Teatro inmersivo
por Stephen M. Eckert

El grupo de reflexión sobre la performance contemporánea se centra en una serie de temas relacionados con los campos del teatro y la performance contemporánea y lleva a cabo investigaciones y entrevistas para producir un libro como recurso para los profesionales. El tema de este año es la redefinición por parte de los artistas y compañías escénicas contemporáneas de las relaciones con el público y la ampliación de las relaciones formales entre la arquitectura, el artista y el público. Para este trabajo, el Think Tank eligió cinco áreas en la vanguardia de esta investigación para explorar: coreografía contemporánea, performance de realidad mixta, cabaret de performance, teatro inmersivo y arte de compromiso social. Cada sección de este libro incluye una introducción a la práctica específica, una conversación con un artista, y una lista de artistas que trabajan en y alrededor de la práctica específica. «¿Qué es el teatro inmersivo?» forma parte de una serie de publicaciones. Vuelve cada día para ver los próximos posts.

En la era del binge-watching, el live-tweeting y el Oculus Rift, ¿cómo puede competir el teatro como entretenimiento que todo lo consume? Quizá sea nuestro deseo de ser más que espectadores -de ser absorbidos de cabeza por mundos alternativos- lo que ha impulsado el reciente auge del teatro inmersivo, que cambia la cuarta pared por pasillos sinuosos y pistas de baile, con la esperanza de ofrecer al público no un espectáculo sino una «experiencia». – Michael Schulman, The New Yorker1

El teatro inmersivo es una forma de actuación que hace hincapié en la importancia del espacio y el diseño, en la creación de entornos tangibles y sensuales, y se centra en la experiencia personal e individual del público2. Como forma que subvierte gran parte de las relaciones establecidas del teatro convencional, su éxito puede considerarse un reflejo de una necesidad más amplia del público actual. Dado que gran parte de la vida contemporánea tiene lugar en espacios digitales sin conexión a tierra, el público anhela existir como cuerpos físicos en lugares reales; ante una cultura bidimensional, el público actual busca estímulos expansivos y viscerales; en una sociedad que carece de privacidad, el público encuentra atractiva la perspectiva de una experiencia íntima y personal.3

Cuando un público entra en un teatro normal, sabe lo que va a obtener -asientos, un programa, un helado, un escenario, dos mitades- y como resultado se desploma, desconectando tres cuartas partes de su cerebro. Yo quería crear producciones en las que el público estuviera físicamente presente, para que se dejara llevar por una base, una sensación visceral y tomara decisiones instintivas. Ese tipo de espectáculo deja una huella mucho mayor que la de ver algo.
– Felix Barrett, Punchdrunk4

Las prácticas contemporáneas de teatro inmersivo pueden considerarse una fusión del arte de la instalación y los teatros físicos y visuales del siglo XX. Los elementos de las prácticas modernistas se reflejan en las obras contemporáneas, incluyendo consideraciones sobre el diseño escenográfico, la relación actor-público y los estilos de actuación altamente físicos.5 Los happenings y el teatro ambiental de los años sesenta, con su composición abierta, su enfoque en la inmediatez y el reconocimiento de la importancia de la duración, también aportan elementos a la forma inmersiva actual6 con las prácticas de instalación y arte en vivo de los años sesenta en adelante, que inspiran gran parte de la estética de la intimidad y el enfoque participativo que se ve en las obras inmersivas contemporáneas, al colocar al espectador dentro de la propia obra, subvirtiendo la distancia crítica.7

Las compañías que hacen teatro inmersivo hoy en día se preocupan mucho por el espacio físico, siendo habituales las producciones en almacenes, hospitales o clubes nocturnos, y prestando gran atención a los detalles tangibles del entorno. Las producciones suelen inspirarse en el lugar, o eligen el lugar en función del tema de la obra, pero la transformación de un espacio no teatral en un espacio inmersivo es una práctica muy extendida.8 Esta conexión entre la obra y el lugar, incorporando la dramaturgia del espacio dentro de la producción, es en muchas compañías un aspecto esencial de su práctica.

El espacio -ya sea una pausa suspendida, una zona en blanco, una sala vacía o un cosmos ilimitado- actúa… es el material inmaterial fundamental utilizado por los diseñadores que crean lugares para la representación teatral. El espacio es la materia de los arquitectos (que lo construyen) y de los escenógrafos (que lo abstraen); lo experimentan los habitantes (inmersos en él).
– Dorita Hannah, Performance Perspectives: A Critical Introduction9

El teatro inmersivo ofrece experiencias sensuales en las que se anima al público no sólo a escuchar y ver una producción, sino también a tocarla, saborearla y olerla. Los diseños escénicos consumen completamente a los miembros del público con cada aspecto investigado y específicamente diseñado y representado.10,11 La comida y la bebida suelen formar parte de la experiencia y las producciones pueden contener oportunidades para interactuar físicamente con los elementos escénicos.12,13 El sonido en la práctica de la inmersión se centra igualmente en la conexión con el suelo y la tangibilidad, tratando de situar al público dentro de la obra, de meterlo en un mundo nuevo.14 Estos elementos se tienen en cuenta tan a fondo como el espacio de la representación y todos apoyan de forma similar la dramaturgia de los temas de la obra.

«Algunas de las cosas que crean el equipo y los colaboradores de Punchdrunk todavía me sorprenden. Para Sleep No More construimos una ciudad llamada Gallow Green, y uno de nuestros diseñadores hizo una maqueta de este antiguo horario de trenes. Es preciso y funciona, pero lo adaptó para incluir Gallow Green entre las estaciones reales. Es emblemático de la experiencia Punchdrunk: 97% meticulosamente real, pero con minúsculas y cruciales subversiones para desordenar tu mente». – Felix Barrett, Punchdrunk15

En estos espacios, las actuaciones pueden ser dirigidas y lineales, diseñadas como una experiencia sobre los raíles, o bien entornos extensos que hacen hincapié en la elección y la exploración. En ambos casos, la experiencia del espectador es el centro de la obra. Las obras inmersivas necesitan un público para existir y gran parte de ellas buscan empoderar o desafiar al público.16 Muchas compañías y artistas están creando obras con relaciones individuales entre el público y los intérpretes. Los miembros del público pueden separarse del grupo y ser guiados por uno o más intérpretes durante toda o parte de la experiencia, los intérpretes pueden ofrecer momentos íntimos a los participantes dentro de un evento más amplio, o toda la experiencia puede limitarse a un participante a la vez. El trabajo individual también puede asociar a los participantes entre sí, difuminando aún más la línea entre el público y el intérprete.17

No se trata sólo de los números, sino mucho más del teatro de la intimidad… Creo que el público quiere esto porque devuelve a los miembros del público el reto de crear significado e interpretación. Es la forma en que siempre hemos imaginado el mundo virtual, pero está vivo. – Vallejo Gantner, PS12218

Fundada en Londres por Felix Barrett en el año 2000, aunque desde entonces se ha expandido internacionalmente, Punchdrunk fue pionera en la forma inmersiva contemporánea en la que los miembros del público que se desplazan libremente experimentan eventos dramáticos a gran escala dentro de espacios teatrales muy detallados. Combinando textos canónicos con actuaciones físicas, diseños escenográficos sensuales y localizaciones específicas, la compañía subvierte la expectativa teatral convencional de espectador pasivo.19 Estas producciones son una experiencia fuera de los raíles en la que el público no puede ver todos los elementos de la escena y se ve obligado a elegir qué personaje o narrativa seguir, o no. También se pide al público que se ponga máscaras de estilo veneciano durante todo el evento, lo que les confiere una función escenográfica, además de proporcionar un anonimato carnavalesco y una relajación de las normas sociales típicas.

La producción más reciente de la compañía, The Drowned Man: Una fábula de Hollywood, ocupó cuatro plantas de una oficina de clasificación de Royal Mail cerrada hace tiempo, transformando el espacio en el ficticio estudio cinematográfico Temple Pictures. Con una estética de la época dorada de Hollywood y una narrativa extraída de elementos tan diversos como las novelas pulp, el cine negro, Ray Bradbury y Woyzeck, la recepción de la crítica fue muy positiva20. El proyecto fue también una colaboración con el National Theater, no es la primera vez que la compañía se asocia con una entidad más grande y consolidada (The Crash of the Elysium fue en coordinación con la BBC, construida en torno a los personajes y mundos de Doctor Who21), pero representa un puente entre la vieja guardia del teatro convencional y la nueva forma inmersiva.

Punchdrunk comenzó como una idea que tuve con algunos amigos en la universidad. Nació del deseo de crear una obra en la que el público fuera el centro de la experiencia. Queríamos arrancarlos de la seguridad de los asientos tradicionales del teatro y situarlos en el centro de la acción, dotados de identidad y propósito. – Felix Barrett, Punchdrunk22

También fundado en 2000 y dirigido por los directores artísticos Zach Morris, Tom Pearson y Jennine Willett, Third Rail Projects tiene como objetivo replantear la danza y la actuación, y unir el arte y el público a través de diversos elementos de actuaciones específicas para el lugar, teatro-danza, instalaciones artísticas, proyectos de vídeo y multimedia, y entornos de actuación inmersivos.23 Third Rail tiene muy en cuenta sus espacios a la hora de desarrollar el trabajo, y el tema, la estructura y las opciones escenográficas se inspiran directamente en el lugar de la producción. Morris describe con frecuencia la importancia de «escuchar» un espacio.24 Aunque tienen una escala similar, las instalaciones inmersivas de Third Rail difieren de las de Punchdrunk en su enfoque de teatro-danza y en su dirección mucho más guiada. En lugar de deambular libremente, el público va de un espacio a otro de forma más lineal.

La producción neoyorquina de Third Rail de Then She Fell, una versión caprichosa y surrealista de Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas montada en una antigua institución médica, se encuentra en su cuarto año de vida,25 mientras que su experiencia en el balneario de la fuente de la juventud de los años 70, The Grand Paradise, fue aclamada tanto en Los Ángeles como en Nueva York el año pasado.26 Ambas obras presentan encuentros individuales comisariados y se financiaron, sobre todo, mediante crowdsourcing online. Learning Curve, desarrollada con el Albany Park Theater Project en colaboración con el Goodman Theater, sitúa a los participantes en un instituto de Chicago y fue creada con la comunidad local de estudiantes, profesores y padres.27Sweet & Lucky, encargada por el Denver Center for the Performing Arts,28 invitaba al público a entrar en una misteriosa tienda de antigüedades que conducía a una velada de encuentros oníricos en torno a temas como la memoria y la mortalidad.29

Nuestro trabajo es, con suerte, crear un montón de puntos realmente interesantes. Pero el trabajo del público es conectar esos puntos. Y ellos pueden conectarlos como quieran. Lo bueno de este tipo de teatro es que yo saldré de un espectáculo y tú saldrás de otro, y puede que hayamos visto muchos de los mismos puntos, pero mi imagen será muy diferente a la tuya. Y eso es lo sorprendente. Y una forma muy diferente de pensar en la narración de historias. – Zach Morris, Third Rail Projects30

Fundada en 2011 por la directora artística Annie Saunders, la compañía californiana Wilderness toma su nombre de los espacios en desuso donde montan sus producciones site-specific. En estos lugares inexplorados y deshabitados, «crean eventos teatrales inmersivos, experienciales e interdisciplinarios que trastocan los límites entre observador y observado.» 31

Su producción de 2015 de The Day Shall DeclareIt era una experiencia teatral de danza guiada que contaba con un elenco de tres intérpretes, textos de Tennessee Williams y Studs Terkel, una serie de salas que combinaban «la decoración de la época de la Gran Depresión con una estética industrial urbana contemporánea» y un diseño de sonido incluso «más resonante que todo lo que habla el elenco de tres personas.» 32El Proyecto Antígona, una obra en desarrollo que saldrá de gira en 2017/18, es un «dúo teatral íntimo» que vuelve a contar el mito edípico «situado en un enorme fuerte de manta, nacido de la imaginación de Antígona mientras está enterrada en la cueva» con el objetivo de crear «una exploración cercana y humana de la heroína y el hermano que entierra.»33 La obra fue creada con el apoyo de la Getty Villa, la San Francisco Playhouse y el Harvey Milk Center.

Cuando llegué a Los Ángeles estaba tratando de averiguar qué iba a hacer aquí y conduciendo por los alrededores veía un montón de espacios realmente intrigantes y aparentemente abandonados, especialmente en el centro de la ciudad. Así que decidí que quería hacer obras que ocuparan esos espacios temporalmente. Sentía que quería explorar esos edificios y pensé que tal vez éste es el tipo de trabajo que quiero hacer en Los Ángeles, invitando a la gente a esos espacios y creando esos mundos temporales. – Annie Saunders, Wilderness34

Artista alemana afincada en el Reino Unido que trabaja con varios medios, entre ellos el arte visual, el cine, la instalación y la performance, la obra de Britt Hatzius «se refiere o a menudo toma el formato de la imagen en movimiento, tanto en su forma técnica como conceptual, explorando ideas en torno al lenguaje, la interpretación y el potencial de las discrepancias, las rupturas, las desviaciones y la (mala) comunicación.»35

En su obra de inmersión, Blind Cinema, el público está sentado en un teatro, con los ojos vendados, y se le describe una película proyectada susurrando a los niños a través de un embudo hasta su oído. La obra se centra en «lo que hay más allá del sentido de la vista (abandonando la realidad ilusoria del cine para volver a entrar en la de la imaginación), la atención oscila entre cada mundo compartido, pero interno, guiado por la voz susurrante, y el espacio físico compartido de la sala de cine a oscuras».36This is Not My Voice Speaking, una colaboración entre Hatzius y Ant Hampton, divide al público en «Unos» y «Ceros» y lo guía a través de experiencias que utilizan tecnología antigua, como un tocadiscos, un proyector de diapositivas, cintas de casete y películas de 16 mm. Los participantes tienen que seguir un «manual» de instrucciones físico y vocal. Al hacerlo, «la voz salta del casete al vinilo y, finalmente, se sincroniza con lo que parece ser una antigua película de 16 mm de un lector de noticias con barba». La obra «mueve al público-intérprete dentro de tres elementos comunicativos que forman una extraña triangulación: la voz humana, el lenguaje del ‘manual’ de instrucciones y los medios grabables físicamente manifiestos (de última generación)».37

The Extra People es bastante peligrosa en realidad, no para el público, sino para las nociones de representación y participación (…) sumergiéndonos de lleno en la realidad social y económica definitoria de nuestro tiempo: vacía, desconectada, vigilada, vagamente amenazante y muy pública: en un escenario, de hecho. Cuando nos preparamos para salir, entra otro grupo y el espectáculo continúa. – Molly Grogan, Exeunt Magazine38

Shasta Geaux Pop es la creación de la intérprete multidisciplinar afincada en Nueva York Ayesha Jordan y la directora Charlotte Brathwaite. La pieza se produjo en el Festival Under the Radar en 2017 y en The Bushwick Starr en otoño de 2016, pero el personaje fue desarrollado durante muchos años antes por Jordan39.

Una «fiesta de hiphop underground inmersiva»,40 la obra está protagonizada por el personaje titular, una «estrella del pop y entrenadora que hace que las mandíbulas y los botines caigan de una canción a otra… quiero decir, a la vez».41 La producción transforma los teatros en fiestas de sótano inmersivas y combina elementos de inmersión (enfoque en el espacio, diseño tangible) con los de cabaret y actuación en solitario. Shasta también actúa para el público e interactúa con él a lo largo de la representación, que huye de una narrativa o historia simple y lineal y, en cambio, construye un entorno abierto para la experiencia del público.

… no es un espectáculo. Es mejor pensar en él como un encuentro. Un evento, donde puedo revelar el funcionamiento interno de mí mismo… a través de la música. Podemos hacer conexiones íntimas. ¿Saben? Siento que soy más que un intérprete, más que un artista. Conecto. Llamémoslo conexión. Todos vamos a una conexión. – Shasta Geaux Pop, New York Theater Review42

Quizá el mayor cambio del teatro inmersivo en la última década ha sido la creciente aceptación y, de hecho, la adopción de esta forma por parte de las instituciones teatrales convencionales. Además de las obras ya mencionadas de Punchdrunk y Third Rail, se están desarrollando varias producciones inmersivas en colaboración con instituciones teatrales convencionales. Los teatros regionales de Estados Unidos están mostrando su interés por esta forma: el Guthrie estrenó Relics, de Sarah Agnew, en el marco de su iniciativa Dowling Space43 y el Center Theater Group encargó The Object Lesson, de Geoff Sobelle, en el marco de una iniciativa similar.44 La Jolla Playhouse sigue organizando el festival anual Without Walls de obras site-specific.45 El teatro inmersivo puede encontrarse incluso en el centro del teatro estadounidense convencional, los teatros de Broadway, con producciones como Natasha, Pierre y el Gran Cometa de 1812, de Ars Nova46 , y The Encounter, de Simon McBurney47 , que han llenado los teatros de Broadway este año y han utilizado la etiqueta de inmersión como principal argumento de venta. Se puede especular sobre la razón del aumento de la visibilidad y el éxito del teatro inmersivo, pero está claro que está resonando con el público de una manera que la forma teatral tradicional no puede.

Más lecturas:
10 compañías de teatro inmersivo para descubrir
Teatro inmersivo: En conversación con Shasta Geaux Pop

Notas

1. Michael Schulman, «Immersive Theater on Broadway», New Yorker, 24 de octubre de 2016, http://www.newyorker.com/magazine/2016/10/24/immersion-theater-on-broadway.
2. Josephine Machon, Immersive Theaters: Intimacy and Immediacy in Contemporary Performance (Basingstoke: Palgrave Macmillan, 2013), 66.
3. Machon, Immersive Theaters, 72.
4. «El visionario de Punchdrunk Felix Barrett: ‘Si el público se acostumbra a las reglas, cámbielas'», Telegraph, 19 de junio de 2015, http://www.telegraph.co.uk/culture/culturenews/11675468/Punchdrunks-Felix-Barrett-If-audiences-get-used-to-the-rules-change-them.html.
5. Machon, Immersive Theaters, 29.
6. Machon, Immersive Theaters, 31.
7. Machon, Immersive Theaters, 33.
8. Machon, Immersive Theaters, 65, 85.
9. Dorita Hannah, «Event-space: Espacio de actuación y performatividad espacial», en Performance Perspectives: A Critical Introduction, eds. Jonathan Pitches y Sita Popat (Basingstoke: Palgrave Macmillan, 2011), 54-62.
10. Machon, Immersive Theaters, 77.
11. Claire Bishop, Installation Art: A Critical History. London: Routledge. 2006. Participación. Londres, Whitechapel Gallery y Cambridge, MA: MIT Press. pp. 14.
12. Machon, Immersive Theaters, 78.
13. «Immersive Theater, Defined: Five Elements in Sleep No More, Then She Fell, and More», Howlround, consultado el 25 de febrero de 2017, http://www.howlround.com/immersive-theater-defined-five-elements-in-sleep-no-more-then-she-fell-and-more.
14. Machon, Immersive Theaters, 95.
15. «Punchdrunk visionary», Telegraph.
16. Machon, Immersive Theaters, 42.
17. Machon, Immersive Theaters, 55.
18. Felicia R. Lee, «Theater for Audiences of One», New York Times, 28 de julio de 2010, http://www.nytimes.com/2010/07/28/theater/28one.html.
19. «About», Punchdrunk, consultado el 25 de febrero de 2017, http://www.punchdrunk.org.uk/about/.
20. «El hombre ahogado», Punchdrunk, consultado el 25 de febrero de 2017, http://www.punchdrunk.org.uk/the-drowned-man/.
21. «El choque del Elíseo», Punchdrunk, consultado el 25 de febrero de 2017, http://www.punchdrunk.org.uk/the-crash-of-the-elysium/.
22. Antonio Wilson, «El hombre ahogado: Una entrevista con los maestros del teatro inmersivo Punchdrunk», Creative Review, 15 de julio de 2015, http://www.creativereview.co.uk/the-drowned-man-an-interview-with-immersive-theater-masters-punchdrunk/
23. «Sobre la compañía», Third Rail Projects, consultado el 28 de febrero de 2017, http://www.thirdrailprojects.com/about#abouthecompany.
24. James Carter, «Third Rail Projects Holds Up Mirror to the Audience», The Civilians, 1 de abril de 2016, consultado el 27 de febrero de 2017, http://www.extendedplay.thecivilians.org/third-rail-projects-holds-up-a-mirror-to-the-audience-40116/.
25. «Then She Fell», Third Rail Projects, consultado el 27 de febrero de 2017, http://www.thirdrailprojects.com/thenshefell#tsf.
26. «The Grand Paradise», Third Rail Projects, consultado el 27 de febrero de 2017, http://www.thegrandparadise.com.
27. «Learning Curve», Third Rail Projects, consultado el 27 de febrero de 2017, http://www.thirdrailprojects.com/learningcurve#lcpage.
28. Hope Grandon, «Theater Company to Create New Immersive Theater Piece with Third Rail Projects», Denver Center for the Performing Arts Newscenter, 20 de julio de 2015, http://www.denvercenter.org/blog-posts/news-center/2015/07/20/theater-company-to-create-new-immersive-theater-piece-with-third-rail-projects.
29. «Sweet and Lucky», Third Rail Projects, consultado el 27 de febrero de 2017, http://www.thirdrailprojects.com/sweetandlucky#salpage.
30. Carter, «Third Rail Projects Holds Up Mirror to the Audience»,
31. «About», Wilderness, consultado el 20 de febrero de 2017, http://thisisthewilderness.com/about/.
32. Charles McNulty, «‘The Day Shall Declare It’ has dazzling visuals, limited depth», Los Angeles Times, 10 de marzo de 2015, http://www.latimes.com/entertainment/arts/la-et-the-day-shall-declare-it-review-20150311-column.html.
33. «The Antigone Project», Wilderness, consultado el 20 de febrero de 2017, http://thisisthewilderness.com/portfolio/the-antigone-project/.
34. Bill Raden, «A Q&A with Annie Saunders of The Day Shall Declare It», Stage Raw, 12 de mayo de 2016, http://stageraw.com/2016/05/12/a-qa-with-annie-saunders-of-the-day-shall-declare-it/.
35. «BIO», Britt Hatzius, consultado el 3 de marzo de 2017, http://www.britthatzius.co.uk/bh_BIO.html.
36. «Blind Cinema», Britt Hatzius, consultado el 3 de marzo de 2017, http://www.britthatzius.co.uk/blind_cinema.html.
37. «This is Not My Voice Speaking», Britt Hatzius, consultado el 3 de marzo de 2017, http://www.britthatzius.co.uk/notmyvoice.html.
38. «Ant Hampton-The Extra People», Attenborough Center, consultado el 3 de marzo de 2017, http://www.attenboroughcentre.com/events/612/ant-hampton-the-extra-people/.
39. «About», Ayesha Jordan, consultado el 20 de marzo de 2017, http://www.ayeshajordan.com/#about.
40. «SHASTA GEAUX POP», Charlotte Brathwaite, consultado el 20 de marzo de 2017, http://charlottebrathwaite.com/SHASTA-GEAUX-POP.
41. «Shasta Geaux Pop», Ayesha Jordan, consultado el 20 de marzo de 2017, http://www.ayeshajordan.com/shasta-geaux-pop/.
42. Jody Christopherson, «Jody Christopherson Interviews Shasta Geaux Pop». New York Theater Review, 31 de agosto de 2016, http://newyorktheaterreview.blogspot.com/2016/08/jody-christopherson-interviews-shasta.html.
43. «Relics», Guthrie Theater, consultado el 1 de febrero de 2017, http://www.guthrietheater.org/plays_events/plays/relics.
44. «The Object Lesson», Center Theater Group, consultado el 1 de febrero de 2017, http://www.centertheatergroup.org/tickets/kirk-douglas-theater/2015-16/the-object-lesson.
45. «Without Walls Series», La Jolla Playhouse, consultado el 1 de febrero de 2017, http://www.lajollaplayhouse.org/the-season/wow-series.
46. «Natasha, Pierre y el gran cometa de 1812», Great Comet Broadway, consultado el 25 de marzo de 2017, http://greatcometbroadway.com.
47. «El encuentro», Encounter Broadway, consultado el 25 de marzo de 2017, http://theencounterbroadway.com.