Emma Amos, una pintora figurativa cuyo arte visualmente seductor atacó el racismo y los privilegios, ha muerto a los 83 años. Su galería, Ryan Lee, anunció por correo electrónico que Amos había fallecido en Bedford, New Hampshire, el 20 de mayo a causa de la enfermedad de Alzheimer.
A lo largo de su carrera, Amos demostró su habilidad para crear cuadros imaginativos que mezclaban aspectos de la historia del arte, su vida personal y los acontecimientos actuales, ofreciendo en el proceso imágenes para la posteridad. Sus impactantes imágenes se adentraban en temas espinosos que desvelaban desagradables historias de racismo, sexismo y lucha de clases, temas que Amos abordaba incluso cuando sabía que podían ser un lastre. «Sí», escribió en su declaración de artista, «la raza, el sexo, la clase y los privilegios de poder existen en el mundo del arte».
Esa línea de pensamiento se extendió a la forma en que Amos veía la propia pintura. El color, uno de los aspectos formales básicos de la pintura, adquiría matices políticos, en opinión de Amos. «Cada vez que pienso en el color, es una declaración política», dijo una vez a la historiadora del arte Lucy Lippard. «Sería un lujo ser blanca y no tener que pensar nunca en ello».
En una de sus obras más famosas, Flower Sniffer (1966), Amos se pinta a sí misma dentro de un gran círculo blanco con azul en los bordes. El naranja de su camisa y el amarillo de sus flores pueden ser cálidos, pero nada más en el cuadro cuenta igual. Deliberadamente, el cuadro está concebido como una crítica a la tradición del autorretrato, en la que Amos se muestra mucho menos pasiva que muchas artistas blancas que se han representado a sí mismas a lo largo de la historia del arte.
Los lienzos de Amos también tenían un lado lúdico. En el fondo de Sandy and Her Husband (1973), una tierna imagen de un dúo de marido y mujer bailando en un salón, aparece una llamada de Flower Sniffer. Y en algunos de sus cuadros más deslumbrantes, los artistas de circo, los animales y los instrumentos musicales parecen caer en el vacío, como si las reglas de la perspectiva no tuvieran por qué aplicarse.
Al igual que muchas artistas negras que trabajaron en los años 60 y 70, Amos sólo fue reconocida por los grandes museos en las últimas etapas de su carrera, gracias en parte al éxito de crítica de exposiciones como «Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power» (organizada por la Tate Modern de Londres) y «We Wanted a Revolution: Black Radical Women, 1965-85» (organizada por el Brooklyn Museum de Nueva York). Sin embargo, Amos ocupa una posición inusual entre sus colegas porque había participado en un grupo clave de artistas negros que había recibido prensa incluso durante su época.
Ese colectivo fue el efímero aunque masivamente influyente grupo conocido como Spiral. Con Norman Lewis, Romare Bearden y Hale Woodruff entre sus miembros, Amos fue la única mujer invitada a unirse, habiendo sido traída por Woodruff, su antiguo profesor. (Amos también intentó atraer a Vivian Brown al grupo, pero ella afirmó que la idea fue rechazada por los hombres de su entorno). Los artistas de Spiral, que trabajaban en modos muy diferentes, no estaban de acuerdo con el significado de la noción de «arte negro». «No creo que existan los artistas negros», dijo Amos a ARTnews en un artículo de 1966 sobre Spiral. «¿Por qué no dejamos entrar a los blancos?»
Spiral se formó en 1963 y se disolvió poco después. En 1965, el grupo organizó «First Group Showing: Obras en blanco y negro» en una galería alquilada en Nueva York, una primera exposición que acabó siendo la última. Sin embargo, la influencia de Spiral es ahora enorme. «Spiral modificó y explotó el linaje europeo-estadounidense desde dentro», escribió la crítica Martha Schwendener en el Village Voice cuando una encuesta viajó desde el Museo de Arte de Birmingham, en Alabama, hasta el Studio Museum de Harlem, en Nueva York.
Spiral no fue el único colectivo radical en el que participó Amos. Durante un breve periodo de los años 70, Amos fue editor de Heresies, una revista feminista clave que publicaba textos de artistas como Howardena Pindell, Ana Mendieta, Adrian Piper y Martha Rosler. «Pensaban que iba a, ya sabes, hacer sándwiches de mantequilla de cacahuete y salir corriendo a por té, y yo simplemente me sentaba allí», dijo Amos en una historia oral de 2011. «Ya sabes, no iba a hacer eso».
Según el anuncio de la galería Ryan Lee, Amos también estaba involucrada con las Guerrilla Girls, un legendario colectivo feminista que ha desgarrado la misoginia del mundo del arte a través de protestas, escritos y obras de arte activistas. Dado que las Guerrilla Girls hacen apariciones públicas con máscaras de gorila, la identidad de sus miembros se ha mantenido en secreto durante mucho tiempo. Amos dejó en claro su participación, diciendo una vez: «Fui miembro de un grupo clandestino de mujeres muy famoso que trabajaba de noche y que nunca salía sin máscaras en la cara».
Emma Amos nació en 1937 en Atlanta, Georgia. Desde muy joven mostró inclinación por el arte y tomó clases en instituciones locales. A los 16 años se matriculó en un programa de licenciatura en el Antioch College de Yellow Springs (Ohio), donde continuó su formación artística, que posteriormente incluyó estudios en el extranjero, en Londres, durante un año. En 1960 se trasladó a Nueva York.
Después de trabajar como profesora en una escuela preparatoria, Amos encontró empleo en el estudio de Dorothy Liebes, una diseñadora textil que ayudó a elevar la práctica del tejido. Las experiencias de Amos con Liebes, para quien trabajó durante una década, le inculcaron un interés por la artesanía que la acompañó durante gran parte de su carrera. En las entrevistas, Amos comparó la pintura con la artesanía. «Incluso el lienzo, para mí, es un tejido», dijo una vez. De 1977 a 1978, Amos fue copresentadora de la serie de televisión orientada a la artesanía Show of Hands.
Durante la década de los 80, Amos comenzó a crear cuadros para una serie conocida como «Falling», en la que aparecen figuras que caen en picado a través de vastos espacios. «Me gustaba la idea de que, si estabas cayendo por el aire, hubiera alguien que intentara atraparte o que hubiera alguien sujetándote, de modo que hubiera dos personas juntas», dijo Amos. En una obra memorable de la serie, Amos cae a través de un cielo azulado agarrada a una foto de su madre.
Después de esa serie, Amos produjo obras que combinaban todos sus intereses con sus experiencias con el textil y el grabado. (Había participado en el taller de grabado del artista Robert Blackburn durante los años 70). En muchas de ellas estaba implícita la sensación de que Amos no estaba satisfecha con la blancura de la historia del arte. Para Muse Picasso (1997), dio forma a un lienzo como si fuera una bata de pintor, colocando en el centro una imagen de Pablo Picasso y rodeándola de medallones con imágenes de máscaras africanas y su propia imagen. Alrededor de ambas hay telas africanas y palabras como «maestro», un reconocimiento explícito de las historias de racismo, colonialismo y esclavitud en África que Picasso no vio cuando se inspiró en las máscaras del continente.
Incluso en la última década, Amos había recibido menos reconocimiento del que merecía. El Studio Museum de Harlem montó una encuesta en los años 90, y Art in General de Nueva York presentó una muestra que viajó. Pero pocas instituciones importantes se habían interesado por su obra. «Me levanto por la mañana y digo: ‘Tengo una obra en el Museo de Arte Moderno. Me pregunto si todavía está allí’, me pregunto si me la han quitado», dijo. «Y me pregunto cómo es que no hay nadie que sepa quién soy».
Sin embargo, esa obra del MoMA no ha sido desamortizada, y ahora el museo tiene otras cinco piezas de Amos. Otras instituciones que tienen obras importantes de Amos son el Museo de Arte de Cleveland, el Museo Whitney y el Museo de Brooklyn, y está previsto que se inaugure una retrospectiva de Amos en el Museo de Arte de Georgia, en Atenas, en 2021.