Emma Amos, eine figurative Malerin, deren visuell verführerische Kunst Rassismus und Privilegien aufs Korn nahm, ist im Alter von 83 Jahren gestorben. Ihre Galerie Ryan Lee teilte in einer E-Mail mit, dass Amos am 20. Mai in Bedford, New Hampshire, an der Alzheimer-Krankheit gestorben ist.
Im Laufe ihrer Karriere hatte Amos ein Händchen dafür, phantasievolle Tableaus zu entwerfen, in denen sie Aspekte der Kunstgeschichte, ihres persönlichen Lebens und aktueller Ereignisse miteinander verband und so Bilder für die Ewigkeit schuf. Ihre eindrucksvollen Bilder tauchten in knifflige Themen ein, die hässliche Geschichten von Rassismus, Sexismus und Klassenkampf enthüllten – Themen, die Amos auch dann aufgriff, wenn sie wusste, dass sie eine Belastung darstellen könnten. „Ja“, schrieb sie in ihrer Künstlererklärung, „Rasse, Geschlecht, Klasse und Machtprivilegien existieren in der Welt der Kunst.“
Diese Denkweise erstreckte sich auf die Art und Weise, wie Amos die Malerei selbst betrachtete. Die Farbe, einer der grundlegenden formalen Aspekte der Malerei, bekam für Amos einen politischen Unterton. „Jedes Mal, wenn ich über Farbe nachdenke, ist das eine politische Aussage“, sagte sie einmal der Kunsthistorikerin Lucy Lippard. „Es wäre ein Luxus, weiß zu sein und nie darüber nachdenken zu müssen.“
In einem ihrer berühmtesten Werke, Flower Sniffer (1966), malt sich Amos in einem großen weißen Kreis mit blauen Rändern. Das Orange ihres Hemdes und das Gelb ihrer Blumen mögen warm sein, aber nichts anderes an dem Bild zählt als dasselbe. Das absichtlich etwas schiefe Bild ist als Kritik an der Tradition der Selbstdarstellung gedacht, wobei Amos deutlich weniger passiv wirkt als viele weiße Künstlerinnen, die sich im Laufe der Kunstgeschichte selbst dargestellt haben.
Amos‘ Leinwände hatten auch eine spielerische Seite. Im Hintergrund von Sandy and Her Husband (1973), einem zärtlichen Bild eines tanzenden Ehepaars in einem Wohnzimmer, erscheint eine Anspielung auf Flower Sniffer. Und in einigen ihrer schillerndsten Gemälde scheinen Zirkusartisten, Tiere und Musikinstrumente durch eine Leere zu taumeln, als ob die Regeln der Perspektive nicht gelten würden.
Wie viele schwarze Künstlerinnen, die in den 60er und 70er Jahren arbeiteten, wurde Amos erst in den späteren Phasen ihrer Karriere von großen Museen anerkannt, was zum Teil dem kritischen Erfolg von Ausstellungen wie „Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power“ (organisiert von der Tate Modern in London) und „We Wanted a Revolution: Black Radical Women, 1965-85“ (organisiert vom Brooklyn Museum in New York). Doch Amos nimmt unter ihren Kollegen eine ungewöhnliche Stellung ein, denn sie war an einer Schlüsselgruppe schwarzer Künstler beteiligt, die schon zu ihrer Zeit in der Presse präsent war.
Dieses Kollektiv war die kurzlebige, aber äußerst einflussreiche Gruppe Spiral. Zu den Mitgliedern gehörten Norman Lewis, Romare Bearden und Hale Woodruff. Amos war die einzige Frau, die von Woodruff, ihrem ehemaligen Professor, eingeladen wurde. (Amos versuchte auch, Vivian Brown in die Gruppe zu locken, aber sie behauptete, diese Idee sei von den Männern in ihrem Umfeld abgelehnt worden.) Unter den Künstlern von Spiral, die alle auf sehr unterschiedliche Weise arbeiteten, herrschte Uneinigkeit darüber, was der Begriff „schwarze Kunst“ bedeuten könnte. „Ich glaube nicht, dass es so etwas wie Negerkünstler gibt“, sagte Amos 1966 in einem Artikel über Spiral zu ARTnews. „Warum lassen wir die Weißen nicht rein?“
Spiral wurde 1963 gegründet und löste sich bald darauf auf. 1965 veranstaltete die Gruppe die Ausstellung „First Group Showing: Works in Black and White“ in einer angemieteten Galerie in New York – eine erste Ausstellung, die auch ihre letzte sein sollte. Doch der Einfluss von Spiral ist bis heute unübersehbar. „Die Kritikerin Martha Schwendener schrieb in der Village Voice, als eine Ausstellung vom Birmingham Museum of Art in Alabama zum New Yorker Studio Museum in Harlem reiste.
Spiral war nicht das einzige radikale Kollektiv, an dem Amos beteiligt war. In den 70er Jahren war Amos für eine kurze Zeit Redakteurin bei Heresies, einer wichtigen feministischen Zeitschrift, die Texte von Künstlerinnen wie Howardena Pindell, Ana Mendieta, Adrian Piper und Martha Rosler veröffentlichte. „Sie dachten, ich würde Erdnussbuttersandwiches machen und loslaufen, um Tee zu holen, und ich saß einfach nur da“, sagte Amos 2011 in einer mündlichen Geschichte. „
Nach der Ankündigung der Galerie Ryan Lee war Amos auch an den Guerrilla Girls beteiligt, einem legendären feministischen Kollektiv, das die Frauenfeindlichkeit in der Kunstwelt durch Proteste, Schriften und aktivistische Kunstwerke auf die Schippe genommen hat. Da die Guerrilla Girls in der Öffentlichkeit mit Gorilla-Masken auftreten, wurde die Identität ihrer Mitglieder lange Zeit geheim gehalten. Amos ließ ihre Beteiligung vage und sagte einmal: „Ich war Mitglied einer sehr berühmten klandestinen Frauengruppe, die nachts arbeitete und niemals ohne Masken auf die Straße ging.“
Emma Amos wurde 1937 in Atlanta, Georgia, geboren. Schon in jungen Jahren zeigte sie eine Vorliebe für Kunst und besuchte Kurse an örtlichen Einrichtungen. Im Alter von 16 Jahren schrieb sie sich für einen Bachelor-Studiengang am Antioch College in Yellow Springs, Ohio, ein, wo sie ihre künstlerische Ausbildung fortsetzte und später ein Jahr lang in London studierte. Im Jahr 1960 zog sie nach New York.
Nachdem sie als Lehrerin an einer Vorbereitungsschule gearbeitet hatte, fand Amos eine Anstellung im Atelier von Dorothy Liebes, einer Textildesignerin, die dazu beitrug, die Weberei aufzuwerten. Die Erfahrungen mit Liebes, für die sie ein Jahrzehnt lang arbeitete, weckten in Amos ein Interesse am Handwerk, das sie während ihrer gesamten Laufbahn begleitete. In Interviews verglich Amos die Malerei mit dem Handwerk. „Selbst die Leinwand ist für mich ein Textil“, sagte sie einmal. Von 1977 bis 1978 war Amos Co-Moderatorin der handwerklich orientierten Fernsehserie Show of Hands.
In den 80er Jahren begann Amos, Gemälde für eine Serie mit dem Titel „Falling“ zu schaffen, die Figuren zeigt, die durch riesige Räume stürzen. „Mir gefiel die Vorstellung, dass, wenn man durch die Luft fällt, jemand da ist, der versucht, einen aufzufangen, oder jemand, der sich an einem festhält, so dass man zu zweit ist“, sagte Amos. In einem denkwürdigen Werk aus dieser Serie fällt Amos durch einen bläulichen Himmel und hält sich an einem Bild ihrer Mutter fest.
Nach dieser Serie schuf Amos Werke, die all ihre Interessen mit ihren Erfahrungen mit Textilien und Druckgrafik verbanden. (In den 70er Jahren hatte sie an der Druckwerkstatt des Künstlers Robert Blackburn teilgenommen.) In vielen dieser Arbeiten spiegelt sich das Gefühl wider, dass Amos mit dem Weißsein der Kunstgeschichte unzufrieden war. Für Muse Picasso (1997) formte sie eine Leinwand in Form eines Malerkittels, in dessen Mitte sie ein Bild von Pablo Picasso platzierte und es mit Rondellen umgab, die Bilder von afrikanischen Masken und ihr eigenes Bild zeigten. Beide sind von afrikanischen Stoffen und Wörtern wie „Meister“ umgeben – eine ausdrückliche Anerkennung der Geschichte von Rassismus, Kolonialismus und Sklaverei in Afrika, die Picasso nicht sah, als er sich von den Masken des Kontinents inspirieren ließ.
Selbst im letzten Jahrzehnt hatte Amos weniger Anerkennung erhalten, als sie verdiente. Das Studio Museum in Harlem veranstaltete in den 90er Jahren eine Übersichtsausstellung, und Art in General in New York präsentierte eine Ausstellung, die auf Reisen ging. Aber nur wenige große Institutionen hatten Interesse an ihrer Arbeit gezeigt. „Ich wache morgens auf und sage: ‚Ich habe ein Werk im Museum of Modern Art. Ich frage mich, ob es immer noch da ist“, sagt sie, „und ich frage mich, ob ich aus der Sammlung gestrichen worden bin. „Und ich frage mich, wie es kommt, dass niemand weiß, wer ich bin.“
Das Werk im MoMA wurde jedoch nicht aus der Sammlung entfernt, und jetzt besitzt das Museum fünf weitere Werke von Amos. Zu den anderen Institutionen, die wichtige Werke von Amos besitzen, gehören das Cleveland Museum of Art, das Whitney Museum und das Brooklyn Museum. Eine Retrospektive von Amos soll 2021 im Georgia Museum of Art in Athen eröffnet werden.