«Pasamos de un bisturí, a punto de atravesar el pecho incrustado de escamas grises del pobre Ser Jorah, a una cuchara clavándose en una tarta crujiente, antes de entregar el viscoso relleno a una boca hambrienta. Es completamente asqueroso. Ambos lados del corte son primeros planos y están a kilómetros de los barridos épicos que son sinónimo de la serie. Y, sin embargo, la cantidad de trabajo que se realizó en ese pequeño momento, de tantos departamentos diferentes trabajando juntos para crear el momento asqueroso perfecto, es extraordinaria: Barry Gower y su increíble equipo de protésicos evolucionando el color y la viscosidad perfectos para el pus y la sangre, el exudado perfecto cuando se perfora la escala de grises. Iain Glen maquillándose a la 1:30 de la madrugada sin rechistar. Nuestros técnicos de alimentación evolucionando el diseño de la corteza de la tarta para que coincida con los contornos y el sombreado de la escala de grises, sin envenenar al actor. Reunión tras reunión durante meses para un momento fugaz. Por eso me encanta Juego de Tronos».

David Nutter: «La danza de los dragones» (Temporada 5, episodio 9)

«Mi imagen individual favorita está en el momento inmediatamente posterior a esa enorme batalla de estilo gladiador (en el Foso de Daznak). Esta toma final es esencialmente un punto de vista, desde las entrañas del foso, de Dany volando dramáticamente hacia el cielo a lomos de su dragón. La cámara se desplaza lentamente para revelar que estamos viendo todo esto desde la perspectiva de un Tyrion totalmente asombrado. Y entonces Jorah, Daario y Missandei -todos igualmente aturdidos- se acercan a mirar también. Pero terminamos con la reacción de Tyrion, y la exquisita mirada en su rostro, y su momento de «nunca he visto a una mujer así».»

Jeremy Podeswa: «Home» (Temporada 6, Episodio 2)

«Por puro impacto cultural, elegiría esta toma que representa la resurrección de Jon Snow en la sexta temporada (¡hola, incluso fue parodiada en SNL!). El asesinato de Jon Nieve al final de la temporada anterior fue la definición de un cliffhanger. Y la reacción de los espectadores en todo el mundo fue, creo, sin precedentes. Nunca me han pedido tantas veces (incluso me han rogado) que revele un spoiler sobre algo en lo que haya trabajado.

Los creadores de la serie esperaron muy inteligentemente hasta el segundo episodio de la temporada para traer de vuelta a Jon Nieve, lo que aumentó la tensión y la incertidumbre relacionadas con su destino. Mi reto como director era mantener el suspense y no dar la puntilla hasta el último momento. Sabía que el público llevaba mucho tiempo esperando que se resolviera esta cuestión y la expectación era máxima. El momento tenía que ser una sorpresa. La preparación de la toma -la detallada ceremonia de Melisandre para devolver la vida a Jon Nieve (y su percibido fracaso)- prepara el escenario para este momento: El renacimiento de Jon, rodado de forma sencilla y gráfica en una composición formal que invoca deliberadamente la iconografía cristiana, con Jon Nieve como una figura semejante a la de Cristo, su cabeza «coronada» por un cuenco que sugiere un halo.

Al discutir el momento real de la resurrección con Kit Harington, pensamos que la manifestación física más fuerte del momento sería una que invocara un renacimiento literal, como un recién nacido que irrumpe violentamente en el mundo tomando su primera bocanada de aire, o alguien que ha sido retenido bajo el agua y ahora sube a la superficie y toma una primera y poderosa bocanada de aire. Kit lo interpretó maravillosamente. El momento es poderoso y emocionante y, si los vídeos de reacción de los fans sirven de indicación, totalmente satisfactorio. ¿Gritos genuinos de sorpresa y deleite? ¿Qué más podría desear un director? Misión cumplida!»

Daniel Minahan: «A Golden Crown» (Temporada 1, episodio 6)

«La toma de Drogo vertiendo oro fundido sobre la cabeza de Viserys es la más memorable, no por un movimiento de cámara virtuoso, sino por la interpretación y el nivel de dificultad se fijó en torno al 11, y teníamos que conseguirlo en una sola toma. Hubo semanas de preparación para el gag. Encontrar un material viscoso que pudiera ser coloreado en oro y que pudiéramos verter como metal fundido. Construir una peluca para Viserys con tubos de aire para producir burbujas y vapor cuando la pintura dorada viscosa cayera sobre su cabeza. Un casquete de oro moldeado que se cambiaría como si el oro se hubiera enfriado en un casco de oro.

Hubo discusiones, ajustes y ensayos con Harry Lloyd para discernir cómo reaccionaría al líquido caliente escaldado vertido sobre la cabeza de Viserys. Cómo caería, atado a un aparejo de tubos de aire. Cómo Jason Momoa levantaría el caldero y vertería el metal fundido sobre la cabeza de Harry. Detalles aparentemente pequeños, pero todo tenía que ir como un reloj. Quitar la pintura, cambiarla, limpiarla y volver a poner la peluca a los actores sería imposible.

Así que el día, ensayamos la acrobacia para el equipo, y nuestro director de fotografía Matt Jensen colocó cuidadosamente tres cámaras apuntando a Jason, Harry y una a un lado. El equipo de efectos especiales preparó el oro fundido y la peluca humeante y burbujeante en Harry. Jason ensayó el movimiento de vertido en pantomima, luego con un caldero vacío. Harry ensayó su caída. Luego, finalmente, cruzamos los dedos y nos dispusimos a hacerlo. Jason se acercó a mí y me mostró sus manos temblorosas. Él es imperturbable, pero esto lo tenía agitado.

Acción: Jason levantó el caldero humeante, se acercó a Harry que gritaba por su vida, y entonces Jason se detuvo y llamó a cortar. Algo estaba mal, no se sentía bien – su agarre, su enfoque, algo. Está bastante conmocionado y me hace miradas de disculpa a través del set. Reiniciamos para ir de nuevo.

Acción: Jason levanta el caldero, cruzado hacia Harry -que me preocupa que se retuerza demasiado tratando de alejarse y pueda ser un blanco móvil- pero entonces, en el momento perfecto, Jason levanta el caldero sobre su cabeza y vierte un chorro perfecto de sustancia viscosa dorada sobre el pelo blanco como la nieve de Harry que humea y burbujea y parece estallar en llamas (lo que añadiríamos más tarde en VFX). Harry cayó al suelo y Jason soltó una sonora carcajada. El chiste funcionó. El equipo aplaudió y Jason (tal vez) dio la vuelta de la victoria. Harry se llenó los ojos de pegamento dorado y el equipo de peluquería y maquillaje se arremolinó a su alrededor. Todos nos apiñamos alrededor del monitor de reproducción para verlo de nuevo. Las tres cámaras obtuvieron hermosas tomas y todos suspiramos de alivio.»

Alik Sakharov: «The Climb» (Temporada 3, Episodio 6)

«De todas las tomas hermosas y estéticamente compuestas que había encuadrado en GOT, es en realidad una imagen muy simple que tengo en alta estima. No se necesitan muchas explicaciones: la imagen en sí misma cuenta toda la historia».

Brian Kirk: «El lobo y el león» (Temporada 1, Episodio 5)

«El plano general que muestra al desertor marchando hacia su ejecución es uno que se ha quedado conmigo a lo largo de los años. Quería establecer un lenguaje visual que hablara de la estructura de poder tribal de este extraño mundo que habitamos. En los primeros 12 minutos de la serie, vemos a estos personajes y tratamos de averiguar: ¿Qué es este lugar? ¿Cuáles son las reglas aquí? ¿Por qué nuestro héroe debe asumir este deber? Se puede ver que Ned está solo con el condenado, aislado de sus hijos y de los guardias. El acto de esta ejecución es la carga de Ned y debe hacerlo solo.

De repente, entendemos este mundo y estos personajes un poco mejor – y queremos saber más. Por suerte, el tiempo estaba de nuestro lado ese día, así que tenía sentido rodar este gran e inquietante plano general que ayudara a transmitir la tensión que se cuece en el interior de Ned, momentos antes de quitarle la vida a este hombre».

Neil Marshall: «The Watchers on the Wall» (Temporada 4, Episodio 9)

«Es fácil hablar de mi plano favorito de Juego de Tronos, porque es probablemente mi plano favorito de todo lo que he hecho. El plano de la grúa de 360 grados en ‘Watchers on the Wall’ evolucionó a partir de ese maravilloso proceso orgánico que a menudo puede ser la realización de una película. No había nada en el guión al respecto. En todo caso, sirvió de transición entre dos escenas existentes. En lugar de «cortar a» o «disolver a», podría haber dicho «girar la cámara alrededor de toda la batalla a», pero no lo hizo.

Las semillas se sembraron en el momento en que entré en el set del Castillo Negro. Está dispuesto como una fortaleza normal, con una gran zona plana en el centro rodeada de edificios, fortificaciones y parapetos. Sobre esos edificios había varias pasarelas, decorados y galerías, e inmediatamente pensé que las zonas circundantes eran, con mucho, el lugar más interesante para escenificar la acción, en lugar del terreno plano del centro. En cambio, pensé que ese terreno plano era un lugar ideal para colocar una grúa de cámara, y como el decorado era de 360 grados, significaba que podía girar esa cámara en todas las direcciones.

Así que, si esto representaba el qué y el cómo, entonces venía la pregunta del por qué. Una buena toma sólo es realmente buena cuando sirve para algo, y no teníamos tiempo para autocomplacencias innecesarias. Entonces, ¿cuál era la motivación para esa toma? Y, lo que es más importante, ¿cómo podía vender su necesidad a los productores y guionistas? La respuesta era la geografía. Comprender la geografía dentro de una secuencia de acción es fundamental para que el público se involucre plenamente. En este punto de la historia, varios de los personajes principales estaban implicados en varias piezas de acción alrededor del castillo. Lo que mi plano de la grúa de 360 grados haría era enlazarlos a todos al mismo tiempo en un movimiento de barrido, que pasaba de un personaje a otro, mostrando exactamente dónde estaban y cómo se relacionaban con cada uno en ese momento de la lucha.

Lo principal que el equipo de especialistas tenía que vigilar era la propia grúa, que en plena extensión, girando en un círculo rápido, podría haber arrancado la cabeza de uno de ellos.

La noche en cuestión, habíamos programado este plano como el primero. Ensayamos los movimientos durante una hora más o menos, y luego clavamos la toma en siete tomas. Fue uno de esos momentos perfectos en los que todos los departamentos se unieron, con la imaginación encendida por intentar algo nuevo y un poco atrevido. Aquella noche hubo un gran revuelo en el plató y un auténtico sentimiento de satisfacción entre el reparto y el equipo por haberlo conseguido de forma tan espectacular. Logramos todo lo que esperaba desde el punto de vista creativo, y prácticamente lo hicimos en un tiempo récord sin ningún contratiempo. Es entonces cuando sonríes para ti mismo y dices: «Me encanta este trabajo».

Alan Taylor: «El príncipe de Invernalia» (Temporada 2, episodio 8)

«GOT es una serie que te permite llegar a visuales épicos y dinámicos. Pero cuando se me pide que elija una toma favorita, mi mente se dirige a algo muy simple: una toma de transición. Jon Nieve ha sido capturado al norte del muro. Vemos cómo es conducido por sus captores para unirse a una banda de salvajes. La toma es breve, pero significa mucho para mí.

Hemos sido programados para rodar la escena en la orilla de un pequeño lago en Islandia. Cuando llegamos, el lago se había congelado. Salimos a explorar el nuevo terreno: un equipo mixto, islandés, inglés y estadounidense. Cuando estábamos a unos 30 metros, el hielo se flexionó y emitió un sonido como un trueno lejano. La mayoría de nosotros volvimos a la orilla, pero los islandeses siguieron caminando, y entonces me di cuenta de que era seguro. En lugar de rodar junto al lago ese día, rodamos SOBRE él, entre los mini icebergs.

La naturaleza a menudo puede crear problemas cuando se rueda en un lugar. Esta fue una de esas maravillosas ocasiones en las que mejoró nuestros planes».