Immersive Theater
af Stephen M. Eckert

The Contemporary Performance Think Tank fokuserer på en række emner inden for teater og Contemporary Performance og gennemfører forskning og interviews for at producere en bog som en ressource for praktikere. Dette års emne er nutidige scenekunstnere og kompagnier, der omdefinerer forholdet til publikum og presser de formelle relationer mellem arkitektur, kunstner og publikum. I forbindelse med denne artikel har tænketanken udvalgt fem områder, der er på forkant med denne forskning, til at udforske: moderne koreografi, Mixed Reality Performance, Performance Cabaret, Immersive Theatre og Social Engaged Art. Hvert afsnit i denne bog indeholder en introduktion til den specifikke praksis, en samtale med en kunstner og en liste over kunstnere, der arbejder inden for og omkring den specifikke praksis. “Hvad er immersivt teater?” er en del af en serie af indlæg. Kig tilbage dagligt for at se de næste indlæg.

I en tid med binge-watching, live-tweeting og Oculus Rift, hvordan kan teater så konkurrere som altopslugende underholdning? Måske er det vores ønske om at være mere end tilskuere – at blive suget hovedkulds ind i alternative verdener – der har givet næring til det seneste boom inden for immersivt teater, som bytter den fjerde væg ud med snoede gange og dansegulve i håb om at give publikum ikke et show, men en “oplevelse”. – Michael Schulman, The New Yorker1

Immersivt teater er en forestillingsform, der lægger vægt på betydningen af rum og design, kuraterer håndgribelige, sanselige miljøer og fokuserer på den personlige, individuelle publikumsoplevelse.2 Formen er opstået i løbet af de sidste to årtier som en vigtig bevægelse inden for performance og befinder sig i dag inden for et mainstream-moment. Som en form, der undergraver mange af de etablerede relationer i det konventionelle teater, kan dens succes ses som et udtryk for et større behov hos nutidens publikum. Med en stor del af nutidens liv, der foregår i digitale rum uden jordforbindelse, længes publikum efter at eksistere som fysiske kroppe på faktiske steder; i en kultur, der er todimensionel, søger nutidens publikum ekspansive, viscerale stimuli; i et samfund, der mangler privatliv, finder publikum udsigten til en intim, personlig oplevelse tiltrækkende.3

Når et publikum går ind i et almindeligt teater, ved de, hvad de får – sæder, et program, is, en scene, to halvdele – og som følge heraf falder de sammen og slukker for tre fjerdedele af deres hjerne. Jeg ønskede at skabe forestillinger, hvor publikum er fysisk til stede, så de er drevet af en basal, mavefornemmelse og træffer instinktive beslutninger. Den slags forestillinger efterlader et langt større aftryk på en end blot at se på noget.
– Felix Barrett, Punchdrunk4

Samtidig praksis med immersivt teater kan ses som en fusion af installationskunst og det 20. århundredes fysiske og visuelle teatre. Elementer fra den modernistiske praksis afspejles i det moderne arbejde, herunder overvejelser om scenografisk design, forholdet mellem skuespiller og publikum og meget fysiske forestillingsstile.5 1960’ernes happenings og miljøteater med deres åbne komposition, fokus på umiddelbarhed og anerkendelse af varighedens betydning giver også elementer til den immersive form i dag6 , idet installations- og livekunstpraksis fra 1960’erne og fremefter inspirerer meget af den æstetik af intimitet og deltagerfokus, der ses i det moderne immersive arbejde, ved at placere beskueren i selve værket og undergrave den kritiske distance.7

Selskaber, der laver immersivt teater i dag, er meget optaget af det fysiske rum, idet stedspecifikke produktioner i pakhuse, hospitaler eller natklubber er almindelige, og der lægges stor vægt på håndgribelige detaljer i omgivelserne. Produktioner lader sig ofte inspirere af stedet eller vælger spillestedet ud fra værkets emne, men omdannelsen af et sted uden for teatret til et immersivt rum er meget udbredt.8 Denne forbindelse mellem værket og stedet, hvor rummets dramaturgi indlejres i produktionen, er i mange kompagnier et væsentligt aspekt af deres praksis.

Rummet – hvad enten det er en suspenderet pause, et tomt område, et tomt rum eller et grænseløst kosmos – optræder … det er det grundlæggende immaterielle materiale, som designere, der skaber steder til teaterforestillinger, benytter sig af. Rummet er arkitekternes (som konstruerer det) og scenografernes (som abstraherer det) stof; det opleves af indbyggerne (som er nedsænket i det).
– Dorita Hannah, Performance Perspectives: A Critical Introduction9

Immersivt teater giver sanselige oplevelser, hvor publikum ikke kun opfordres til at høre og se en forestilling, men også til at røre, smage og lugte den. Scenografiske designs indtager publikums medlemmer fuldt ud, idet hvert aspekt er undersøgt og specifikt designet og opført.10,11 Mad og drikke indgår ofte som en del af oplevelsen, og produktioner kan indeholde muligheder for fysisk at interagere med sceniske elementer.12,13 Lyd i immersive praksis fokuserer på samme måde på jordforbindelse og håndgribelighed og søger at placere publikum i stykket, at sætte dem ind i en ny verden.14 Disse elementer overvejes lige så grundigt som forestillingens rum, og alle er på samme måde dramaturgisk understøttende for værkets temaer.

“Nogle af de ting, som Punchdrunk-holdet og samarbejdspartnere skaber, forbløffer mig stadig. Til Sleep No More byggede vi en by kaldet Gallow Green, og en af vores designere lavede denne gamle køreplan for jernbaner. Den er nøjagtig og fungerer, men han tilpassede den for at inkludere Gallow Green blandt de rigtige stationer. Den er emblematisk for Punchdrunk-oplevelsen: 97 procent omhyggeligt ægte, men med små, afgørende ændringer, der kan forvirre din hjerne.” – Felix Barrett, Punchdrunk15

I disse rum kan forestillingerne enten være dirigerede og lineære, designet som en oplevelse på skinner, eller vidtstrakte miljøer, der lægger vægt på valgmuligheder og udforskning. I begge tilfælde er det den enkelte publikums oplevelse af det enkelte publikum, der er i fokus for værket. Immersive værker har brug for et publikum for at eksistere, og mange af dem søger at styrke eller udfordre publikum.16 Mange kompagnier og kunstnere skaber værker med et en-til-en-forhold mellem publikum og kunstnere. Publikum kan være adskilt fra gruppen og blive guidet af en eller flere kunstnere i hele eller en del af oplevelsen, kunstnerne kan give deltagerne intime øjeblikke i en større begivenhed, eller hele oplevelsen kan være begrænset til én deltager ad gangen. En-til-en-arbejde kan også sætte deltagerne sammen med hinanden, hvilket yderligere udvisker grænsen mellem publikum og performer.17

Det handler ikke kun om numre, men i langt højere grad om intimitetens teater … Jeg tror, at publikum ønsker dette, fordi det kaster udfordringen med at skabe mening og fortolkning tilbage på publikumsmedlemmerne. Det er den måde, vi altid har forestillet os den virtuelle verden på, men den er levende. – Vallejo Gantner, PS12218

Punchdrunk, der blev grundlagt i London af Felix Barrett i 2000, men siden er blevet udvidet internationalt, har været pioner inden for den moderne immersive form, hvor frit bevægende publikummer oplever dramatiske begivenheder i stor skala i meget detaljerede teatralske rum. Ved at kombinere kanoniske tekster med fysisk performance, sanseligt scenografisk design og stedsspecifikke steder undergraver kompagniet den konventionelle teaterforventning om passive tilskuere.19 Disse produktioner er en oplevelse uden for skinner, hvor publikum ikke kan se alle sceneelementer og er tvunget til at vælge, hvilken karakter eller fortælling de vil følge eller ikke følge. Publikum bliver også bedt om at iføre sig masker i venetiansk stil under hele forløbet, hvilket giver dem en scenografisk funktion samt giver en karnevaleske anonymitet og en lempelse af typiske sociale regler.

Kompagniets seneste produktion, The Drowned Man: A Hollywood Fable, indtog fire etager i et for længst lukket Royal Mail sorteringskontor og forvandlede rummet til det fiktive filmstudie Temple Pictures. Med en æstetik fra Hollywoods guldalder og en fortælling, der er hentet fra så forskellige elementer som pulp-romaner, film noir, Ray Bradbury og Woyzeck, var den kritiske modtagelse meget positiv20 . Projektet var også et samarbejde med National Theater, hvilket ikke var første gang, at kompagniet samarbejdede med en større, mere etableret enhed (The Crash of the Elysium var i koordination med BBC og bygget op omkring karaktererne og verdenerne fra Doctor Who21), men det repræsenterede en bro mellem den gamle garde af konventionelt teater og den nye immersive form.

Punchdrunk startede som en idé, jeg havde sammen med nogle venner på universitetet. Den blev født ud fra et ønske om at skabe et værk, hvor publikum er i centrum for oplevelsen. Vi ønskede at rive dem ud af de traditionelle teatersæder og placere dem i hjertet af handlingen, udstyret med identitet og formål. – Felix Barrett, Punchdrunk22

Der blev også grundlagt i 2000 og ledes af de kunstneriske direktører Zach Morris, Tom Pearson og Jennine Willett. Third Rail Projects har til formål at omdefinere dans og performance og bringe kunst og publikum sammen gennem forskellige elementer af stedspecifikke forestillinger, danseteater, installationskunst, video- og multimedieprojekter og fordybende performancemiljøer.23 Third Rail tager i høj grad hensyn til deres rum, når de udvikler deres værker, og tema, struktur og scenografiske valg er direkte inspireret af produktionens sted. Morris beskriver ofte vigtigheden af at “lytte” til et rum.24 Selv om Third Rails immersive installationer har samme store skala, adskiller de sig fra Punchdrunks ved deres danseteaterfokus og en meget mere styret, på skinner, retning. I stedet for at vandre frit rundt går publikum mere lineært fra rum til rum.

Third Rails New York-produktion af Then She Fell, en finurlig og surrealistisk fortolkning af Alice’s Adventures in Wonderland, der er monteret i en tidligere medicinsk institution, er på sit fjerde år25 , mens deres balsamiske 1970’ernes springvands- og ungdomsresortoplevelse, The Grand Paradise, løb med stor succes i både Los Angeles og New York sidste år.26 Begge værker byder på kuraterede en-til-en-møder og blev især finansieret via online crowdsourcing. Learning Curve, der blev udviklet sammen med Albany Park Theater Project i samarbejde med Goodman Theater, placerer deltagerne på en high school i Chicago og blev skabt sammen med det lokale samfund af elever, lærere og forældre.27Sweet & Lucky, der blev bestilt af Denver Center for the Performing Arts,28 inviterede publikum ind i et mystisk antikvariat, der førte til en aften med drømmeagtige møder omkring temaer som erindring og dødelighed.29

Vores job er forhåbentlig at skabe en masse virkelig interessante prikker. Men det er publikums opgave at forbinde disse prikker. Og de kan forbinde dem, som de vil. Det, der er ret fedt ved denne type teater, er, at jeg vil gå ud af en forestilling, og du vil gå ud af en forestilling, og vi har måske set mange af de samme prikker, men mit billede vil se meget anderledes ud end dit. Og det er det, der er det fantastiske. Og en meget anderledes måde at tænke på historiefortælling på. – Zach Morris, Third Rail Projects30

Det californiske kompagni Wilderness, der blev grundlagt i 2011 af den kunstneriske leder Annie Saunders, har taget sit navn fra de uudnyttede steder, hvor de opfører deres stedspecifikke produktioner. På disse uudforskede og ubeboede steder “skaber de fordybende, erfaringsbaserede og tværfaglige teaterbegivenheder, der forstyrrer grænserne mellem observatør og observeret”. 31

Deres 2015-produktion af The Day Shall DeclareIt var en guidet danseteateroplevelse med et cast på tre performere, tekster fra Tennessee Williams og Studs Terkel, en række rum, der kombinerer “Great Depression-æraens indretning med en moderne urban industriel æstetik” og et lyddesign, der er endnu “mere resonant end noget af det, der bliver talt af de tre personer i castet.”32Antigone Project, et værk under udvikling, der skal på turné i 2017/18, er en “intim teaterduet”, der genfortæller ødipusmyten “placeret i et enormt tæppefort, der er født ud af Antigones fantasi, mens hun er begravet i hulen” med det formål at skabe “en nærgående og menneskelig udforskning af heltinden og den bror, hun begraver.”33 Værket blev skabt med støtte fra Getty Villa, San Francisco Playhouse og Harvey Milk Center.

Når jeg kom til L.A., prøvede jeg ligesom at finde ud af, hvad jeg skulle lave her, og jeg kørte rundt og så en masse virkelig spændende, tilsyneladende forladte rum, især i centrum af byen. Så jeg besluttede mig for, at jeg ville lave værker, der på en måde besatte disse rum midlertidigt. Jeg mener, jeg følte bare virkelig, at jeg ville udforske disse bygninger, og jeg tænkte, at det måske var den slags arbejde, jeg ville lave i L.A., ligesom at invitere folk ind i disse rum og skabe disse midlertidige verdener. – Annie Saunders, Wilderness34

Britt Hatzius er en tysk, britisk baseret kunstner, der arbejder med flere forskellige medier, herunder visuel kunst, film, installation og performance. Britt Hatzius’ arbejde “refererer til eller tager ofte det bevægelige billedes format, både i dets tekniske og konceptuelle form, og udforsker idéer om sprog, fortolkning og potentialet for uoverensstemmelser, brud, afvigelser og (mis-)kommunikation.”35

I hendes immersive værk, Blind Cinema, sidder publikum i en biograf med bind for øjnene og får en projiceret film beskrevet ved at hviske børn gennem en tragt op til deres øre. Værket fokuserer på “det, der ligger hinsides synssansen (og forlader biografens illusoriske virkelighed for at genindtræde i fantasiens), opmærksomheden svinger mellem hver sin fælles, men indre verden, der styres af den hviskende stemme, og det fælles fysiske rum i den mørke biograf. “36This is Not My Voice Speaking, et samarbejde mellem Hatzius og Ant Hampton, opdeler publikum i “Ones” og “Zeroes” og guider dem gennem oplevelser ved hjælp af ældre teknologi, herunder en pladespiller, diasprojektor, kassettebånd og 16 mm film. Deltagerne har til opgave at følge en fysisk og vokal instruktions-“manual”. Dette “resulterer i, at stemmen hopper fra kassette til vinyl og til sidst synkroniseres med, hvad der ser ud til at være gamle 16mm-optagelser af en skægget nyhedsoplæser”. Værket “bevæger publikum-performeren rundt inden for tre kommunikative elementer, der danner en uhyggelig triangulering: den menneskelige stemme, instruktions-‘manual’-sproget og fysisk manifesterede (sidste generations) optegnelige medier. “37

The Extra People er faktisk ret farlig, ikke for offentligheden, men for forestillinger om repræsentation og deltagelse (…), idet den dykker os dybt ned i den definerende sociale og økonomiske virkelighed i vores tid: tom, afbrudt, overvåget, vagt truende og meget offentlig: på en scene, faktisk. Da vi gør os klar til at gå, kommer en anden gruppe ind, og showet fortsætter. – Molly Grogan, Exeunt Magazine38

Shasta Geaux Pop er skabt af den New York-baserede multidisciplinære performer Ayesha Jordan og instruktør Charlotte Brathwaite. Stykket blev opført på Under the Radar Festival i 2017 og på The Bushwick Starr i efteråret 2016, men karakteren blev udviklet i mange år tidligere af Jordan39 .

Det er en “fordybende undergrunds hiphopfest “40 og har den titulære figur i hovedrollen, en “popstjerne-kunstner og entertræner, der får kæberne og bagdelene til at falde én sang ad gangen … jeg mener tiden”.41 Forestillingen forvandler teatre til fordybende kælderfester og blander elementer af fordybelse (fokus på rummet, håndgribeligt design) med elementer af kabaret og solopræstation. Shasta optræder ligeledes for og interagerer med publikum i hele forestillingen, som bekæmper en simpel, lineær fortælling eller historie og i stedet opbygger et åbent miljø for publikumsoplevelser.

…det er ikke et show. Det er bedre at tænke på det som en sammenkomst. En begivenhed, hvor jeg kan afsløre det indre af mig selv…gennem musikken. Vi kan skabe intime forbindelser. Du ved? Jeg føler, at jeg er mere end en performer, mere end en kunstner. Jeg skaber forbindelse. Lad os kalde det en forbindelse. Vi er alle på vej til en forbindelse. – Shasta Geaux Pop, New York Theater Review42

Måske har den største ændring for det immersive teater i løbet af det sidste årti været den voksende accept og faktisk omfavnelse af denne form i de konventionelle teaterinstitutioner. Ud over de tidligere nævnte stykker fra Punchdrunk og Third Rail er flere immersive produktioner ved at blive udviklet i samarbejde med konventionelle teaterinstitutioner. Regionale teatre i USA viser interesse for denne form, idet Guthrie har haft premiere på Sarah Agnews Relics som en del af deres Dowling Space Initiative43 og Center Theater Group har bestilt Geoff Sobelles The Object Lesson som en del af et lignende initiativ.44 La Jolla Playhouse er fortsat vært for den årlige Without Walls Festival for stedspecifikke værker.45 Immersivt teater kan endda findes i centrum af det almindelige amerikanske teater, Broadway-husene, med produktioner som Ars Novas Natasha, Pierre, and the Great Comet of 181246 og Simon McBurneys The Encounter47 , der fylder Broadway-teatrene i år og bruger immersionsmærket som et vigtigt salgsargument. Man kan spekulere i årsagen til det immersive teaters øgede synlighed og succes, men det er klart, at det vækker genklang hos publikum på en måde, som den traditionelle teaterform ikke kan.

Videre læsning:
10 Immersive Theater Companies To Discover
Immersive Theater: I samtale med Shasta Geaux Pop

Notes

1. Michael Schulman, “Immersive Theater on Broadway,” New Yorker, 24. oktober 2016, http://www.newyorker.com/magazine/2016/10/24/immersion-theater-on-broadway.http://www.newyorker.com/magazine/2016/10/24/immersion-theater-on-broadway.
2. Josephine Machon, Immersive Theaters: Intimitet og umiddelbarhed i moderne forestillinger (Basingstoke: Palgrave Macmillan, 2013), 66.
3. Machon, Immersive Theaters, 72.
4. “Punchdrunk-visionær Felix Barrett: ‘If audiences get used to the rules, change them,'” Telegraph, 19. juni 2015, http://www.telegraph.co.uk/culture/culturenews/11675468/Punchdrunks-Felix-Barrett-If-audiences-get-used-to-the-rules-change-them.html.
5. Machon, Immersive Theaters, 29.
6. Machon, Immersive Theaters, 31.
7. Machon, Immersive Theaters, 33.
8. Machon, Immersive Theaters, 65, 85.
9. Dorita Hannah, “Event-space: Performance space and spatial performativity,” i Performance Perspectives: A Critical Introduction, eds. Jonathan Pitches and Sita Popat (Basingstoke: Palgrave Macmillan, 2011), 54-62.
10. Machon, Immersive Theaters, 77.
11. Claire Bishop, Installation Art: A Critical History. London: Routledge. 2006. Deltagelse. London, Whitechapel Gallery og Cambridge, MA: MIT Press. pp. 14.
12. Machon, Immersive Theaters, 78.
13. “Immersive Theater, Defined: Five Elements in Sleep No More, Then She Fell, and More,” Howlround, tilgået den 25. februar 2017, http://www.howlround.com/immersive-theater-defined-five-elements-in-sleep-no-more-then-she-fell-and-more.
14. Machon, Immersive Theaters, 95.
15. “Punchdrunk visionary,” Telegraph.
16. Machon, Immersive Theaters, 42.
17. Machon, Immersive Theaters, 55.
18. Felicia R. Lee, “Theater for Audiences of One,” New York Times, 28. juli 2010, http://www.nytimes.com/2010/07/28/theater/28one.html.
19. “About,” Punchdrunk, tilgået den 25. februar 2017, http://www.punchdrunk.org.uk/about/.
20. “The Drowned Man,” Punchdrunk, tilgået den 25. februar 2017, http://www.punchdrunk.org.uk/the-drowned-man/.
21. “The Crash of the Elysium,” Punchdrunk, tilgået den 25. februar 2017, http://www.punchdrunk.org.uk/the-crash-of-the-elysium/.
22. Antonio Wilson, “The Drowned Man: An interview with immersive theater masters Punchdrunk,” Creative Review, 15. juli 2015, http://www.creativereview.co.uk/the-drowned-man-an-interview-with-immersive-theater-masters-punchdrunk/
23. “About the Company,” Third Rail Projects, besøgt den 28. februar 2017, http://www.thirdrailprojects.com/about#abouthecompany.
24. James Carter, “Third Rail Projects Holds Up Mirror to the Audience,” The Civilians, 1. april 2016, besøgt 27. februar 2017, http://www.extendedplay.thecivilians.org/third-rail-projects-holds-up-a-mirror-to-the-audience-40116/.
25. “Then She Fell,” Third Rail Projects, besøgt 27. februar 2017, http://www.thirdrailprojects.com/thenshefell#tsf.
26. “The Grand Paradise,” Third Rail Projects, besøgt 27. februar 2017, http://www.thegrandparadise.com.
27. “Learning Curve,” Third Rail Projects, tilgået 27. februar 2017, http://www.thirdrailprojects.com/learningcurve#lcpage.
28. Hope Grandon, “Theater Company to Create New Immersive Theater Piece with Third Rail Projects,” Denver Center for the Performing Arts Newscenter, 20. juli 2015, http://www.denvercenter.org/blog-posts/news-center/2015/07/20/theater-company-to-create-new-immersive-theater-piece-with-third-rail-projects.
29. “Sweet and Lucky,” Third Rail Projects, besøgt 27. februar 2017, http://www.thirdrailprojects.com/sweetandlucky#salpage.
30. Carter, “Third Rail Projects Holds Up Mirror to the Audience.”
31. “About,” Wilderness, besøgt 20. februar 2017, http://thisisthewilderness.com/about/.
32. Charles McNulty, “‘The Day Shall Declare It’ has dazzling visuals, limited depth,” Los Angeles Times, 10. marts 2015, http://www.latimes.com/entertainment/arts/la-et-the-day-shall-declare-it-review-20150311-column.html.
33. “The Antigone Project,” Wilderness, besøgt 20. februar 2017, http://thisisthewilderness.com/portfolio/the-antigone-project/.
34. Bill Raden, “A Q&A with Annie Saunders of The Day Shall Declare It,” Stage Raw, 12. maj 2016, http://stageraw.com/2016/05/12/a-qa-with-annie-saunders-of-the-day-shall-declare-it/.
35. “BIO,” Britt Hatzius, besøgt 3. marts 2017, http://www.britthatzius.co.uk/bh_BIO.html.
36. “Blind Cinema,” Britt Hatzius, besøgt 3. marts 2017, http://www.britthatzius.co.uk/blind_cinema.html.
37. “This is Not My Voice Speaking,” Britt Hatzius, tilgået den 3. marts 2017, http://www.britthatzius.co.uk/notmyvoice.html.
38. “Ant Hampton-The Extra People,” Attenborough Center, tilgået den 3. marts 2017, http://www.attenboroughcentre.com/events/612/ant-hampton-the-extra-people/.
39. “About,” Ayesha Jordan, tilgået den 20. marts 2017, http://www.ayeshajordan.com/#about.
40. “SHASTA GEAUX POP,” Charlotte Brathwaite, tilgået den 20. marts 2017, http://charlottebrathwaite.com/SHASTA-GEAUX-POP.
41. “Shasta Geaux Pop,” Ayesha Jordan, tilgået den 20. marts 2017, http://www.ayeshajordan.com/shasta-geaux-pop/.
42. Jody Christopherson, “Jody Christopherson Interviews Shasta Geaux Pop.” New York Theater Review, 31. august 2016, http://newyorktheaterreview.blogspot.com/2016/08/jody-christopherson-interviews-shasta.html.
43. “Relics,” Guthrie Theater, besøgt 1. februar 2017, http://www.guthrietheater.org/plays_events/plays/relics.
44. “The Object Lesson,” Center Theater Group, besøgt 1. februar 2017, http://www.centertheatergroup.org/tickets/kirk-douglas-theater/2015-16/the-object-lesson.
45. “Without Walls Series,” La Jolla Playhouse, besøgt 1. februar 2017, http://www.lajollaplayhouse.org/the-season/wow-series.
46. “Natasha, Pierre, and the Great Comet of 1812,” Great Comet Broadway, tilgået den 25. marts 2017, http://greatcometbroadway.com.
47. “The Encounter,” Encounter Broadway, tilgået den 25. marts 2017, http://theencounterbroadway.com.