Der renommierte Kunstkritiker Clement Greenberg war eine der einflussreichsten und angesehensten Stimmen des 20. Jahrhunderts. Jahrhunderts. Er ist heute als „Stimme der amerikanischen Kunst“ bekannt, da er die amerikanische abstrakte Kunst in den 1940er und 1950er Jahren kühn und unverblümt verteidigte und Künstler wie Jackson Pollock, Willem de Kooning und Barnett Newman zu bekannten Namen machte. Greenberg war der Ansicht, dass Kunst auf ihre reinsten, einfachsten und poetischsten Eigenschaften – Linie, Farbe und flache Oberfläche – reduziert werden sollte, und beeinflusste mit seinen Ideen eine ganze Generation, die einige der ikonischsten Kunstwerke aller Zeiten schuf. „Die Moderne“, schrieb er, „benutzte die Kunst, um auf die Kunst aufmerksam zu machen.“

Clement Greenbergs frühe Ideen

Als Sohn jüdisch-litauischer Einwanderer wurde Clement Greenberg in der Bronx geboren und studierte Englische Literatur an der Syracuse University. Nach seinem Abschluss schlug er sich mit verschiedenen Jobs durch, bevor er sich der Gruppe von Schriftstellern und Kritikern anschloss, die sich selbst die New Yorker Intellektuellen nannten, darunter Susan Sontag und Harold Rosenberg. Viele von ihnen waren Juden und vertraten eine linke Politik, indem sie die Literaturtheorie mit marxistischen Überzeugungen verbanden, aber sie lehnten Stalin ab und tendierten stattdessen zu den liberalistischen Ideen des Trotzkismus.

Viele von Greenbergs Ideen stammten ursprünglich von Karl Marx, insbesondere die Überzeugung, dass die abstrakte Avantgardekunst eine kühne und revolutionäre Abkehr von den unterdrückerischen politischen Regimen unter der Führung der Nazis oder der Kommunisten war. Ein weiterer wichtiger Einfluss auf Greenbergs Ideen war der deutsche Künstler und Pädagoge Hans Hofmann. In den Jahren 1938 und 1939 besuchte Greenberg mehrere von Hoffmanns Vorlesungen, die die Bedeutung eines „formalen“ Verständnisses in der Kunst betonten, bei dem Farbe, Linie, Oberfläche und die Beziehung zwischen Ebenen auf einer flachen Oberfläche als wichtiger angesehen wurden als figurative oder literarische Inhalte.

Feier der Avantgarde

Ein Großteil von Clement Greenbergs ersten kritischen Schriften erschien in der liberalen New Yorker Partisan Review und war stark von den Ideen Hans Hoffmanns beeinflusst. In der Partisan Review veröffentlichte Greenberg den ersten seiner einflussreichsten Essays mit dem Titel Avantgarde und Kitsch (1939), der die Grundlage für viele seiner späteren Ideen bildete.

In dem Essay argumentiert Greenberg, dass die Avantgarde-Kunst des frühen 20. Jahrhunderts „die einzige lebendige Kultur“ sei, die noch existiere, während das Aufkommen von „Kitsch“, populärem oder massenproduziertem Material eine große Bedrohung für ihre Existenz darstelle. Er vertrat die Ansicht, dass „kitschige“ Bilder ein Nebenprodukt der schäbigen, billigen Industriegesellschaft seien, und forderte nachdrücklich, dass sowohl die Kunst als auch die Literatur einen Weg zu einer höheren Wahrheit jenseits dieser „entwerteten“ Sprache bieten sollten. Dieser Glaube an die gesellschaftliche Bedeutung einer „hohen“ Avantgardekunst, die sich auf den Prozess und das Experiment konzentriert, war der Schlüssel zu Greenbergs Ideen über die Kunst und prägte seine zukünftigen Essays über Kunsttheorie und -praxis.

Ein neuerer Laokoon

Nur ein Jahr später veröffentlichte Clement Greenberg den zweiten seiner instrumental wichtigen Essays: Towards a Newer Laocoon, 1940. Der Text war eine Fortsetzung von Gotthold Lessings berühmtem Artikel Laokoon: Ein Versuch über die Grenzen der Malerei und Poesie, der 1766 veröffentlicht wurde. Lessing hatte damit begonnen, zwischen verschiedenen künstlerischen Medien wie Poesie, Malerei und Bildhauerei zu unterscheiden und argumentierte, dass jedes Medium seine eigene Entwicklungssprache habe, die wir erkennen und schätzen sollten.

Aufbauend auf Lessings Aufsatz skizzierte Greenberg in seinen Ideen eine historische Begründung, in der er beschrieb, woher die moderne Malerei kam und wohin sie sich nun bewegte. Er argumentierte, dass die Malerei seit historischen Zeiten immer flacher geworden sei und sich jenseits von narrativen oder literarischen Inhalten hin zu einer Betonung von abstrakten Mustern und Oberflächen bewegt habe, und schrieb: „Aber am wichtigsten ist, dass die Bildebene immer flacher wird und die fiktiven Tiefenebenen abflacht und zusammenpresst, bis sie sich auf der realen und materiellen Ebene, die die tatsächliche Oberfläche der Leinwand ist, treffen.“

Abstrakter Expressionismus

In den 1940er Jahren ließ sich Clement Greenberg im New Yorker Stadtteil Greenwich Village nieder, wo er als Redakteur der Partisan Review, als Mitherausgeber des Commentary Magazine und als Kritiker für The Nation arbeitete. Er war einer der ersten, der die Arbeiten der aufkeimenden Schule des Abstrakten Expressionismus, darunter Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell und David Smith, entdeckte und förderte, und durch seine Schriften wurde die Karriere dieser Künstler international bekannt. In dem Maße, wie ihre Karrieren wuchsen, wuchs auch die von Greenberg. Er wurde zu einer Größe in der amerikanischen Kunstszene und übernahm Lehraufträge am Black Mountain College, an der Yale University, am Bennington College und an der Princeton University, wo er einen großen Einfluss auf die nächste Generation kreativer Denker ausübte.

Die Krise des Staffeleibildes

In mehreren in den 1940er Jahren veröffentlichten Aufsätzen konnte Greenberg seine Argumentation für die Bedeutung der abstrakten Malerei erweitern, darunter Abstract Art, veröffentlicht 1944, und The Crisis of the Easel Picture, 1948. Im letztgenannten Text führte er das radikale und einflussreiche Konzept des „All-Over“-Bildes ein und beschrieb eine abgeflachte, sich wiederholende Tendenz in der amerikanischen Kunst, wie sie von Jackson Pollock, Lee Krasner und Barnett Newman praktiziert wurde, als „dezentralisierte, polyphone All-Over-Malerei“, die in „schiere Textur, schiere Empfindung“ überging. Er argumentierte auch, dass die „all-over“-Malerei als logische Reaktion auf eine industrialisierte, kapitalistische Gesellschaft entstanden sei, in der „alle hierarchischen Unterscheidungen erschöpft sind … kein Bereich oder keine Ordnung der Erfahrung ist entweder an sich oder relativ einem anderen überlegen.“

Greenberg vs. Rosenberg

Einer der größten Rivalen von Clement Greenberg war sein Kunstkritiker-Kollege Harold Rosenberg; Gerüchten zufolge endeten sie während ihrer lautstarken Debatten manchmal fast in Handschellen. Obwohl es viele Überschneidungen zwischen ihren Ideen gab, lobte Rosenberg das, was er „Action Painting“ nannte, eine Richtung der Abstraktion, die auf energiegeladenen, performativen Gesten basierte, wie sie von Jackson Pollock, Franz Kline und Arshile Gorky praktiziert wurden. Rosenberg unterstützte auch verschiedene Künstler des Abstrakten Expressionismus, die figurative oder erzählerische Elemente in ihre freie, expressive Malerei zurückgebracht hatten, wie Willem de Kooning und Philip Guston.

Im Gegensatz dazu setzte Greenberg seine Unterstützung für einen reineren, saubereren Stil der Abstraktion fort und lehnte de Koonings letzte figurative Studien aktiv ab. Stattdessen wandte er sich den Malern der Washingtoner Farbschule wie Barnett Newman, Kenneth Nolan und Anne Truitt zu, die eine reduzierte, minimale Sprache praktizierten, die auf den optischen Eindrücken flacher Farbmuster beruhte. In seinem Essay American-Type Painting (1955) vertrat Greenberg die Ansicht, dass diese neue Malerschule eine natürliche Entwicklung hin zu einer echten modernistischen Kunst darstellte.

Modernistische Malerei

Als sich Clement Greenbergs Ideen entwickelten, wurden sie zunehmend polarisiert und extrem. Als durch die New Yorker Künstler Robert Rauschenberg und Jasper Johns der Aufstieg des Kitsches, der vielschichtigen Pop Art und des Neo-Dada-Stils begann, wehrte sich Greenberg noch heftiger. Er vertrat vehement die Ansicht, dass die Malerei der Moderne ein Prozess der Reduktion sein müsse, der sie von anderen Medien oder Methoden entferne. Er behauptete weiterhin, dass die Abstraktion eine logische und notwendige Entwicklung in der modernen Kunst sei, die die Kunst auf ihre einfachste, destillierteste Essenz zurückführt, was er als die natürliche Weiterentwicklung des Formalismus bezeichnete, einer Theorie, die erstmals von dem Kunstkritiker Roger Fry im frühen 20. Jahrhundert aufgestellt wurde.

Diese Ideen wurden in Greenbergs ikonischstem Essay, Modernist Painting, 1961, veranschaulicht. Er vertrat die Ansicht, dass die Malerei eine letztlich „reine“ Tätigkeit sein sollte, die jede Form von Bezugnahme auf die Außenwelt ablehnt, einschließlich des emotionalen Ausdrucks, des Illusionismus oder jedes „Raums, den erkennbare Objekte bewohnen können.“ Greenberg fuhr fort zu erklären, wie ein Gemälde völlig selbstreferentiell sein sollte, nur auf sich selbst zurückbezogen und ohne weitere äußere Bezüge zur realen Welt oder zu einem anderen künstlerischen Medium wie Skulptur oder Zeichnung.

Post-Painterly Abstraction

Auch wenn sie extrem waren, spiegelten Clement Greenbergs Ideen den Zeitgeist wider und sie hatten einen deutlichen Einfluss auf die führenden künstlerischen Entwicklungen der 1960er Jahre. Die vereinfachten, gesättigten Farbfeldgemälde von Helen Frankenthaler, Morris Louis und Jules Olitski sind heute ein Synonym für Greenbergs Ideen, die mit ihrer rücksichtslos strengen, analytischen Haltung gegenüber Form, Farbe, Textur, Maßstab und Komposition den Höhepunkt der modernistischen Ära definieren. Greenberg kuratierte 1964 im Los Angeles County Museum of Art eine Ausstellung mit dem Titel Post-Painterly Abstraction, die Werke von einunddreißig verschiedenen Künstlern umfasste; sie war so erfolgreich, dass die Post-Painterly Abstraction heute als eigenständige Bewegung anerkannt ist.

Einfluss auf die Kunstkritik

Aufbauend auf seinen eigenen Ideen zum Formalismus und den Theorien des deutschen Philosophen Immanuel Kant aus dem 18. Er war der Ansicht, dass man Kunst völlig losgelöst betrachten und darüber schreiben sollte, indem man nur die physikalischen Eigenschaften des Objekts selbst beobachtet. Diese Ideen hatten einen tiefgreifenden Einfluss auf eine neue Generation von Kunstkritikern der Moderne, die als „School of Greenberg“ bekannt wurde, darunter Rosalind Krauss, Michael Fried und Barbara Rose, die alle einen ähnlichen analytischen Ansatz bei der Analyse eines Kunstwerks verfolgten.

Die Gegenreaktion gegen Clement Greenberg

Bereits Mitte der 1960er Jahre hatten sich Künstler und Kritiker von den extremen Ideen Clement Greenbergs entfernt. Viele sahen seinen Standpunkt als zu polarisiert und dogmatisch an, während seine Abschaffung von Illusionismus, Erzählung und Emotion in der Malerei das Medium in eine Ecke gedrängt hatte, aus der es keinen Ausweg mehr gab. Und wie die Kunstkritikerin Rosalind Krauss feststellte, hat Greenbergs übermäßige Vereinfachung der modernen, formalistischen Kunst einen Großteil der Idiosynkrasien und Irrationalitäten des Lebens ausgelöscht. Die disruptiven Schulen der Pop Art und des Fluxus, die in Greenbergs Gefolge entstanden, brachten in den 1960er und 1970er Jahren viele der komplexen Verschiedenheiten des gewöhnlichen Lebens zurück in die Kunstpraxis und erschütterten vieles von dem, wofür er so vehement eingetreten war.

Obwohl die Gegenreaktion auf Greenbergs Ideen der reinen Moderne und des Formalismus mehrere Generationen lang anhielt, ist die von ihm geforderte Betonung der Selbstreferenzialität und der Materialität von Kunstobjekten eine Haltung, die bis heute anhält. Viele der experimentellsten und aufregendsten zeitgenössischen Maler haben im Hinterkopf ein Bewusstsein für ein Gemälde als physisches Objekt, auch wenn sie es inzwischen mit Bezügen zum modernen Leben überflutet haben, wie die Kunst von Callum Innes, Tomma Abts, Fiona Rae und Peter Doig zeigt.

Während Greenbergs etwas vereinfachte Sicht der Kunstgeschichte als singulärer Marsch in Richtung Abstraktion heute weitgehend umgeschrieben wurde, ist sein Argument, dass wir Gemälde zunächst nur als sie selbst sehen sollten, ohne sie mit irgendetwas anderem in Verbindung zu bringen, eine Haltung, die bis heute im Hintergrund bleibt und die Art und Weise, wie so viele von uns Kunst betrachten, färbt, insbesondere sein Glaube an die Kunst als eine einzigartige Erfahrung, die „aus keiner anderen Quelle erhältlich ist“

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