Florencia y MantuaEditar

La música de Dafne se ha perdido. La primera ópera de la que se conserva la música se representó en 1600 en la boda de Enrique IV de Francia y María de Médicis en el Palacio Pitti de Florencia. La ópera, Eurídice, con libreto de Rinuccini y música de Peri y Giulio Caccini, narraba la historia de Orfeo y Eurídice. El estilo de canto favorecido por Peri y Caccini era una forma exaltada de discurso natural, un recitativo dramático apoyado por música instrumental de cuerda. Así, el recitativo precedió al desarrollo de las arias, aunque pronto se convirtió en la costumbre de incluir canciones separadas e interludios instrumentales durante los periodos en los que las voces estaban en silencio. Tanto Dafne como Eurídice incluían también coros que comentaban la acción al final de cada acto, a la manera de la tragedia griega. El tema de Orfeo, el semidiós de la música, era comprensiblemente popular y atrajo a Claudio Monteverdi (1567-1643), que escribió su primera ópera, L’Orfeo (La fábula de Orfeo), en 1607 para la corte de Mantua.

Monteverdi insistió en una fuerte relación entre las palabras y la música. Cuando se representó Orfeo en Mantua, se utilizó una orquesta de 38 instrumentos, numerosos coros y recitativos para hacer un drama vivo. Era una versión mucho más ambiciosa que las representadas anteriormente -más opulenta, más variada en los recitativos, más exótica en la escenografía- con clímax musicales más fuertes que permitían dar rienda suelta al virtuosismo de los cantantes. La ópera había revelado su primera etapa de madurez en manos de Monteverdi. L’Orfeo también tiene la distinción de ser la primera ópera que se conserva y que todavía se representa con regularidad en la actualidad.

Ópera en RomaEditar

En pocas décadas la ópera se había extendido por toda Italia. En Roma, encontró un defensor en el prelado y libretista Giulio Rospigliosi (más tarde Papa Clemente IX). Los mecenas de Rospigliosi eran los Barberini.

Entre los compositores que trabajaron en este periodo se encuentran Luigi Rossi, Michelangelo Rossi, Marco Marazzoli, Domenico y Virgilio Mazzocchi, Stefano Landi.

Desde la década de 1630, el tema de las obras cambió mucho: los de la tradición pastoral y la Arcadia, es preferible que los poemas de caballería, por lo general Ludovico Ariosto y Torquato Tasso, o los tomados de la hagiografía y la commedia dell’arte cristiana.

Con el aumento del número de personajes, las óperas romanas se convirtió en muy dramático, y tenía varios giros. Con ellos llegó un nuevo método de fijación de las líneas del recitativo, más adecuado a las diversas situaciones que surgían del rico argumento y que se acercaba más al discurso, lleno de paréntesis en detrimento del estilo paratáctico que tanto había caracterizado a las primeras obras florentinas.

Venecia: La ópera comercialEditar

Las principales características de la ópera veneciana fueron (1) un mayor énfasis en las arias formales; (2) el inicio del estilo belcantista («canto bello»), y una mayor atención a la elegancia vocal que a la expresión dramática; (3) un menor uso de la música coral y orquestal; (4) tramas complejas e improbables; (5) una elaborada maquinaria escénica; y (6) breves introducciones instrumentales en forma de fanfarria, prototipos de la posterior obertura.

La ópera tomó una nueva e importante dirección cuando llegó a la república de Venecia. Fue aquí donde se inauguró el primer teatro de ópera público, el Teatro di San Cassiano, en 1637, por Benedetto Ferrari y Francesco Manelli. Su éxito alejó la ópera del mecenazgo aristocrático y la introdujo en el mundo comercial. En Venecia, el drama musical dejó de estar dirigido a una élite de aristócratas e intelectuales y adquirió el carácter de entretenimiento. Pronto surgieron en la ciudad otros muchos teatros de ópera que representaban obras para un público de pago durante la temporada de Carnaval. Los teatros de ópera empleaban una orquesta muy pequeña para ahorrar dinero. Una gran parte de su presupuesto se gastaba en atraer a los cantantes estrella de la época; este fue el comienzo del reinado del castrato y la prima donna (actriz principal).

El principal compositor de la primera ópera veneciana fue Monteverdi, que se había trasladado a la república desde Mantua en 1613, con compositores importantes posteriores como Francesco Cavalli, Antonio Cesti, Antonio Sartorio y Giovanni Legrenzi. Monteverdi escribió tres obras para los teatros públicos: Il ritorno d’Ulisse in patria (1640), Le nozze d’Enea con Lavinia (1641, hoy perdida) y, la más famosa, L’incoronazione di Poppea (1642). Los temas de las nuevas óperas de Monteverdi y otros se inspiran generalmente en la historia romana o en las leyendas de Troya, para celebrar los ideales heroicos y la noble genealogía del Estado veneciano. Sin embargo, no les faltaba el interés amoroso ni la comedia. La mayoría de las óperas constaban de tres actos, a diferencia de las anteriores, que normalmente tenían cinco. El grueso de la versificación seguía siendo el recitativo, aunque en los momentos de mayor tensión dramática solía haber pasajes ariosos conocidos como arie cavate. Con los seguidores de Monteverdi, la distinción entre el recitativo y el aria se hizo más marcada y convencional. Esto es evidente en el estilo de los cuatro compositores más exitosos de la siguiente generación: Francesco Cavalli, Giovanni Legrenzi, Antonio Cesti y Alessandro Stradella.

Difusión de la ópera en el extranjeroEditar

En la Mancomunidad Polaco-Lituana comenzó una tradición de producción operística en Varsovia en 1628, con una representación de Galatea (compositor incierto), la primera ópera italiana producida fuera de Italia. Poco después de esta representación, la corte produjo la ópera de Francesca Caccini La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina, que había escrito para el príncipe Władysław Vasa tres años antes, cuando estaba en Italia. Es la primera ópera escrita por una mujer que se conserva. Gli amori di Aci e Galatea, de Santi Orlandi, también se representó en 1628. Cuando Władysław era rey (como Władysław IV) supervisó la producción de al menos diez óperas a finales de la década de 1630 y 1640, convirtiendo a Varsovia en un centro del arte. No se conocen los compositores de estas óperas: puede que fueran polacos que trabajaban bajo la dirección de Marco Scacchi en la capilla real, o puede que estuvieran entre los italianos importados por Władysław. En 1635 se representó un dramma per musica (como se conocía entonces a la ópera italiana seria) titulado Giuditta, basado en la historia bíblica de Judith. El compositor fue probablemente Virgilio Puccitelli.

Las óperas de Cavalli fueron representadas en toda Italia por compañías itinerantes con gran éxito. De hecho, su Giasone fue la ópera más popular del siglo XVII, aunque algunos críticos se horrorizaron por su mezcla de tragedia y farsa. La fama de Cavalli se extendió por toda Europa. Una de sus especialidades era dar a sus heroínas «lamentos de bajo fondo». Se trata de arias lúgubres cantadas sobre una línea de bajo descendente y tuvieron una gran influencia en Henry Purcell, cuyo «When I am laid in earth» de Dido y Eneas es probablemente el ejemplo más célebre de esta forma. La reputación de Cavalli hizo que el cardenal Mazarino le invitara a Francia en 1660 para componer una ópera para la boda del rey Luis XIV con María Teresa de España. La ópera italiana ya se había representado en Francia en la década de 1640 con una acogida desigual y la expedición de Cavalli al extranjero terminó en un desastre. El público francés no respondió bien a la reposición de Xerse (1660) y a la compuesta especialmente Ercole amante (1662), prefiriendo los ballets que se habían insertado entre los actos por un compositor florentino, Jean-Baptiste Lully, y Cavalli juró no volver a componer otra ópera.

Cesti tuvo más suerte cuando se le pidió que escribiera una ópera para la corte de los Habsburgo en Viena en 1668. Il pomo d’oro era tan grandiosa que la representación tuvo que extenderse durante dos días. Fue un gran éxito y marcó el inicio del dominio de la ópera italiana al norte de los Alpes. A finales del siglo XVII, los compositores alemanes e ingleses intentaron establecer sus propias tradiciones autóctonas, pero a principios del siglo XVIII habían cedido terreno a la ópera italiana importada, que se convirtió en el estilo internacional en manos de compositores como Haendel. Sólo Francia se resistió (y su tradición operística había sido fundada por el italiano Lully). Esto marcó la pauta hasta bien entrado el siglo XIX: la tradición italiana era la internacional y sus principales exponentes (por ejemplo, Haendel, Hasse, Gluck y Mozart) a menudo no eran nativos de Italia. Los compositores que querían desarrollar sus propias formas nacionales de ópera generalmente tenían que luchar contra la ópera italiana. Así, a principios del siglo XIX, tanto Carl Maria von Weber en Alemania como Hector Berlioz en Francia sintieron que debían desafiar la enorme influencia del italiano Rossini.