Musik und Farbe sind untrennbar miteinander verbunden, zwei Sinne, die oft auf vielfältige Weise miteinander verbunden sind. Für einige können diese Sinne jedoch zu einer einzigartigen und persönlichen Erfahrung führen, die als Synästhesie bekannt ist, abgeleitet von „syn“ und „aesthesis“, was „zusammen“ und „Sinn“ bedeutet. Der Zustand entsteht durch die Stimulation eines der verschiedenen Sinne und führt zu einer automatischen und unwillkürlichen Stimulation eines zweiten Sinnes (Farbe durch Klang, Geschmack durch Worte, Farbe durch Zahlen…).
Bei mehr als 80 verschiedenen bekannten Synästhesieformen, von denen über 4 % der Bevölkerung betroffen sind – insbesondere Linkshänder – ist es schwierig, alle möglichen Varianten zu beschreiben. Viele Synästhetiker werden jedoch mit einer Abweichung geboren, die als Chromästhesie bekannt ist. Dies führt dazu, dass bestimmte Klänge, Tonhöhen und Klangfarben entsprechende Farben und Texturen im Gesichtsfeld (oder, wie manche es beschreiben, im „geistigen Auge“) erzeugen.
Rezente Studien haben gezeigt, dass sich Menschen mit Chromästhesie zu künstlerischen Aktivitäten hingezogen fühlen, und obwohl es schwierig ist, dies zu beweisen, sind viele berühmte Künstler bestätigte Syästhetiker, oder sie sind oder waren es wahrscheinlich: Baudelaire, Rimbaud, Matisse, Nabokov, Van Gogh, Stevie Wonder, Billy Joel, Duke Ellington, Eddie Van Halen, Pharell Williams und Kanye West. Mehrere klassische Komponisten und Musiker haben ebenfalls Symptome der Synästhesie bestätigt oder hervorgerufen, in einigen Fällen unwissentlich ihren Zustand durch ihre Schriften offenbart – wie Alexander Skrjabin, Franz Liszt, Jean Sibelius, György Ligeti, Nikolai Rimski-Korsakow, Itzakh Perlman, Olivier Messiaen und Leonard Bernstein, um nur einige zu nennen.
Die Existenz der Synästhesie ist bereits seit dem späten 17. Jahrhundert bekannt, doch erst im 19. Jahrhundert begannen Wissenschaftler, diesen bis dahin unbewiesenen und weithin diskreditierten Zustand zu untersuchen. Dieses wissenschaftliche Interesse entstand aus einer allgemeinen Faszination für multisensorische Erfahrungen, die die Sinne auf der Suche nach kraftvolleren und emotional ansprechenderen künstlerischen Schöpfungen kombinierten (wie im Fall von Wagners Gesamtkunstwerk aus dem 19. Jahrhundert: ein allumfassendes, multidisziplinäres „Gesamtkunstwerk“).
Wie sich der Zustand manifestiert, ist völlig individuell, und obwohl eine Person mit Chromästhesie immer dieselben Farben nach bestimmten Klängen sieht, unterscheiden sich diese Farben von einer Person zur anderen, was eine vergleichende Studie und ein umfassendes Verständnis äußerst schwierig macht. Während Ligeti die Dur-Akkorde als Rot- und Rosatöne und die Moll-Akkorde als Grün- und Brauntöne wahrnahm, sah Rimski-Korsakow Dur-Akkorde wie C-Dur als weiß und B-Dur als dunkles Metallic-Blau. Für Duke Ellington erinnerten Akkorde auf der Note D an einen dunkelblauen Sackleinen und auf der Note G an einen hellblauen Satin.
Musik und Farbe, eine uralte Freundschaft
Musik selbst ist seit jeher auf nicht greifbare Weise mit Farben verbunden: Sir Isaac Newton stellte zum Beispiel die Hypothese auf, dass Töne und Farben die gleichen Frequenzen haben. Farben werden oft verwendet, um bestimmte Musikwerke und sogar Genres zu beschreiben, wie z. B. Gershwins Rhapsody in Blue (und das Blues-Genre im Allgemeinen); Musik wird sogar oft als „hell“, „leicht“ oder „dunkel“ beschrieben. Sogar in der Musiktheorie wird die Terminologie oft aus dem Bereich der Farben abgeleitet, wie z.B. die chromatische Tonleiter, die vom griechischen khrōma abgeleitet ist und Farbe bedeutet…
Die meisten Hörer assoziieren im Allgemeinen höhere Töne mit helleren und helleren Farben und tiefere Töne mit düsteren und dunkleren Tönen. Auf einer solch grundlegenden Ebene kann dies ein Hinweis auf eine gemeinsame Assoziation zwischen Klang und Farbe sein, die in den meisten erwachsenen Köpfen vorhanden ist. Auch die Klangfarben von Instrumenten werden häufig und unbewusst mit Farbtönen assoziiert, z. B. Blechblasinstrumente mit satten, „warmen“ Farben und Holzblasinstrumente mit natürlicheren, „pastoralen“ Farben.
Malen mit Klang oder Komponieren mit Farbe?
Leonard Bernstein behauptete einmal, dass „ein Komponist von Symphonien alle Noten des Regenbogens vor sich hat“. Aber führt das Wissen, dass ein Komponist ein Synästhetiker ist (oder war), zu neuen Interpretationen und Analysen seiner Musik? Es mag zwar übertrieben sein zu sagen, dass diese Musiker „mit Farben komponieren“, aber die Synästhesie eines Komponisten wird zweifellos Teil seines Idiolekts, seiner einzigartigen Sprache. Die Untersuchung des eigenen Verständnisses und „Gebrauchs“ der Synästhesie eines Komponisten erlaubt es uns, bestimmte Werke und den Stil ihrer Komposition besser zu verstehen.
Der ungarische Komponist und Pianist Franz Liszt erregte zweifellos Aufsehen, als er 1842 während einer Probe das Weimarer Orchester aufforderte, „ein wenig blauer, wenn ich bitten darf“ und „nicht so rosa“ zu spielen. Richard Wagner, ein weiterer mutmaßlicher Synästhetiker, soll einmal abrupt eine Probe von „Tristan und Isolde“ mit der Begründung verlassen haben, die Farben seien einfach „falsch“.
Während einige Komponisten ihre Synästhesie von ihrer Musik fernhielten, wurde sie für andere zu einem wesentlichen Bestandteil ihrer künstlerischen Identität. Olivier Messiaen sah Farben, wenn er Vogelgesang hörte, ein Element, das den französischen Komponisten faszinierte; interessanterweise entsprachen die Farben, die sein Zustand beim Hören von Vögeln hervorrief, oft den Farben des Gefieders. Wie der Komponist selbst in einem Gespräch mit Claude Samuel so treffend formulierte, „versuche ich tatsächlich, Farben in Musik zu übersetzen“. Er verwendete sogar Farben als Zeichen in seiner Musik, in der Hoffnung, seine eigenen inneren Empfindungen zu übermitteln.
Ein weiterer Künstler, dem eine starke synästhetische Sensibilität nachgesagt wurde, war Alexander Skrjabin, der sich besonders damit beschäftigte, sinnvolle Farbassoziationen zu schaffen. Er entwickelte sogar eine Farborgel, die er Tastiera per Luce („Klaviatur der Lichter“) nannte und die ausschließlich dazu diente, ein Werk visuell zu begleiten und bestimmte Lichter und Farbtöne auszusenden, die die Erzählung charakterisierten. Sein Werk Prometheus: Das Gedicht des Feuers, in dem die Luce-Tastatur zum Einsatz kommt, ist ein emblematisches Beispiel für die Verwendung dieses Instruments: Skrjabin war der Ansicht, dass „die Farbe die Tonalität unterstreicht; sie macht die Tonalität deutlicher“.
Wie sieht es in der Kunst aus?
Die Erforschung der Verbindungen zwischen Klängen und Farben ist nicht nur eine Domäne von Komponisten und Musikern. Auch Maler waren von solchen Empfindungen fasziniert, und zwar keiner mehr als der Russe Wassily Kandinsky. Der Maler und Cellist soll ein Synästhetiker gewesen sein, der seinen Zustand angeblich während einer Aufführung von Wagners Lohengrin in Moskau entdeckte. Ob Synästhetiker oder nicht, er zeigte zweifellos eine unermüdliche Faszination für das Zusammentreffen dieser beiden Sinneserfahrungen und versuchte, musikalische Elemente in seinen Gemälden einzufangen, wobei er seine Werke „Kompositionen“, „Improvisationen“ und „Impressionen“ nannte. Unter den zahlreichen Beispielen zeigt sein Werk Impression III (1911) diese Faszination perfekt, das der Künstler nach dem Besuch eines Konzerts von Arnold Schönberg in München gemalt hat.
In jüngster Zeit haben einige Maler mit Synästhesie begonnen, ihre eigenen chromästhetischen Erfahrungen mit verschiedenen Jazz-, Rock- und Pop-Musiken des 20. Die Malerin Melissa McCracken hat eine Vielzahl von Songs gemalt, von Stevie Wonder und David Bowie bis hin zu Radiohead, Etta James und J. S. Bach (siehe unten). Eine weitere Erinnerung daran, dass die Kombinationen von Farben und Musikspektren grenzenlos sind.