Immersives Theater
von Stephen M. Eckert

Der Think Tank für zeitgenössische Performance konzentriert sich auf eine Reihe von Themen, die die Bereiche Theater und zeitgenössische Performance betreffen, und führt Untersuchungen und Interviews durch, um ein Buch als Ressource für Praktiker zu erstellen. In diesem Jahr geht es um zeitgenössische Performance-Künstler und -Unternehmen, die die Beziehungen zum Publikum neu definieren und die formalen Beziehungen zwischen Architektur, Künstler und Publikum auf die Probe stellen. Für diese Publikation wählte der Think Tank fünf Bereiche aus, die an der Spitze dieser Forschung stehen: zeitgenössische Choreografie, Mixed Reality Performance, Performance Cabaret, immersives Theater und sozial engagierte Kunst. Jeder Abschnitt des Buches enthält eine Einführung in die jeweilige Praxis, ein Gespräch mit einem Künstler und eine Liste von Künstlern, die in diesem Bereich arbeiten. „Was ist immersives Theater?“ ist Teil einer Serie von Beiträgen. Schauen Sie täglich vorbei, um die nächsten Beiträge zu sehen.

Wie kann das Theater in Zeiten von Binge-Watching, Live-Tweeting und Oculus Rift als allumfassende Unterhaltung mithalten? Vielleicht ist es unser Wunsch, mehr als nur Zuschauer zu sein – kopfüber in alternative Welten gesogen zu werden -, der den jüngsten Boom des immersiven Theaters angeheizt hat, das die vierte Wand gegen verwinkelte Gänge und Tanzflächen eintauscht, in der Hoffnung, dem Publikum nicht nur eine Show, sondern eine „Erfahrung“ zu bieten. – Michael Schulman, The New Yorker1

Das immersive Theater ist eine Aufführungsform, die die Bedeutung von Raum und Design betont, greifbare, sinnliche Umgebungen schafft und sich auf die persönliche, individuelle Erfahrung des Publikums konzentriert.2 Die Form hat sich in den letzten zwei Jahrzehnten zu einer wichtigen Bewegung in der Aufführungsbranche entwickelt und befindet sich heute in einem Mainstream-Moment. Als eine Form, die viele der etablierten Beziehungen des konventionellen Theaters unterläuft, kann ihr Erfolg als Ausdruck eines größeren Bedürfnisses des heutigen Publikums gesehen werden. In einer Zeit, in der sich ein Großteil des heutigen Lebens in bodenlosen, digitalen Räumen abspielt, sehnt sich das Publikum danach, als physischer Körper an realen Orten zu existieren; angesichts einer zweidimensionalen Kultur sucht das heutige Publikum nach expansiven, viszeralen Reizen; in einer Gesellschaft, der es an Privatsphäre mangelt, findet das Publikum die Aussicht auf eine intime, persönliche Erfahrung verlockend.3

Wenn ein Publikum in ein normales Theater geht, weiß es, was es bekommt – Sitze, ein Programm, Eiscreme, eine Bühne, zwei Hälften – und als Ergebnis sackt es zusammen und schaltet drei Viertel seines Gehirns aus. Ich wollte Inszenierungen schaffen, bei denen das Publikum physisch anwesend ist, so dass es von einem Grundgefühl geleitet wird und instinktiv Entscheidungen trifft. Diese Art von Show hinterlässt einen viel stärkeren Eindruck als das bloße Zuschauen.
– Felix Barrett, Punchdrunk4

Zeitgenössische Praktiken des immersiven Theaters können als eine Verschmelzung von Installationskunst und dem physischen und visuellen Theater des 20. Jahrhunderts gesehen werden. Jahrhunderts gesehen werden. Elemente modernistischer Praktiken spiegeln sich in zeitgenössischen Arbeiten wider, darunter Überlegungen zur szenografischen Gestaltung, zur Beziehung zwischen Darsteller und Publikum und zu sehr physischen Aufführungsstilen.5 Die Happenings und das Umwelttheater der 1960er Jahre mit ihrer offenen Komposition, ihrem Fokus auf Unmittelbarkeit und der Anerkennung der Bedeutung von Dauer verleihen der immersiven Form heute ebenfalls Elemente.6 Die Installations- und Live-Kunst-Praktiken ab den 1960er Jahren inspirierten einen Großteil der Ästhetik der Intimität und des partizipatorischen Fokus, die in zeitgenössischen immersiven Arbeiten zu sehen sind, indem sie den Betrachter in die Arbeit selbst einbeziehen und die kritische Distanz untergraben.7

Unternehmen, die heute immersives Theater machen, befassen sich stark mit dem physischen Raum, wobei ortsspezifische Produktionen in Lagerhallen, Krankenhäusern oder Nachtclubs üblich sind und große Aufmerksamkeit auf greifbare Details der Umgebung gelegt wird. Die Produktionen lassen sich oft vom Ort inspirieren oder wählen den Spielort auf der Grundlage des Themas der Arbeit, aber auch die Umwandlung eines Nicht-Theaters in einen immersiven Raum ist weit verbreitet.8 Diese Verbindung zwischen dem Werk und dem Ort, die Einbettung der Dramaturgie des Raums in die Inszenierung, ist für viele Unternehmen ein wesentlicher Aspekt ihrer Praxis.

Der Raum – ob eine schwebende Pause, eine leere Fläche, ein leerer Raum oder ein grenzenloser Kosmos – wirkt… er ist das grundlegende immaterielle Material, das von Designern genutzt wird, die Orte für theatrale Aufführungen schaffen. Der Raum ist der Stoff, aus dem Architekten (die ihn konstruieren) und Bühnenbildner (die ihn abstrahieren) sind; er wird von den Bewohnern (die in ihn eintauchen) erlebt.
– Dorita Hannah, Performance Perspectives: A Critical Introduction9

Immersives Theater bietet sinnliche Erfahrungen, bei denen das Publikum nicht nur aufgefordert wird, die Inszenierung zu hören und zu sehen, sondern sie auch zu berühren, zu schmecken und zu riechen. Die Zuschauer werden bei der Gestaltung des Bühnenbilds voll und ganz einbezogen, wobei jeder Aspekt erforscht, speziell entworfen und umgesetzt wird.10,11 Essen und Trinken sind oft Teil des Erlebnisses, und die Produktionen können Möglichkeiten zur physischen Interaktion mit szenischen Elementen enthalten.12,13 Der Sound in der immersiven Praxis konzentriert sich in ähnlicher Weise auf Erdung und Greifbarkeit und versucht, das Publikum in das Stück hineinzuversetzen, es in eine neue Welt zu versetzen.14 Diese Elemente werden ebenso gründlich bedacht wie der Raum der Aufführung, und alle sind in ähnlicher Weise dramaturgisch unterstützend für die Themen der Arbeit.

„Einige der Dinge, die die Punchdrunk-Crew und ihre Mitarbeiter erschaffen, überraschen mich immer noch. Für Sleep No More haben wir eine Stadt namens Gallow Green gebaut, und einer unserer Designer hat diesen alten Eisenbahnfahrplan nachgebaut. Er ist akkurat und funktioniert, aber er hat ihn so angepasst, dass Gallow Green zu den echten Bahnhöfen gehört. Er steht sinnbildlich für das Punchdrunk-Erlebnis: 97 Prozent akribisch real, aber mit winzigen, entscheidenden Unterbrechungen, die den Verstand durcheinander bringen.“ – Felix Barrett, Punchdrunk15

In diesen Räumen können die Aufführungen entweder direkt und linear sein, als eine Erfahrung auf den Gleisen, oder in weitläufigen Umgebungen, die die Wahl und Erkundung betonen. In beiden Fällen steht die Erfahrung des einzelnen Zuschauers im Mittelpunkt der Arbeit. Immersive Arbeiten brauchen ein Publikum, um zu existieren, und ein Großteil der Arbeiten zielt darauf ab, das Publikum zu stärken oder herauszufordern.16 Viele Unternehmen und Künstler schaffen Arbeiten, bei denen das Publikum und die Darsteller in einer persönlichen Beziehung zueinander stehen. Die Zuschauer können von der Gruppe getrennt und von einem oder mehreren Performern während des gesamten oder eines Teils des Erlebnisses geführt werden, die Performer können intime Momente für die Teilnehmer innerhalb einer größeren Veranstaltung bieten, oder das gesamte Erlebnis kann auf jeweils einen Teilnehmer beschränkt sein. Bei der Einzelarbeit können die Teilnehmer auch zu Partnern werden, wodurch die Grenze zwischen Publikum und Darsteller weiter verwischt wird.17

Es geht nicht nur um die Zahlen, sondern viel mehr um das Theater der Intimität… Ich glaube, das Publikum will das, weil es die Herausforderung, Bedeutung und Interpretation zu schaffen, auf die Zuschauer zurückwirft. Es ist die Art und Weise, wie wir uns die virtuelle Welt immer vorgestellt haben, aber sie ist lebendig. – Vallejo Gantner, PS12218

Das im Jahr 2000 von Felix Barrett in London gegründete und seitdem international expandierende Unternehmen Punchdrunk ist ein Pionier der zeitgenössischen immersiven Form, bei der ein frei bewegliches Publikum groß angelegte dramatische Ereignisse in hochdetaillierten Theaterräumen erlebt. Durch die Kombination kanonischer Texte mit physischer Performance, sinnlicher szenografischer Gestaltung und ortsspezifischen Schauplätzen unterläuft das Ensemble die konventionelle Theatererwartung einer passiven Zuschauerschaft.19 Diese Produktionen sind eine Erfahrung abseits der Pfade, bei der das Publikum nicht jedes Szenenelement sehen kann und gezwungen ist, zu entscheiden, welcher Figur oder Erzählung es folgen will oder nicht. Das Publikum wird außerdem gebeten, während der gesamten Veranstaltung Masken im venezianischen Stil zu tragen, die eine szenografische Funktion haben und eine karnevaleske Anonymität sowie eine Lockerung der typischen sozialen Regeln bewirken.

Die jüngste Produktion des Unternehmens, The Drowned Man: A Hollywood Fable, beanspruchte vier Stockwerke eines seit langem stillgelegten Royal Mailing Office und verwandelte den Raum in das fiktive Filmstudio Temple Pictures. Die Ästhetik des goldenen Hollywood-Zeitalters und die Erzählung, die sich aus so unterschiedlichen Elementen wie Groschenromanen, Film Noir, Ray Bradbury und Woyzeck speist, wurde von der Kritik sehr positiv aufgenommen.20 Das Projekt war auch eine Zusammenarbeit mit dem Nationaltheater, nicht das erste Mal, dass das Ensemble mit einer größeren, etablierteren Einrichtung zusammenarbeitete (The Crash of the Elysium wurde mit der BBC koordiniert und basierte auf den Charakteren und Welten von Doctor Who21), aber es stellte eine Brücke zwischen der alten Garde des konventionellen Theaters und der neuen immersiven Form dar.

Punchdrunk begann als eine Idee, die ich mit einigen Freunden an der Universität hatte. Sie entstand aus dem Wunsch, eine Arbeit zu schaffen, bei der das Publikum im Zentrum der Erfahrung steht. Wir wollten sie aus der Sicherheit der traditionellen Theatersitze herausreißen und sie in den Mittelpunkt des Geschehens stellen, ausgestattet mit Identität und Ziel. – Felix Barrett, Punchdrunk22

Das ebenfalls im Jahr 2000 gegründete und von den künstlerischen Leitern Zach Morris, Tom Pearson und Jennine Willett geleitete Projekt Third Rail Projects hat sich zum Ziel gesetzt, Tanz und Performance neu zu gestalten und Kunst und Publikum durch verschiedene Elemente ortsspezifischer Performances, Tanztheater, Installationskunst, Video- und Multimediaprojekte sowie immersive Performance-Umgebungen zusammenzubringen.23 Third Rail berücksichtigt bei der Entwicklung von Arbeiten in hohem Maße ihre Räume, wobei Thema, Struktur und szenografische Entscheidungen direkt vom Produktionsort inspiriert werden. Morris beschreibt häufig, wie wichtig es ist, einem Raum „zuzuhören“.24 Die immersiven Installationen von Third Rail sind zwar ähnlich groß, unterscheiden sich aber von denen von Punchdrunk durch ihren Tanztheater-Fokus und die viel stärker geführte, auf den Schienen verlaufende Regie. Anstatt sich frei zu bewegen, bewegen sich die Zuschauer linear von Raum zu Raum.

Third Rails New Yorker Produktion von Then She Fell, einer skurrilen und surrealen Version von Alices Abenteuer im Wunderland, die in einer ehemaligen medizinischen Einrichtung gezeigt wird, läuft bereits im vierten Jahr25 , während ihre balsamische 1970er-Jahre-Brunnen-der-Jugend-Resort-Erfahrung, The Grand Paradise, im vergangenen Jahr sowohl in Los Angeles als auch in New York großen Anklang fand.26 Beide Stücke beinhalten kuratierte Eins-zu-Eins-Begegnungen und wurden vor allem durch Online-Crowdsourcing finanziert. Learning Curve, das mit dem Albany Park Theater Project in Zusammenarbeit mit dem Goodman Theater entwickelt wurde, versetzt die Teilnehmer in eine High School in Chicago und wurde gemeinsam mit der lokalen Gemeinschaft von Schülern, Lehrern und Eltern entwickelt.27Sweet & Lucky, das vom Denver Center for the Performing Arts in Auftrag gegeben wurde,28 lud die Zuschauer in ein geheimnisvolles Antiquitätengeschäft ein, das zu einem Abend mit traumhaften Begegnungen rund um die Themen Erinnerung und Sterblichkeit führte.29

Unsere Aufgabe ist es, hoffentlich einen Haufen wirklich interessanter Punkte zu schaffen. Aber es ist die Aufgabe des Publikums, diese Punkte zu verbinden. Und sie können sie verbinden, wie sie wollen. Das Coole an dieser Art von Theater ist, dass ich aus einer Vorstellung gehe und du aus einer Vorstellung gehst, und wir haben vielleicht viele der gleichen Punkte gesehen, aber mein Bild wird ganz anders aussehen als deins. Und das ist irgendwie das Erstaunliche. Und eine ganz andere Art, über das Geschichtenerzählen nachzudenken. – Zach Morris, Third Rail Projects30

Die 2011 von der künstlerischen Leiterin Annie Saunders gegründete kalifornische Kompanie Wilderness hat ihren Namen von den stillgelegten Räumen, in denen sie ihre ortsspezifischen Produktionen aufführt. An diesen unerforschten und unbewohnten Orten schaffen sie „immersive, erfahrungsorientierte und interdisziplinäre Theaterereignisse, die die Grenzen zwischen Beobachter und Beobachtetem aufbrechen.“ 31

Ihre Produktion von The Day Shall DeclareIt aus dem Jahr 2015 war ein geführtes Tanztheatererlebnis mit drei Darstellern, Texten von Tennessee Williams und Studs Terkel, einer Reihe von Räumen, die „Dekor aus der Zeit der Großen Depression mit einer zeitgenössischen urbanen Industrieästhetik“ kombinierten, und einem Sounddesign, das sogar „mehr Resonanz hat als alles, was von den drei Darstellern gesprochen wird.“32Antigone Project, ein in der Entwicklung befindliches Werk, das 2017/18 auf Tournee gehen soll, ist ein „intimes Theaterduett“, das den Ödipus-Mythos nacherzählt, „angesiedelt in einer riesigen Deckenfestung, die aus Antigones Fantasie entstanden ist, während sie in der Höhle begraben wurde“, mit dem Ziel, „eine hautnahe und menschliche Erkundung der Heldin und des Bruders, den sie begräbt, zu schaffen.“33 Das Werk entstand mit Unterstützung der Getty Villa, des San Francisco Playhouse und des Harvey Milk Center.

Als ich nach L.A. kam, Als ich in L.A. ankam, versuchte ich herauszufinden, was ich hier machen wollte, und als ich herumfuhr, sah ich viele wirklich faszinierende, scheinbar verlassene Räume, besonders in der Innenstadt. Also beschloss ich, dass ich eine Arbeit machen wollte, die diese Räume vorübergehend besetzt. Ich hatte einfach das Gefühl, dass ich diese Gebäude erforschen wollte, und ich dachte, dass dies vielleicht die Art von Arbeit ist, die ich in L.A. machen möchte, nämlich Menschen in diese Räume einzuladen und diese Art von temporären Welten zu schaffen. – Annie Saunders, Wilderness34

Die in Großbritannien lebende deutsche Künstlerin, die in verschiedenen Medien arbeitet, darunter bildende Kunst, Film, Installation und Performance, bezieht sich in ihren Arbeiten „auf das Format des bewegten Bildes, sowohl in seiner technischen als auch in seiner konzeptionellen Form, und erforscht Ideen rund um Sprache, Interpretation und das Potenzial für Diskrepanzen, Brüche, Abweichungen und (Fehl-)Kommunikation.“35

In ihrer immersiven Arbeit Blind Cinema sitzen die Zuschauer mit verbundenen Augen in einem Theater und lassen sich einen projizierten Film von flüsternden Kindern durch einen Trichter bis zu ihrem Ohr beschreiben. Die Arbeit konzentriert sich auf „das, was jenseits des Sehsinns liegt (die illusorische Realität des Kinos verlassend, um in die der Vorstellungskraft zurückzukehren), die Aufmerksamkeit oszilliert zwischen jeder geteilten, aber internen Welt, die von der flüsternden Stimme geführt wird, und dem geteilten physischen Raum des abgedunkelten Kinos. „36This is Not My Voice Speaking, eine Zusammenarbeit zwischen Hatzius und Ant Hampton, teilt das Publikum in „Einsen“ und „Nullen“ auf und führt es durch Erfahrungen, bei denen ältere Technologien zum Einsatz kommen, darunter ein Plattenspieler, ein Diaprojektor, Kassettenbänder und 16-mm-Film. Die Teilnehmer haben die Aufgabe, einer physischen und stimmlichen Anleitung zu folgen. Dies führt dazu, dass die Stimme von der Kassette zur Schallplatte springt und schließlich mit dem scheinbar alten 16-mm-Filmmaterial eines bärtigen Nachrichtensprechers synchronisiert wird“. Die Arbeit „bewegt den Zuschauer-Performer innerhalb dreier kommunikativer Elemente, die eine unheimliche Dreiecksbeziehung bilden: die menschliche Stimme, die Sprache der Gebrauchsanweisung und physisch manifeste (letzte Generation) aufnahmefähige Medien. „37

The Extra People ist eigentlich ziemlich gefährlich, nicht für das Publikum, sondern für die Vorstellungen von Repräsentation und Partizipation (…), indem es uns tief in die bestimmende soziale und ökonomische Realität unserer Zeit eintauchen lässt: leer, unverbunden, überwacht, vage bedrohlich und sehr öffentlich: auf einer Bühne, in der Tat. Als wir uns anschicken zu gehen, kommt eine andere Gruppe herein und die Show geht weiter. – Molly Grogan, Exeunt Magazine38

Shasta Geaux Pop ist die Kreation der in New York lebenden multidisziplinären Performerin Ayesha Jordan und der Regisseurin Charlotte Brathwaite. Das Stück wurde 2017 auf dem Under the Radar Festival und im Herbst 2016 im The Bushwick Starr aufgeführt, aber die Figur wurde schon viele Jahre zuvor von Jordan entwickelt.39

Eine „immersive Underground-Hiphop-Party „40 , in deren Mittelpunkt die titelgebende Figur steht, eine „Popstar-Tänzerin und Entertainerin, die Kinnladen und Hintern zum Fallen bringt, einen Song nach dem anderen…ich meine Zeit. „41 Die Produktion verwandelt Theater in immersive Kellerpartys und verbindet Elemente der Immersion (Fokus auf den Raum, greifbares Design) mit denen des Kabaretts und der Solo-Performance. Shasta tritt während der gesamten Aufführung für das Publikum auf und interagiert mit ihm, was eine einfache, lineare Erzählung oder Geschichte verhindert und stattdessen eine Umgebung mit offenem Ende für die Erfahrung des Publikums schafft.

…es ist keine Show. Es ist besser, es als eine Zusammenkunft zu betrachten. Ein Ereignis, bei dem ich mein Inneres offenbaren kann … durch die Musik. Wir können intime Kontakte knüpfen. Verstehen Sie? Ich habe das Gefühl, dass ich mehr bin als ein Künstler, mehr als eine Künstlerin. Ich verbinde. Nennen wir es eine Verbindung. Wir gehen alle zu einer Verbindung. – Shasta Geaux Pop, New York Theater Review42

Die vielleicht größte Veränderung des immersiven Theaters in den letzten zehn Jahren war die zunehmende Akzeptanz und Umarmung dieser Form durch konventionelle Theaterinstitutionen. Zusätzlich zu den bereits erwähnten Stücken von Punchdrunk und Third Rail werden mehrere immersive Produktionen in Zusammenarbeit mit konventionellen Theaterinstitutionen entwickelt. So hat das Guthrie im Rahmen seiner Dowling Space Initiative43 Sarah Agnews Relics uraufgeführt und die Center Theater Group hat im Rahmen einer ähnlichen Initiative Geoff Sobelles The Object Lesson in Auftrag gegeben.44 Das La Jolla Playhouse veranstaltet weiterhin das jährliche Without Walls Festival für ortsspezifische Arbeiten.45 Immersives Theater findet sich sogar im Zentrum des amerikanischen Mainstream-Theaters, den Broadway-Häusern, mit Produktionen wie Natasha, Pierre und der große Komet von 181246 von Ars Nova und The Encounter47 von Simon McBurney, die in diesem Jahr die Broadway-Theater füllen und das Label „Immersion“ als wichtiges Verkaufsargument nutzen. Man kann über die Gründe für die zunehmende Sichtbarkeit und den Erfolg des immersiven Theaters spekulieren, aber es ist klar, dass es beim Publikum auf eine Art und Weise ankommt, wie es die traditionelle Theaterform nicht kann.

Weiter lesen:
10 Immersive Theater Companies To Discover
Immersives Theater: In Conversation With Shasta Geaux Pop

Notes

1. Michael Schulman, „Immersive Theater on Broadway“, New Yorker, 24. Oktober 2016, http://www.newyorker.com/magazine/2016/10/24/immersion-theater-on-broadway.
2. Josephine Machon, Immersive Theaters: Intimacy and Immediacy in Contemporary Performance (Basingstoke: Palgrave Macmillan, 2013), 66.
3. Machon, Immersive Theaters, 72.
4. „Punchdrunk visionary Felix Barrett: ‚If audiences get used to the rules, change them,'“ Telegraph, June 19, 2015, http://www.telegraph.co.uk/culture/culturenews/11675468/Punchdrunks-Felix-Barrett-If-audiences-get-used-to-the-rules-change-them.html.
5. Machon, Immersive Theaters, 29.
6. Machon, Immersive Theaters, 31.
7. Machon, Immersive Theaters, 33.
8. Machon, Immersive Theaters, 65, 85.
9. Dorita Hannah, „Event-space: Performance space and spatial performativity,“ in Performance Perspectives: A Critical Introduction, eds. Jonathan Pitches and Sita Popat (Basingstoke: Palgrave Macmillan, 2011), 54-62.
10. Machon, Immersive Theaters, 77.
11. Claire Bishop, Installation Art: A Critical History. London: Routledge. 2006. Participation. London, Whitechapel Gallery und Cambridge, MA: MIT Press. pp. 14.
12. Machon, Immersive Theaters, 78.
13. „Immersive Theater, Defined: Five Elements in Sleep No More, Then She Fell, and More,“ Howlround, Zugriff am 25. Februar 2017, http://www.howlround.com/immersive-theater-defined-five-elements-in-sleep-no-more-then-she-fell-and-more.
14. Machon, Immersive Theaters, 95.
15. „Punchdrunk visionary,“ Telegraph.
16. Machon, Immersive Theaters, 42.
17. Machon, Immersive Theaters, 55.
18. Felicia R. Lee, „Theater for Audiences of One,“ New York Times, 28. Juli 2010, http://www.nytimes.com/2010/07/28/theater/28one.html.
19. „About,“ Punchdrunk, Zugriff am 25. Februar 2017, http://www.punchdrunk.org.uk/about/.
20. „The Drowned Man,“ Punchdrunk, abgerufen am 25. Februar 2017, http://www.punchdrunk.org.uk/the-drowned-man/.
21. „The Crash of the Elysium,“ Punchdrunk, abgerufen am 25. Februar 2017, http://www.punchdrunk.org.uk/the-crash-of-the-elysium/.
22. Antonio Wilson, „The Drowned Man: An interview with immersive theater masters Punchdrunk,“ Creative Review, July 15, 2015, http://www.creativereview.co.uk/the-drowned-man-an-interview-with-immersive-theater-masters-punchdrunk/
23. „About the Company,“ Third Rail Projects, Zugriff am 28. Februar 2017, http://www.thirdrailprojects.com/about#abouthecompany.
24. James Carter, „Third Rail Projects Holds Up Mirror to the Audience,“ The Civilians, 1. April 2016, Zugriff am 27. Februar 2017, http://www.extendedplay.thecivilians.org/third-rail-projects-holds-up-a-mirror-to-the-audience-40116/.
25. „Then She Fell,“ Third Rail Projects, Zugriff am 27. Februar 2017, http://www.thirdrailprojects.com/thenshefell#tsf.
26. „The Grand Paradise,“ Third Rail Projects, Zugriff am 27. Februar 2017, http://www.thegrandparadise.com.
27. „Learning Curve,“ Third Rail Projects, Zugriff am 27. Februar 2017, http://www.thirdrailprojects.com/learningcurve#lcpage.
28. Hope Grandon, „Theater Company to Create New Immersive Theater Piece with Third Rail Projects,“ Denver Center for the Performing Arts Newscenter, July 20, 2015, http://www.denvercenter.org/blog-posts/news-center/2015/07/20/theater-company-to-create-new-immersive-theater-piece-with-third-rail-projects.
29. „Sweet and Lucky,“ Third Rail Projects, accessed February 27, 2017, http://www.thirdrailprojects.com/sweetandlucky#salpage.
30. Carter, „Third Rail Projects Holds Up Mirror to the Audience.“
31. „About,“ Wilderness, accessed February 20, 2017, http://thisisthewilderness.com/about/.
32. Charles McNulty, „‚The Day Shall Declare It‘ has dazzling visuals, limited depth,“ Los Angeles Times, March 10, 2015, http://www.latimes.com/entertainment/arts/la-et-the-day-shall-declare-it-review-20150311-column.html.
33. „The Antigone Project,“ Wilderness, Zugriff am 20. Februar 2017, http://thisisthewilderness.com/portfolio/the-antigone-project/.
34. Bill Raden, „A Q&A with Annie Saunders of The Day Shall Declare It,“ Stage Raw, 12. Mai 2016, http://stageraw.com/2016/05/12/a-qa-with-annie-saunders-of-the-day-shall-declare-it/.
35. „BIO,“ Britt Hatzius, Zugriff 3. März 2017, http://www.britthatzius.co.uk/bh_BIO.html.
36. „Blind Cinema,“ Britt Hatzius, Zugriff 3. März 2017, http://www.britthatzius.co.uk/blind_cinema.html.
37. „This is Not My Voice Speaking,“ Britt Hatzius, Zugriff 3. März 2017, http://www.britthatzius.co.uk/notmyvoice.html.
38. „Ant Hampton-The Extra People,“ Attenborough Center, Zugriff 3. März 2017, http://www.attenboroughcentre.com/events/612/ant-hampton-the-extra-people/.
39. „About,“ Ayesha Jordan, Zugriff 20. März 2017, http://www.ayeshajordan.com/#about.
40. „SHASTA GEAUX POP,“ Charlotte Brathwaite, Zugriff 20. März 2017, http://charlottebrathwaite.com/SHASTA-GEAUX-POP.
41. „Shasta Geaux Pop,“ Ayesha Jordan, Zugriff 20. März 2017, http://www.ayeshajordan.com/shasta-geaux-pop/.
42. Jody Christopherson, „Jody Christopherson Interviews Shasta Geaux Pop.“ New York Theater Review, 31. August 2016, http://newyorktheaterreview.blogspot.com/2016/08/jody-christopherson-interviews-shasta.html.
43. „Relics,“ Guthrie Theater, Zugriff 1. Februar 2017, http://www.guthrietheater.org/plays_events/plays/relics.
44. „The Object Lesson,“ Center Theater Group, Zugriff 1. Februar 2017, http://www.centertheatergroup.org/tickets/kirk-douglas-theater/2015-16/the-object-lesson.
45. „Without Walls Series,“ La Jolla Playhouse, Zugriff 1. Februar 2017, http://www.lajollaplayhouse.org/the-season/wow-series.
46. „Natasha, Pierre, and the Great Comet of 1812,“ Great Comet Broadway, Zugriff 25. März 2017, http://greatcometbroadway.com.
47. „The Encounter,“ Encounter Broadway, Zugriff 25. März 2017, http://theencounterbroadway.com.