El renombrado crítico de arte Clement Greenberg fue una de las voces más influyentes y respetadas del siglo XX. Conocido hoy como la «voz del arte americano», su audaz y franca celebración del arte abstracto americano en las décadas de 1940 y 1950 convirtió a artistas como Jackson Pollock, Willem de Kooning y Barnett Newman en nombres conocidos. Las ideas de Greenberg, que creía que el arte debía reducirse a sus propiedades más puras, sencillas y poéticas, como la línea, el color y la superficie plana, influyeron en toda una generación y les llevaron a crear algunas de las obras de arte más emblemáticas de todos los tiempos. «El modernismo», escribió, «utilizó el arte para llamar la atención sobre el arte.»

Las primeras ideas de Clement Greenberg

Nacido en el Bronx, hijo de inmigrantes judío-lituanos, Clement Greenberg estudió Literatura Inglesa en la Universidad de Syracuse. Después de graduarse, estuvo a la deriva entre trabajos antes de encontrar su camino en el grupo de escritores y críticos que se llamaban a sí mismos los Intelectuales de Nueva York, incluyendo a Susan Sontag y Harold Rosenberg. Muchos eran judíos y defendían una política de izquierdas, integrando la teoría literaria con las creencias marxistas, pero rechazaban a Stalin, inclinándose en cambio por las ideas liberalistas del trotskismo.

Muchas de las ideas de Greenberg procedían inicialmente de Karl Marx, en particular la creencia de que el arte abstracto de vanguardia era un paso audaz y revolucionario para alejarse de los regímenes políticos opresivos dirigidos por los nazis o los comunistas. Otra gran influencia en las ideas de Greenberg fue el artista y educador alemán Hans Hofmann. En 1938 y 1939, Greenberg asistió a varias conferencias de Hoffmann en las que se hacía hincapié en la importancia de una comprensión «formal» del arte, en la que el color, la línea, la superficie y la relación entre los planos de una superficie plana se consideraban más importantes que el contenido figurativo o literario.

Celebrando la vanguardia

Muchos de los primeros escritos críticos de Clement Greenberg aparecieron en la liberal Partisan Review de Nueva York, y estuvieron muy influenciados por las ideas de Hans Hoffmann. Fue en la Partisan Review donde Greenberg publicó el primero de sus ensayos más influyentes, titulado Avant-Garde and Kitsch, de 1939, que constituyó la base de muchas de sus ideas futuras.

En el ensayo, Greenberg sostiene que el arte de vanguardia de principios del siglo XX era «la única cultura viva» que seguía existiendo, mientras que la aparición del material «kitsch», popular o producido en masa, era una gran amenaza para su existencia. Argumentando que la imaginería «kitsch» era un subproducto de la sociedad industrializada hortera y barata, afirmaba con rotundidad que tanto el arte como la literatura debían ofrecer un camino hacia una verdad superior más allá de este lenguaje «degradado». Esta creencia en la importancia social de un arte de vanguardia «elevado» centrado en el proceso y la experimentación fue clave en todas las ideas de Greenberg sobre el arte, llegando a informar sus futuros ensayos sobre la teoría y la práctica del arte.

Un nuevo laocoonte

Sólo un año después, Clement Greenberg publicó el segundo de sus ensayos instrumentalmente importantes: Towards a Newer Laocoon, 1940. El texto era una continuación del famoso artículo de Gotthold Lessing Laocoonte: Un ensayo sobre los límites de la pintura y la poesía, publicado en 1766. Lessing había comenzado a hacer distinciones entre los diferentes medios artísticos, incluyendo la poesía, la pintura y la escultura, argumentando cómo cada uno tenía su propio lenguaje de desarrollo distinto que deberíamos reconocer y apreciar.

A partir del ensayo de Lessing, las ideas de Greenberg esbozaron un razonamiento histórico que describía los orígenes de la pintura moderna y hacia dónde se dirigía ahora. Argumentaba que la pintura se había ido aplanando cada vez más desde los tiempos históricos, pasando del contenido narrativo o literario a un énfasis en el patrón abstracto y la superficie, escribiendo: «Pero lo más importante de todo es que el plano del cuadro se hace cada vez más superficial, aplanando y presionando los planos ficticios de profundidad hasta que se encuentran como uno solo en el plano real y material que es la superficie real del lienzo.»

Expresionismo abstracto

A lo largo de la década de 1940, Clement Greenberg se instaló en el barrio neoyorquino de Greenwich Village, donde trabajó como editor de Partisan Review, editor asociado de Commentary Magazine y crítico de The Nation. Fue uno de los primeros en descubrir y defender la obra de la floreciente escuela expresionista abstracta, que incluía a Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell y David Smith. A medida que sus carreras crecían, también lo hacía la de Greenberg, que se convirtió en un gigante de la escena artística estadounidense, ocupando puestos de profesor en el Black Mountain College, la Universidad de Yale, el Bennington College y la Universidad de Princeton, donde ejerció una notable influencia en la siguiente generación de pensadores creativos.

La crisis del cuadro de caballete

Varios ensayos publicados durante la década de 1940 permitieron a Greenberg ampliar su argumentación sobre la importancia de la pintura abstracta, entre ellos Abstract Art, publicado en 1944, y The Crisis of the Easel Picture, de 1948. En este último texto, introdujo el radical e influyente concepto del cuadro «all-over», describiendo una tendencia aplanada y repetitiva en el arte estadounidense, practicada por Jackson Pollock, Lee Krasner y Barnett Newman, como una «pintura descentralizada, polifónica, all-over», que se fundía en «pura textura, pura sensación». También sostenía que la pintura «all-over» había surgido como una reacción lógica a una sociedad industrializada y capitalista, en la que «se han agotado todas las distinciones jerárquicas… ningún ámbito u orden de experiencia es intrínseca o relativamente superior a otro.»

Greenberg vs. Rosenberg

Uno de los mayores rivales de Clement Greenberg fue su colega crítico de arte Harold Rosenberg; se rumorea que a veces casi acaban esposados durante sus estridentes debates. Aunque había muchas coincidencias entre sus ideas, Rosenberg elogiaba lo que denominaba «pintura de acción», una vertiente de la abstracción basada en gestos enérgicos y performativos como los practicados por Jackson Pollock, Franz Kline y Arshile Gorky. Rosenberg también apoyó a varios artistas del Expresionismo Abstracto que habían introducido elementos figurativos o narrativos en sus pinturas libres y expresivas, como Willem de Kooning y Philip Guston.

Por el contrario, Greenberg impulsó su apoyo a un estilo de abstracción más puro y limpio, descartando activamente los últimos estudios figurativos de de Kooning. En su lugar, se inclinó por los pintores de la Escuela de Color de Washington, como Barnett Newman, Kenneth Nolan y Anne Truitt, que practicaban un lenguaje minimalista basado en las sensaciones ópticas de los patrones de color planos. En su ensayo American-Type Painting, de 1955, Greenberg sostenía que esta nueva escuela de pintores estaba protagonizando una progresión natural hacia el verdadero arte modernista.

Pintura modernista

A medida que las ideas de Clement Greenberg se desarrollaban, se volvían cada vez más polarizadas y extremas. Cuando el auge del kitsch, el arte pop de múltiples capas y los estilos neodadistas comenzaron a surgir a través de los artistas neoyorquinos Robert Rauschenberg y Jasper Johns, Greenberg se defendió con más fuerza. Defendió a gritos su argumento de que la pintura modernista debía ser un proceso de reducción que la desvinculara de otros medios o métodos. Además, afirmó que la abstracción era un desarrollo lógico y necesario en el arte moderno que despojaba al arte de su esencia más desnuda y destilada, lo que describió como la progresión natural del formalismo, una teoría planteada por primera vez por el crítico de arte Roger Fry a principios del siglo XX.

Estas ideas se ejemplificaron en el ensayo más emblemático de Greenberg, Modernist Painting, de 1961. Argumentaba que la pintura debía ser una actividad en última instancia «pura», rechazando cualquier forma de referencia al mundo exterior, incluida la expresión emocional, el ilusionismo o cualquier «espacio que puedan habitar los objetos reconocibles». Greenberg continuó explicando cómo una pintura debe ser totalmente autorreferencial, sólo relacionándose consigo misma y sin otras referencias externas al mundo real, o a cualquier otro medio artístico como la escultura o el dibujo.

Abstracción post-pictórica

Aunque eran extremas, las ideas de Clement Greenberg reflejaban el espíritu de la época y tuvieron una marcada influencia en los principales desarrollos artísticos de la década de 1960. Las pinturas simplificadas y saturadas de Helen Frankenthaler, Morris Louis y Jules Olitski son hoy sinónimo de las ideas de Greenberg, que definen la cima de la era modernista con una actitud despiadadamente estricta y analítica hacia la forma, el color, la textura, la escala y la composición. Greenberg comisarió una exposición titulada Post-Painterly Abstraction en 1964 en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, que incluía obras de treinta y un artistas diferentes; tuvo tanto éxito que la Post Painterly Abstraction se reconoce ahora como un movimiento por derecho propio.

Influencia en la crítica de arte

A partir de sus propias ideas sobre el formalismo y de las teorías del filósofo alemán del siglo XVIII Immanuel Kant, Greenberg defendió en La pintura modernista una nueva forma objetiva de ver el arte. Creía que había que ver el arte y escribir sobre él de una manera totalmente independiente, observando únicamente las propiedades físicas del propio objeto. Estas ideas ejercieron una profunda influencia en una nueva generación de críticos de arte modernistas que se conocieron como la «Escuela de Greenberg», entre los que se encontraban Rosalind Krauss, Michael Fried y Barbara Rose, cada uno de los cuales adoptó un enfoque analítico similar al diseccionar una obra de arte.

La reacción contra Clement Greenberg

A mediados de la década de 1960, los artistas y los críticos ya estaban superando los extremos de las ideas de Clement Greenberg. Muchos consideraban que su punto de vista era demasiado polarizado y dogmático, mientras que su despojo del ilusionismo, la narrativa y la emoción en la pintura había arrinconado el medio, sin poder ir más allá. Y, como se dio cuenta la crítica de arte Rosalind Krauss, la simplificación excesiva de Greenberg del arte modernista y formalista erradicó gran parte de las idiosincrasias e irracionalidades de la vida. Las escuelas disruptivas de Pop Art y Fluxus que surgieron a raíz de Greenberg devolvieron muchas de las complejas diversidades de la vida ordinaria a las prácticas artísticas a lo largo de las décadas de 1960 y 1970, sacudiendo mucho de lo que él había defendido con tanta vehemencia.

Aunque la reacción contra las ideas de Greenberg en torno al modernismo y el formalismo puros continuó durante varias generaciones, el énfasis que puso en la autorreferencialidad y la materialidad de los objetos artísticos es una actitud que aún persiste. Muchos de los pintores contemporáneos más experimentales y excitantes de hoy tienen en el fondo de su mente la conciencia de un cuadro como objeto físico, aunque ahora lo hayan inundado de referencias a la vida moderna, como se demuestra en el arte de Callum Innes, Tomma Abts, Fiona Rae y Peter Doig.

Aunque la visión algo simplificada de Greenberg de la historia del arte como una marcha singular hacia la abstracción se ha reescrito en gran medida hoy en día, su argumento de que deberíamos ver los cuadros sólo como ellos mismos en primer lugar, sin relacionarlos con nada más, es una actitud que aún perdura en el fondo hoy en día y colorea la forma en que muchos de nosotros miramos el arte, en particular su creencia en el arte como una experiencia única que es «inalcanzable desde cualquier otra fuente».