Interview von Veronica Roberts & Jane Panetta
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Orly Genger baut Stapel, Wände und sogar ganze Räume aus Seilen und schafft so große, ausladende Skulpturen, die Innen- und Außenräume gekonnt in Beschlag nehmen. Durch die wiederholte Verwendung von groben Seilen, die extreme Farbwahl und das, was man als aggressive Installationen bezeichnen könnte, ist Genger eine Bildhauerin, die daran interessiert ist, den Raum neu zu gestalten und den Betrachter aktiv einzubeziehen. An der Pinnwand ihres Ateliers in Greenpoint hängen Fotografien von Arbeiten von Richard Serra, Frank Stella, Felix Gonzalez-Torres und Lynda Benglis. In Anbetracht ihrer Praxis ist es nicht überraschend, dass sie sich mit dieser Gruppe von Künstlern auseinandersetzt, die alle entweder wichtige Vertreter des Minimalismus sind oder direkt auf diese Tradition reagiert haben.
Aber vielleicht noch faszinierender sind die Fotos von Bodybuildern, die an verschiedenen Wänden in ihrem Atelier hängen. Für Genger ist die Körperlichkeit der Skulptur nicht nur für ihren Prozess, sondern auch für die Erfahrungen, die sie schafft, von größter Bedeutung. Ein Großteil der von ihr verwendeten Seile stammt aus dem Klettersport, und Genger vergleicht ihre intensive Auseinandersetzung mit dem Material mit dem Ringen. Um sich auf ihre Installationen vorzubereiten, knüpft Genger ihre Seile von Hand zu Knoten, eine mühsame und sich wiederholende Aufgabe. Vor Ort ringt sie weiter mit ihrem Material, um es zu massiven Anhäufungen zu formen, die von Sockeln und Balken bis hin zu geschmolzenen Lavaströmen alles Mögliche darstellen. Anschließend überlässt sie das Werk dem Publikum, um es zu erkunden, was aufgrund der Art und Weise, wie die Installationen den Raum besetzen und oft auch behindern, oft physisch und psychologisch sehr anspruchsvoll ist. Die Ernsthaftigkeit ihrer Projekte schmälert jedoch nicht das Ausmaß, in dem sie auch einen spielerischen Humor in viele ihrer Werke einfließen lässt: Für Genger wird dies zu einer weiteren Möglichkeit, mit dem Betrachter in Verbindung zu treten und ihn zu überraschen.
Als wir Genger diesen Winter besuchten, war sie mit den Vorbereitungen für die Ausstellung „Material World: Sculpture to Environment“ im MASS MoCA in North Adams, Massachusetts (zu sehen vom 24. April 2010 bis zum 27. Februar 2011), in der ihr bisher größtes und ehrgeizigstes Werk zu sehen sein wird.
(Foto mit freundlicher Genehmigung von Peggy Ann)
Veronica Roberts: Wir möchten Sie zunächst zu der Arbeit befragen, die Sie derzeit für die kommende Ausstellung im MASS MoCA machen. Könnten Sie sie ein wenig beschreiben?
ORLY GENGER: Ich arbeite an einer Installation mit Seilen, die ich von Hand knüpfe und bemale. Sie wird im Wesentlichen aus zwei Teilen bestehen, die ein einziges Ganzes bilden werden. Der erste Teil – oder das, was der Betrachter wahrscheinlich zuerst sehen wird – ist eine Wand, die vom Boden bis zur Decke und von einer Seite zur anderen reicht und aus Hunderten von Schichten geknoteter Seile besteht. An einem Ende wird die Wand einer Öffnung weichen, durch die das Material in den nächsten Raum fließt, wodurch eine amorphe Umgebung entsteht, in der das Material die Oberhand gewinnt und eine überwältigende Landschaft schafft.
Ich sehe den ersten Raum als eine Art eingeschlossenes Objekt: etwas, in dem wir stehen und auf das wir schauen und das von uns sehr getrennt ist. Und der zweite Raum ist etwas, das uns sehr stark einbezieht – wir müssen entscheiden, wo wir in ihm stehen. Es geht also um die beiden Aspekte, wie wir Kunst betrachten: Zum einen betrachten wir Kunst, als wäre sie etwas anderes, auf einem Sockel; der andere Raum ist etwas, von dem wir ein Teil werden und das wir kennen, weil wir in ihm stehen. Das sind zwei verschiedene Arten, Skulptur zu verstehen. Ich habe mich bisher mit beiden getrennt beschäftigt. Dies ist das erste Mal, dass ich sie in einer Skulptur kombiniere.
Jane Panetta: Ich würde Sie gerne zu Ihrer Farbwahl für diese Arbeit und zu Ihrer Farbwahl im Allgemeinen befragen. Es scheint, dass sie oft ziemlich extrem sind – entweder ganz schwarz, keine Farbe oder elektrische Farben. Können Sie diese Entscheidungen näher erläutern?
GENGER: Die Arbeit im MASS MoCA ist die erste komplett rote Arbeit, die ich gemacht habe. Ich verwende diese seltene rote Farbe namens „Pyrazo Quinazo“ und versuche, diese Farbe als Objekt zu verwenden, vielleicht genauso sehr wie das physische Objekt selbst. Es wird hoffentlich eine Farbe sein, die auf einen eindringt, so wie es der Raum tun kann, und idealerweise sollte sie eine intensive körperliche Reaktion hervorrufen, was ich auch mit der Körperlichkeit der Skulptur selbst zu erreichen versuche. Meine ursprüngliche Idee war es, eine Farbe zu haben, die so stark ist, dass man, wenn man wegschaut, eine andere Farbe sieht. So wird das Rot tatsächlich zu einem Objekt, das den Raum einnimmt, es ist nicht nur eine Oberfläche. Es nimmt eine aktive und aggressive Rolle ein.
(mit freundlicher Genehmigung der Larissa Goldston Gallery)
GENGER: Was die Farbwahl betrifft, die ich in der Vergangenheit getroffen habe, so habe ich anfangs nur die ursprünglichen hellen Farben des Seils verwendet und es nicht bemalt. Die Farbe dieses gefärbten Materials hat eine natürliche Schönheit, wie bei Mr. Softy im Aldrich Contemporary Art Museum. Damals habe ich mich noch nicht auf die Farbe konzentriert, sondern nur auf den Prozess. Als ich anfing, leuchtende Farben zu verwenden, geschah dies für Arbeiten im Freien, wie Puzzlejuice, das im Riverside Park in New York installiert wurde, und das sich sehr von den Arbeiten für Innenräume unterscheidet. Man sieht so selten Farbe in Skulpturen im Freien, und ich fand, dass es nicht verkehrt war, sie zu verwenden, vor allem in einem öffentlichen Raum.
Im Indianapolis Museum of Art war es wichtig, dass die Stücke einfarbig schwarz waren. Ich habe versucht, das Aussehen von Stahl nachzuahmen, der schwer ist. Und ich wollte mich über die Art und Weise lustig machen, wie viele männliche Künstler in den 1960er und 70er Jahren die gleichen Kuben, Blöcke oder Monolithen aus Stahl herstellten und versuchten, ihre künstlerische Hand hinter kalten und stoischen Fassaden zu verstecken.
Roberts: Können Sie uns etwas über die Art des Seils sagen, das Sie für Ihr MASS MoCA-Projekt verwenden, und wo Sie es gefunden haben?
GENGER: Ich verwende schon seit langem Kletterseile, weil sie sehr haltbar sind, aber ich brauchte so viel Seil für dieses Projekt, und wir hatten einfach kein Budget für Kletterseile. Das MASS MoCA ist sehr einfallsreich, und sie entdeckten in Maine einen riesigen Vorrat an Hummerseilen, auf den wir kostenlos zugreifen konnten. Es waren buchstäblich Berge von Seilen – zehnmal so groß wie dieser Raum. Susan Cross, die Kuratorin, und ihr Kollege Dante Birch fuhren also nach Maine und suchten das Seil für mich aus. Die Entscheidung, dieses Material zu verwenden, war wirklich aus der Not heraus geboren; ich würde nie sagen: „Ich möchte mit Hummerseilen arbeiten.“ Auch bei den Kletterseilen habe ich nicht gesagt: „Ich möchte mit Klettermaterial arbeiten.“ Ich versuche, mein Material zu nehmen und es zu neutralisieren, und ich versuche, mich nicht in seiner Geschichte zu verzetteln. Ich versuche, es so zu behandeln, wie ich Stahl oder Ziegel behandeln würde, etwas, das wir als neutraler betrachten würden, im Gegensatz dazu, einem Objekt ein zweites Leben zu geben.
(Foto mit freundlicher Genehmigung von Peggy Ann)
Roberts: Wenn ich mir das Seil ansehe, fällt mir auf, dass die Art und Weise, wie Sie es verwenden, weniger mit seiner Geschichte als Material zu tun zu haben scheint als vielmehr mit seinen Eigenschaften und Fähigkeiten. Sie scheinen nicht darauf aus zu sein, das Material zu transzendieren, wie es viele Künstler tun.
GENGER: Richtig, in meiner Arbeit geht es nicht um Transzendenz. Ich lasse mich auf einen Ringkampf mit dem Material ein, wie ich es nenne. Ich spiele mit dem, was es von Natur aus tun kann, ich versuche, mich dem zu widersetzen, was es von Natur aus tut, und ich versuche, es in gewisser Weise voranzutreiben und auszunutzen. Das ist es, was mich am meisten interessiert.
Roberts: Bestimmte Arbeiten, Mr. Softy und Puzzlejuice zum Beispiel, sehen fast wie ein gestricktes oder gehäkeltes Textil aus. Interessieren Sie sich für das Stricken oder die Herstellung von Textilien?
GENGER: Ich hasse all diese Assoziationen. Ich kann mit keiner von ihnen etwas anfangen. Mit Stahl verbinde ich mehr als mit Häkeln. Ich sehe es einfach nicht als eine Art gestricktes Material. Ich sehe es als Material, das ich zum Bauen verwende. Das ist ein ganz anderer Maßstab. Ich wünschte, meine Arbeit könnte diese Assoziationen vollständig überwinden und einen Platz zwischen Stahl und Textil finden oder mehr mit Stahl als mit Textil assoziiert werden.
(mit freundlicher Genehmigung der Larissa Goldston Gallery)
Roberts: Um ein letztes Mal auf Ihre Arbeit im MASS MoCA zurückzukommen, wollte ich Sie fragen, welche Verbindungen Sie in Ihrer Arbeit zu Landschaften sehen. Ich finde es interessant, dass die Art und Weise, wie Sie das Material beschreiben, oft mit der Landschaft verbunden zu sein scheint. Sie sprechen von Schluchten aus Seilen, von der Art und Weise, wie sich die Wand im MASS MoCA auf organische Weise auflöst…
GENGER: Ich bin immer an Gegensätzen interessiert. Stahl steht für mich für Beständigkeit. Bei der Landschaft geht es mir mehr um die Bewegung. Das ist wahrscheinlich der Grund, warum ich über beides spreche. Ich bin auf das fixiert, was zwischen diesen beiden Dingen passiert. Die Beständigkeit des Stahls kombiniert mit der Flexibilität der Bewegung. Und das alles in einer Welt, in einem Objekt zu haben, weil man das normalerweise nicht hat, spricht mich wirklich an.
Panetta: Wie viel von der Arbeit im MASS MoCA haben Sie im Voraus festgelegt, und wie viel von der Arbeit finden Sie heraus, wenn Sie die Arbeit vor Ort zusammenbauen?
GENGER: Die vorbereitenden Zeichnungen, die ich für die Arbeit im MASS MoCA gemacht habe, sind für mich ungewöhnlich. Normalerweise mache ich keine Zeichnungen für Skulpturen. Normalerweise sind meine Zeichnungen unabhängige Arbeiten, die die Skulptur informieren, aber keine vorbereitenden Zeichnungen sind. Ich hasse es eigentlich, zu planen – ich fühle mich dann eingeengt. In dieser Situation musste ich es aber tun. Für ein Projekt dieser Größenordnung mussten zu viele Entscheidungen im Voraus getroffen werden. Ich glaube, eine der schwierigsten Aufgaben bei meiner Arbeit ist es, bei der ursprünglichen Idee zu bleiben. Über mehrere Monate hinweg wachsen und verändern sich die Ideen, aber man muss trotzdem an der Vision festhalten, die man in dieser einen Woche, in diesem einen Monat hatte. Das ist für mich eine der größten Herausforderungen bei groß angelegten Arbeiten. Aber es gibt immer ein Element der Spontaneität und der Überraschung, wenn man schließlich ein Werk in dieser Größenordnung installiert, und das ist das Spannende daran.
Roberts: Als Jane und ich das letzte Mal hier in Ihrem Atelier waren, hatten wir die Gelegenheit, das Seil, das Sie für das MASS MoCA-Projekt verwenden, anzuheben. Bevor wir es nicht angefasst hatten, wussten wir nicht, wie schwer dieses Material ist, egal ob es sich um Hummer- oder Kletterseile handelt. Können Sie ein wenig über die Körperlichkeit Ihres Prozesses sprechen?
GENGER: Die Körperlichkeit ist zu einem großen Teil der Arbeit geworden. Ich glaube daran, dass man sich den Arsch abarbeiten muss. Ich würde sogar sagen, dass der Aufwand und der Schweiß, den ich in die Arbeit stecke, alles ist. Arbeit kommt von Arbeit, sogar von schlechter Arbeit.
(mit freundlicher Genehmigung der Galerie Larissa Goldston)
Panetta: Als wir uns das letzte Mal trafen, erwähnten Sie, dass Sie gerne einen vollen Arbeitstag haben. Das hat bei mir einen bleibenden Eindruck hinterlassen. Und um dieses Thema und die Bedeutung der körperlichen Erfahrung bestimmter Werke fortzusetzen, denke ich insbesondere an MASSPEAK – was denken Sie über die Art und Weise, in der dieses Werk den Betrachter dazu einlädt, sich ebenfalls einer Art körperlicher Erfahrung zu unterziehen?
GENGER: Ich habe anfangs nicht bewusst darüber nachgedacht, aber die Leute haben mir das gesagt, also fange ich jetzt an, es zu sehen. Meine Arbeit fordert die Menschen zur Arbeit auf, und es gibt definitiv eine körperliche Interaktion mit der Arbeit. Es ist nicht für jeden das Gleiche, aber ich möchte, dass der Betrachter einbezogen wird – physisch und psychologisch.
Roberts: Können Sie MASSPEAK ein wenig beschreiben?
GENGER: MASSPEAK war die erste richtige Rauminstallation, die ich gemacht habe. Sie fand in der Larissa Goldston Gallery in New York statt. Ich habe im Grunde die gesamte Galerie mit geknoteten Seilen ausgefüllt. Im ersten Raum habe ich zwei Schluchten geschaffen, zwischen denen man hindurchgehen konnte. Und im zweiten Raum sah man sich mit einer Flut von Seilen konfrontiert, die aus dem Raum heraus und auf einen zu kamen. Es hat den Raum in einer Weise eingenommen, die kontrollierte, wo man ging und wie man die Arbeit sah und erlebte.
(mit freundlicher Genehmigung der Larissa Goldston Gallery)
GENGER: Eines der Dinge, die ich betonen möchte, ist, dass ich weiß, dass es interessant ist, einen Raum einfach mit irgendetwas zu füllen. Und das birgt eine Gefahr in sich. Man nehme irgendetwas und fülle damit einen Raum, und schon hat man eine Installation. Was ich versuche – und damit sind wir wieder beim Wrestling – ist, ein Material zu nehmen und seine Grenzen und Neigungen auszunutzen, um etwas Neues zu schaffen. Ich kaufe nicht eine Million Dinge in einem Geschäft und stelle sie in einen Raum. Ich baue.
Panetta: Ihre Arbeit ist viel engagierter als das. Zuerst ringen Sie mit dem Material. Dann ringt das Material in gewisser Weise mit dem Raum.
GENGER: Das gefällt mir – die Idee, dass die Skulptur mit dem Raum ringt. Das ist es, was sie tut. Und sie ist transparent. Mit dem Seil ist alles sichtbar. In gewisser Weise würde ich die Arbeit fast mit einer Performance vergleichen, weil der Prozess so sichtbar ist und weil meine Arbeit so sehr mit Aktion verbunden ist. Manchmal mache ich Performances, aber ich denke auch, dass einige meiner Skulpturen aufgrund ihrer Machart fast wie die Überbleibsel einer Performance sind.
Roberts: Jane und ich finden beide Ihre Titel faszinierend, besonders die prägnanten Ein-Wort-Titel, die Sie oft verwenden, wie Puzzlejuice, MASSPEAK, Posedown und Reg. Können Sie erläutern, woher diese stammen?
GENGER: Ich habe normalerweise das Gefühl, dass große Skulpturen kurze Titel und kleine Skulpturen längere Titel haben sollten, einfach um die Dinge auszugleichen. (Obwohl ich mit dieser neuen Arbeit vielleicht meine eigene Regel breche.) MASSPEAK ist im Englischen ein erfundenes Wort. Im Hebräischen bedeutet MASSPEAK „genug“. MASSPEAK war ein Raum, der in zwei überwältigende Schluchten aufgeteilt war, und es war ein sehr persönliches Stück für mich. Zu dieser Zeit machten meine Eltern eine der schlimmsten Scheidungen der Welt durch. Die Leute mussten das nicht wissen, aber es handelte von einer Masse, einem Höhepunkt, aber für mich hatte es auch mit der Übersetzung von „genug“ zu tun. Es war also ein sehr bedeutender Titel für mich. „Posedown“ ist eigentlich ein Begriff, ein großartiger Begriff, der bei Bodybuilding-Wettbewerben verwendet wird. Am Ende eines Wettkampfs gibt es einen Posedown – alle Teilnehmer beginnen zu posieren, und die Richter bewerten die Posen nach einem Punktesystem. Mir gefiel die Idee, einen Raum voller Skulpturen zu haben, die versuchen, sich gegenseitig in Pose zu setzen.
Panetta: Um auf Mr. Softy und die Idee des Performativen zurückzukommen: Können wir ein wenig darüber sprechen, was zuerst da war? Als Sie das Werk konzipierten, hatten Sie da die Vorstellung, dass es sowohl eine skulpturale Installation als auch ein Ort für eine Performance sein würde?
GENGER: Ich habe zuerst das Stück gemacht und dann an die Performance gedacht. Es war eine horizontale Installation, die direkt auf dem Boden lag; Die Horizontale ist für mich sehr feminin. Ich begann, über die Armatur, die Struktur und das, worauf sie stand, nachzudenken. In gewisser Weise wirkte das Stück wie ein sehr passives Objekt, das einfach die Form des Bodens annahm, auf dem es ruhte. Ich wollte die Arbeit beleben, sie zum Leben erwecken. Darunter zu kriechen war eine Möglichkeit, die Armatur für das Werk zu werden. Im Grunde versuche ich, die Bildhauerei besser zu verstehen. Eine Art und Weise, wie wir uns zur Bildhauerei verhalten, besteht darin, dass wir versuchen, uns selbst im Zentrum des Werks zu sehen, als Armaturen. So verstehen wir, wie die Dinge gemacht sind, wie sie aufrecht erhalten werden: indem wir unter sie kriechen und aktiv an ihrem Wesen teilnehmen, anstatt sie einfach liegen zu lassen.
Wenn ich mit einem Material arbeite, versuche ich immer herauszufinden, wie ich in es eindringen kann. Als ich zum ersten Mal eingeladen wurde, einen Druck zu machen, wusste ich nichts darüber, aber ich wusste, dass es eine Presse gab, und ich fragte mich, ob ich meinen Körper durch die Presse stecken könnte. Der Drucker sagte: „Nein, das geht nicht!“
Panetta: Ich war neugierig auf die Fächer, die Sie in Reg Versus Fans verwenden. Haben Sie schon früher Readymade-Objekte in Installationen verwendet?
GENGER: Es ist selten, dass ich ein Readymade-Objekt in meiner Arbeit verwende. Ich wollte die Ventilatoren verwenden, weil ich über Stillstand und Bewegung nachdachte und mich fragte, wie man das Gewicht und die Beständigkeit von etwas zeigen könnte. Man könnte ewig Ventilatoren oder Wind auf das Objekt wehen lassen, und es würde sich trotzdem nicht bewegen. Der ganze Raum war von dieser zirkulierenden Luft umgeben, aber das Objekt stand einfach nur da, völlig still.
Panetta: Als ich die Larissa Goldston Gallery betrat, um Reg Versus Fans zu sehen, wurde ich von dem Geruch der Skulptur überrascht. War dieser „physische Angriff“ Ihrerseits beabsichtigt?
GENGER: Es war schön, dass es passiert ist. Ich habe eigentlich nicht darüber nachgedacht, weil es wirklich so war, wie es in meinem Atelier war. Ich hatte es also nicht geplant, aber es war ein wunderbarer Bonus. Eine Idee, die ich irgendwann verwirklichen möchte, ist, ein Stück zu machen, das tatsächlich schwitzt. Ich weiß nicht, wie ich das anstellen soll, ohne dass es mehr „Hightech“ ist, aber es ist etwas, das mir schon eine Weile im Kopf herumschwirrt. Ich denke darüber nach, eine Arbeit zu machen und die Möglichkeit, dass sie tatsächlich schwitzen könnte.
Roberts: Ich liebe diese Idee.