Den berømte kunstkritiker Clement Greenberg var en af de mest indflydelsesrige og respekterede stemmer i det 20. århundrede. Han er i dag kendt som “den amerikanske kunsts stemme”, og hans dristige og åbenhjertige fejring af den amerikanske abstrakte kunst i 1940’erne og 1950’erne gjorde kunstnere som Jackson Pollock, Willem de Kooning og Barnett Newman til kendte navne. Greenbergs idéer, der mente, at kunsten skulle nedbrydes til dens reneste, enkleste og mest poetiske egenskaber i form af linjer, farver og flade overflader, påvirkede en hel generation og førte til, at de skabte nogle af de mest ikoniske kunstværker gennem tiderne. “Modernismen”, skrev han, “brugte kunsten til at henlede opmærksomheden på kunsten.”

Clement Greenbergs tidlige ideer

Clement Greenberg blev født i Bronx af jødisk-litauiske immigranter og studerede engelsk litteratur på Syracuse University. Efter sin eksamen drev han rundt mellem forskellige jobs, før han fandt vej ind i den gruppe af forfattere og kritikere, der kaldte sig New York Intellectuals, herunder Susan Sontag og Harold Rosenberg. Mange af dem var jøder og gik ind for en venstreorienteret politik, hvor de integrerede litterær teori med marxistiske overbevisninger, men de afviste Stalin og lænede sig i stedet op ad trotskismens liberalistiske idéer.

Mange af Greenbergs idéer kom oprindeligt fra Karl Marx, især troen på, at abstrakt avantgardekunst var et modigt og revolutionært skridt væk fra undertrykkende politiske regimer ledet af nazisterne eller kommunisterne. En anden stor indflydelse på Greenbergs idéer var den tyske kunstner og pædagog Hans Hofmann. I 1938 og 1939 deltog Greenberg i flere af Hoffmanns foredrag, som understregede vigtigheden af en “formel” forståelse i kunsten, hvor farve, linje, overflade og forholdet mellem flader på en flad overflade blev anset for vigtigere end figurativt eller litterært indhold.

Celebrating the Avant-Garde

Meget af Clement Greenbergs tidligste kritiske forfatterskab udkom i New Yorks liberale Partisan Review, og var stærkt påvirket af Hans Hoffmanns ideer. Det var i Partisan Review, at Greenberg offentliggjorde det første af sine mest indflydelsesrige essays med titlen Avant-Garde and Kitsch, 1939, som dannede grundlaget for mange af hans fremtidige idéer.

I essayet argumenterer Greenberg for, at avantgardekunsten fra det tidlige 20. århundrede var “den eneste levende kultur”, der stadig eksisterede, mens fremkomsten af “kitsch”, populært eller masseproduceret materiale, var en stor trussel mod dens eksistens. Han argumenterede for, at “kitsch”-billederne var et biprodukt af det tarvelige, billige industrialiserede samfund, og han hævdede kraftigt, at både kunst og litteratur burde tilbyde en vej til en højere sandhed hinsides dette “forringede” sprog. Denne tro på den samfundsmæssige betydning af en “høj” avantgardekunst med fokus på proces og eksperimentering var afgørende for alle Greenbergs idéer om kunst og kom til at præge hans fremtidige essays om kunstteori og -praksis.

A Newer Laocoon

Bare et år senere udgav Clement Greenberg det andet af sine instrumentalt vigtige essays: Towards a Newer Laocoon, 1940. Teksten var en fortsættelse af Gotthold Lessings berømte artikel Laokoon: An Essay Upon the Limits of Painting and Poetry, der blev offentliggjort i 1766. Lessing var begyndt at skelne mellem forskellige kunstneriske medier, herunder poesi, maleri og skulptur, og argumenterede for, hvordan de hver især havde deres eget særskilte udviklingssprog, som vi bør anerkende og værdsætte.

Med udgangspunkt i Lessings essay skitserede Greenbergs idéer et historisk rationale, der beskrev, hvor det moderne maleris oprindelse var kommet fra, og hvor det nu var på vej hen. Han hævdede, at maleriet var blevet mere og mere fladtrykt siden historisk tid, og at det havde bevæget sig bort fra det narrative eller litterære indhold og hen imod en fremhævelse af abstrakte mønstre og overflader, og han skrev: “Men vigtigst af alt bliver billedplanet fladere og fladere, flader ud og presser de fiktive dybdeplaner sammen, indtil de mødes som ét på det virkelige og materielle plan, som er lærredets faktiske overflade.”

Abstrakt ekspressionisme

Igennem 1940’erne bosatte Clement Greenberg sig i Greenwich Village-området i New York, hvor han arbejdede som redaktør for Partisan Review, medredaktør for Commentary Magazine og kritiker for The Nation. Han var en af de første til at opdage og forsvare den spirende abstrakte ekspressionistiske skole, herunder Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell og David Smith, og gennem hans forfatterskab blev disse kunstneres karrierer sat i internationalt søgelys. Efterhånden som deres karrierer voksede, voksede også Greenbergs karriere, og han blev en gigant på den amerikanske kunstscene og fik foredragsposter på Black Mountain College, Yale University, Bennington College og Princeton University, hvor han havde en markant indflydelse på den næste generation af kreative tænkere.

The Crisis of the Easel Picture

Flere essays, der blev offentliggjort i løbet af 1940’erne, gav Greenberg mulighed for at udvide sit argument for det abstrakte maleris betydning, herunder Abstract Art, der blev offentliggjort i 1944, og The Crisis of the Easel Picture, 1948. I sidstnævnte tekst introducerede han det radikale og indflydelsesrige begreb “all-over”-billede og beskrev en fladtrykt, repetitiv tendens i amerikansk kunst, som praktiseret af Jackson Pollock, Lee Krasner og Barnett Newman, som et “decentraliseret, polyfonisk, all-over-maleri”, der smeltede sammen til “ren tekstur, ren sensation”. Han hævdede også, at “all-over” maleriet var opstået som en logisk reaktion på et industrialiseret, kapitalistisk samfund, hvor “alle hierarkiske distinktioner er udtømt … intet område eller rækkefølge af erfaring er hverken i sig selv eller relativt overlegen i forhold til noget andet”.

Greenberg vs. Rosenberg

En af Clement Greenbergs største rivaler var hans kunstkritikerkollega Harold Rosenberg; rygtet siger, at de undertiden næsten endte i håndjern under deres rabiate debatter. Selv om der var mange overlapninger mellem deres idéer, roste Rosenberg det, han kaldte “Action Painting”, en retning af abstraktion baseret på energiske, performative bevægelser, som praktiseret af Jackson Pollock, Franz Kline og Arshile Gorky. Rosenberg støttede også forskellige abstrakt ekspressionistiske kunstnere, som havde bragt figurative eller narrative elementer tilbage i deres frie, ekspressive malerier, såsom Willem de Kooning og Philip Guston.

Derimod pressede Greenberg sin støtte til en renere, renere stil af abstraktion frem og afviste aktivt de Koonings seneste figurative studier. I stedet flyttede han sin støtte til Washington Colour School Painters som Barnett Newman, Kenneth Nolan og Anne Truitt, der praktiserede et slankt, minimalistisk sprog baseret på de optiske fornemmelser af flade farvemønstre. I sit essay American-Type Painting, 1955, argumenterede Greenberg for, at denne nye malerskole førte en naturlig udvikling hen imod ægte modernistisk kunst.

Modernist Painting

Da Clement Greenbergs idéer udviklede sig, blev de mere og mere polariserede og ekstreme. Da fremkomsten af kitsch, flerlaget Pop Art og neo-dada-stilarter begyndte at dukke op gennem New York-kunstnerne Robert Rauschenberg og Jasper Johns, slog Greenberg endnu hårdere tilbage. Han kæmpede højlydt imod sit argument om, at det modernistiske maleri måtte være en reduktionsproces, der adskilte det fra andre medier eller metoder. Han hævdede endvidere, at abstraktion var en logisk og nødvendig udvikling i den moderne kunst, som strippede kunsten tilbage til dens bareste, mest destillerede essens, hvilket han beskrev som den naturlige udvikling for formalismen, en teori, der først blev fremsat af kunstkritikeren Roger Fry i begyndelsen af det 20. århundrede.

Disse idéer blev eksemplificeret i Greenbergs mest ikoniske essay, Modernist Painting, 1961. Han argumenterede for, at maleriet skulle være en ultimativt “ren” aktivitet, der afviste enhver form for reference til omverdenen, herunder følelsesmæssige udtryk, illusionisme eller ethvert “rum, som genkendelige genstande kan bebo”. Greenberg fortsatte med at forklare, hvordan et maleri bør være fuldstændig selvrefererende og kun forholde sig tilbage til sig selv og ingen andre eksterne referencer til den virkelige verden eller til andre kunstneriske medier såsom skulptur eller tegning.

Post-Painterly Abstraction

Og selv om de var ekstreme, afspejlede Clement Greenbergs ideer tidsånden, og de havde en markant indflydelse på den førende kunstneriske udvikling i 1960’erne. De forenklede, mættede Colour Field-malerier af Helen Frankenthaler, Morris Louis og Jules Olitski er i dag synonyme med Greenbergs idéer, der definerer højdepunktet af den modernistiske æra med en skånselsløst streng, analytisk holdning til form, farve, tekstur, skala og komposition. Greenberg kuraterede en udstilling med titlen Post-Painterly Abstraction i 1964 på Los Angeles County Museum of Art, som omfattede værker af 31 forskellige kunstnere; den var så vellykket, at Post Painterly Abstraction nu er anerkendt som en bevægelse i sig selv.

Influence on Art Criticism

Med udgangspunkt i både sine egne ideer om formalisme og teorierne fra den tyske filosof Immanuel Kant fra det 18. århundrede argumenterede Greenberg i Modernist Painting for en ny, objektiv måde at se kunst på. Han mente, at man skulle betragte kunst og skrive om den på en fuldstændig løsrevet måde og kun iagttage selve objektets fysiske egenskaber. Disse idéer havde en dybtgående indflydelse på en ny generation af modernistiske kunstkritikere, der blev kendt som “Greenbergs skole”, herunder Rosalind Krauss, Michael Fried og Barbara Rose, som hver især indtog en lignende analytisk tilgang, når de dissekerede et kunstværk.

Backlash mod Clement Greenberg

I midten af 1960’erne var kunstnere og kritikere allerede ved at bevæge sig ud over yderpunkterne i Clement Greenbergs ideer. Mange så hans standpunkt som for polariseret og dogmatisk, mens hans fjernelse af illusionisme, narrativitet og følelser i maleriet havde sat mediet tilbage i et hjørne, hvor der ikke var nogen steder at gå hen. Og som kunstkritiker Rosalind Krauss kom til at indse, udviste Greenbergs overforenkling af den modernistiske, formalistiske kunst meget af livets idiosynkrasier og irrationaliteter. De forstyrrende skoler Pop Art og Fluxus, der opstod i Greenbergs kølvand, bragte mange af det almindelige livs komplekse forskelligheder tilbage i kunstpraksis i løbet af 1960’erne og 1970’erne og rystede meget af det, han havde argumenteret så voldsomt for, fra hinanden.

Men selv om modreaktionen mod Greenbergs idéer omkring ren modernisme og formalisme fortsatte i flere generationer, er den vægt, han lagde på selvreferentialitet og kunstgenstandenes materialitet, en holdning, der stadig er gældende den dag i dag. Mange af nutidens mest eksperimenterende og spændende samtidsmalere har i baghovedet en bevidsthed om et maleri som et fysisk objekt, selv om de nu har oversvømmet det med referencer til det moderne liv, som det fremgår af kunst af Callum Innes, Tomma Abts, Fiona Rae og Peter Doig.

Mens Greenbergs noget forenklede syn på kunsthistorien som en singulær march mod abstraktion stort set er blevet omskrevet i dag, er hans argument om, at vi kun skal se malerier som dem selv først, uden at relatere dem til noget andet, en holdning, der stadig hænger i baggrunden i dag og farver den måde, så mange af os ser på kunst, især hans tro på kunst som en unik oplevelse, der er “uopnåelig fra nogen anden kilde”.”