Alzheimer.
Tout au long de sa carrière, Amos a fait preuve d’un talent pour élaborer des tableaux imaginatifs qui mêlaient des aspects de l’histoire de l’art, de sa vie personnelle et de l’actualité, offrant ainsi des images pour les âges. Ses images saisissantes s’attaquent à des sujets épineux qui révèlent d’affreuses histoires de racisme, de sexisme et de lutte des classes – des sujets auxquels Amos s’est attaquée même si elle savait qu’ils pouvaient constituer un handicap. « Oui », écrivait-elle dans sa déclaration d’artiste, « la race, le sexe, la classe et les privilèges du pouvoir existent dans le monde de l’art. »
Cette ligne de pensée s’étendait à la façon dont Amos voyait la peinture elle-même. La couleur, l’un des aspects formels de base de la peinture, a pris des sous-entendus politiques, selon Amos. « Chaque fois que je pense à la couleur, c’est une déclaration politique », a-t-elle déclaré un jour à l’historienne de l’art Lucy Lippard. « Ce serait un luxe d’être blanche et de ne jamais avoir à y penser. »
Dans l’une de ses œuvres les plus célèbres, Flower Sniffer (1966), Amos se peint à l’intérieur d’un grand cercle blanc dont les bords sont bleus. L’orange de sa chemise et le jaune de ses fleurs sont peut-être chauds, mais rien d’autre dans l’image ne l’est. Délibérément quelque peu déséquilibrée, la peinture se veut une critique de la tradition de l’autoportrait, Amos apparaissant comme nettement moins passive que de nombreuses femmes artistes blanches qui se sont représentées au cours de l’histoire de l’art.
Les toiles d’Amos avaient aussi un côté ludique. Un rappel de Flower Sniffer apparaît à l’arrière-plan de Sandy and Her Husband (1973), une image tendre d’un duo mari-femme dansant dans un salon. Et dans certaines de ses peintures les plus éblouissantes, des artistes de cirque, des animaux et des instruments de musique semblent dégringoler dans le vide, comme si les règles de la perspective n’avaient pas à s’appliquer.
Comme beaucoup d’artistes féminines noires travaillant dans les années 60 et 70, Amos n’a été reconnue par les grands musées que dans les dernières étapes de sa carrière, en partie grâce au succès critique d’expositions comme « Soul of a Nation : Art in the Age of Black Power » (organisée par la Tate Modern de Londres) et « We Wanted a Revolution : Black Radical Women, 1965-85 » (organisée par le Brooklyn Museum de New York). Pourtant, Amos occupe une position inhabituelle parmi ses collègues parce qu’elle avait été impliquée dans un groupe clé d’artistes noirs qui avait reçu la presse même en son temps.
Ce collectif était le groupe éphémère mais massivement influent connu sous le nom de Spiral. Comptant Norman Lewis, Romare Bearden et Hale Woodruff parmi ses membres, Amos était la seule femme invitée à en faire partie, ayant été amenée par Woodruff, son ancien professeur. (Amos a également essayé d’attirer Vivian Brown dans le groupe, mais elle a affirmé que l’idée avait été rejetée par les hommes qui l’entouraient). Les artistes de Spiral, qui travaillaient tous selon des modes très différents, n’étaient pas d’accord sur ce que pouvait signifier la notion d' »art noir ». « Je ne crois pas qu’il existe d’artistes noirs », déclarait Amos à ARTnews dans un article de 1966 sur Spiral. » Pourquoi ne pas laisser entrer les Blancs ? «
Spiral a été formé en 1963 et dissous peu après. En 1965, le groupe a mis en scène « First Group Showing : Works in Black and White » dans une galerie louée à New York – une première exposition qui s’est avérée être sa dernière. Mais l’influence de Spiral est aujourd’hui considérable. » Spiral a twitté et explosé la lignée euro-américaine de l’intérieur « , a écrit la critique Martha Schwendener dans le Village Voice lorsqu’une enquête a voyagé du Birmingham Museum of Art d’Alabama au Studio Museum in Harlem de New York.
Spiral n’était pas le seul collectif radical dans lequel Amos s’est impliqué. Pendant une brève période au cours des années 70, Amos a été rédacteur à Heresies, une revue féministe clé qui a publié des textes d’artistes tels que Howardena Pindell, Ana Mendieta, Adrian Piper et Martha Rosler. « Ils pensaient que j’allais, vous savez, faire des sandwichs au beurre de cacahuète et courir chercher du thé, et je suis restée assise là », a déclaré Amos dans une histoire orale de 2011. « Vous savez, je n’allais pas faire ça. »
Selon l’annonce de la galerie Ryan Lee, Amos était également impliquée dans les Guerrilla Girls, un collectif féministe légendaire qui a déchiré la misogynie du monde de l’art par des protestations, des écrits et des œuvres d’art militantes. Comme les Guerrilla Girls font des apparitions publiques avec des masques de gorille, l’identité de leurs membres a longtemps été tenue secrète. Amos a laissé son implication vague, déclarant une fois : « J’étais membre d’un groupe de femmes clandestin très célèbre qui travaillait la nuit et ne sortait jamais sans masque sur le visage. »
Emma Amos est née en 1937 à Atlanta, en Géorgie. Dès son plus jeune âge, elle montre une propension pour l’art et suit des cours dans des institutions locales. À 16 ans, elle s’inscrit à un programme de licence au Antioch College de Yellow Springs, dans l’Ohio, où elle poursuit une formation artistique qui l’amène plus tard à étudier à l’étranger, à Londres, pendant un an. En 1960, elle s’était installée à New York.
Après avoir travaillé comme enseignante dans une école préparatoire, Amos a trouvé un emploi dans le studio de Dorothy Liebes, une designer textile qui a contribué à élever la pratique du tissage. Les expériences d’Amos avec Liebes, pour laquelle elle a travaillé pendant une décennie, ont suscité un intérêt pour l’artisanat qui l’a accompagnée pendant une grande partie de sa carrière. Dans des interviews, Amos a comparé la peinture à l’artisanat. « Même la toile, pour moi, est un textile », a-t-elle dit un jour. De 1977 à 1978, Amos a co-animé la série télévisée Show of Hands, axée sur l’artisanat.
Dans les années 80, Amos a commencé à créer des peintures pour une série connue sous le nom de « Falling », qui met en scène des personnages dégringolant dans de vastes espaces. « J’aimais l’idée que si vous tombiez dans les airs, il y aurait quelqu’un qui essaierait de vous rattraper ou qu’il y aurait quelqu’un qui se tiendrait sur vous, de sorte qu’il y aurait deux d’entre vous ensemble », a déclaré Amos. Dans une œuvre mémorable de la série, Amos tombe à travers un ciel bleuté en se tenant à une photo de sa mère.
Après cette série, Amos a produit des œuvres qui combinaient tous ses intérêts avec ses expériences avec les textiles et la gravure. (Elle avait participé à l’atelier de gravure de l’artiste Robert Blackburn dans les années 70). Dans nombre d’entre elles, on sentait implicitement qu’Amos était insatisfaite de la blancheur de l’histoire de l’art. Pour Muse Picasso (1997), elle a façonné une toile comme une blouse de peintre, plaçant en son centre une image de Pablo Picasso et l’entourant de rondelles représentant des masques africains et sa propre image. Autour des deux, on trouve des tissus africains et des mots tels que « maître » – une reconnaissance explicite des histoires de racisme, de colonialisme et d’esclavage en Afrique que Picasso n’a pas vues lorsqu’il s’est inspiré des masques du continent.
Jusqu’à la dernière décennie, Amos avait reçu moins de reconnaissance qu’elle ne le méritait. Le Studio Museum in Harlem a monté une enquête dans les années 90, et Art in General à New York a présenté une exposition qui a voyagé. Mais peu de grandes institutions avaient montré de l’intérêt pour son travail. « Je me réveille le matin et je me dis : « J’ai une pièce au Musée d’art moderne. Je me demande si elle y est encore… Je me demande si on ne l’a pas abandonnée », a-t-elle déclaré. « Et je me demande comment il se fait que personne ne sache qui je suis ».
Cette œuvre au MoMA n’a pas été déclassée, cependant, et le musée détient maintenant cinq autres pièces d’Amos. D’autres institutions détiennent des œuvres importantes d’Amos, notamment le Cleveland Museum of Art, le Whitney Museum et le Brooklyn Museum, et une rétrospective d’Amos est prévue au Georgia Museum of Art d’Athènes en 2021.