Den berömde konstkritikern Clement Greenberg var en av 1900-talets mest inflytelserika och respekterade röster. Han är idag känd som ”den amerikanska konstens röst” och hans djärva och frispråkiga hyllande av den amerikanska abstrakta konsten på 1940- och 1950-talen gjorde konstnärer som Jackson Pollock, Willem de Kooning och Barnett Newman till kända namn. Greenbergs idéer, som ansåg att konsten borde destilleras ner till sina renaste, enklaste och mest poetiska egenskaper i form av linjer, färger och plana ytor, påverkade en hel generation och ledde till att de skapade några av de mest ikoniska konstverken genom tiderna. ”Modernismen”, skrev han, ”använde konsten för att uppmärksamma konsten.”

Clement Greenbergs tidiga idéer

Clement Greenberg föddes i Bronx som barn till judisk-litauiska invandrare och studerade engelsk litteratur vid Syracuse University. Efter examen drev han runt mellan olika arbeten innan han hittade sin väg in i den skara författare och kritiker som kallade sig New York Intellectuals, däribland Susan Sontag och Harold Rosenberg. Många av dem var judar och förespråkade vänsterpolitik och integrerade litterär teori med marxistisk tro, men de förkastade Stalin och lutade sig istället mot trotskismens liberalistiska idéer.

Många av Greenbergs idéer kom ursprungligen från Karl Marx, särskilt tron att abstrakt avantgardekonst var ett djärvt och revolutionärt steg bort från förtryckande politiska regimer ledda av nazister eller kommunister. Ett annat stort inflytande på Greenbergs idéer var den tyske konstnären och pedagogen Hans Hofmann. Under 1938 och 1939 gick Greenberg på flera av Hoffmanns föreläsningar som betonade vikten av en ”formell” förståelse i konsten, där färg, linje, yta och förhållandet mellan plan på en plan yta ansågs viktigare än figurativt eller litterärt innehåll.

Celebrating the Avant-Garde

En stor del av Clement Greenbergs tidigaste kritiska författarskap publicerades i New Yorks liberala Partisan Review, och var starkt påverkad av Hans Hoffmanns idéer. Det var i Partisan Review som Greenberg publicerade den första av sina mest inflytelserika essäer, med titeln Avant-Garde and Kitsch, 1939, som låg till grund för många av hans framtida idéer.

I essän hävdar Greenberg att avantgardekonsten från det tidiga 1900-talet var ”den enda levande kulturen” som fortfarande existerar, medan uppkomsten av ”kitsch”, populärt eller massproducerat material, var ett stort hot mot dess existens. Han hävdade att kitschbilderna var en biprodukt av det smaklösa, billiga industrisamhället och hävdade starkt att både konst och litteratur borde erbjuda en väg till en högre sanning bortom detta ”förnedrade” språk. Denna tro på den samhälleliga betydelsen av en ”hög” avantgardistisk konst med fokus på process och experiment var nyckeln till alla Greenbergs idéer om konst och kom att prägla hans framtida essäer om konstteori och konstpraktik.

A Newer Laocoon

Bara ett år senare publicerade Clement Greenberg den andra av sina instrumentellt viktiga essäer: Towards a Newer Laocoon, 1940. Texten var en fortsättning på Gotthold Lessings berömda artikel Laokoon: An Essay Upon the Limits of Painting and Poetry, publicerad 1766. Lessing hade börjat göra distinktioner mellan olika konstnärliga medier, däribland poesi, måleri och skulptur, och argumenterade för att var och en av dem hade sitt eget tydliga utvecklingsspråk som vi borde känna igen och uppskatta.

Med utgångspunkt i Lessings essä skisserade Greenbergs idéer ett historiskt resonemang som beskrev var det moderna måleriets ursprung hade kommit ifrån och vart det nu var på väg. Han hävdade att måleriet hade blivit alltmer tillplattat sedan historisk tid, och att det hade rört sig bortom det narrativa eller litterära innehållet för att i stället lägga tonvikten på abstrakta mönster och ytor, och han skrev: ”Men viktigast av allt är att bildplanet blir allt grundare och grundare, och att det blir allt plattare och pressar samman de fiktiva djupplanen, tills de möts som ett enda plan på det reella och materiella plan som utgörs av den egentliga ytan på duken.”

Abstrakt expressionism

Under 1940-talet bosatte sig Clement Greenberg i Greenwich Village-området i New York där han arbetade som redaktör för Partisan Review, biträdande redaktör för Commentary Magazine och kritiker för The Nation. Han var en av de första som upptäckte och försvarade den framväxande abstrakta expressionistiska skolans verk, däribland Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell och David Smith, och genom hans författarskap fick dessa konstnärers karriärer en internationell uppmärksamhet. Greenbergs karriär växte i takt med deras karriär, och han blev en gigant på den amerikanska konstscenen. Han fick föreläsningsuppdrag vid Black Mountain College, Yale University, Bennington College och Princeton University, där han hade ett tydligt inflytande på nästa generation av kreativa tänkare.

The Crisis of the Easel Picture

Flera essäer som publicerades under 1940-talet gjorde det möjligt för Greenberg att utvidga sitt argument för betydelsen av det abstrakta måleriet, bland annat Abstrakt konst, som publicerades 1944, och The Crisis of the Easel Picture, 1948. I den sistnämnda texten introducerade han det radikala och inflytelserika begreppet ”all-over”-bild och beskrev en tillplattad, repetitiv tendens i den amerikanska konsten som praktiserades av Jackson Pollock, Lee Krasner och Barnett Newman som en ”decentraliserad, polyfonisk, all-over-målning”, som smälte samman till ”ren textur, ren sensation”. Han hävdade också att ”all-over”-måleriet hade uppstått som en logisk reaktion på ett industrialiserat, kapitalistiskt samhälle, där ”alla hierarkiska distinktioner har uttömts … inget område eller ingen erfarenhetsordning är vare sig inneboende eller relativt överlägsen något annat”.

Greenberg vs. Rosenberg

En av Clement Greenbergs största rivaler var hans konstkritikerkollega Harold Rosenberg; ryktet säger att de ibland nästan hamnade i handfängsel under sina rabiata debatter. Även om det fanns många överlappningar mellan deras idéer, lovordade Rosenberg vad han kallade ”Action Painting”, en abstraktionsriktning baserad på energiska, performativa gester som praktiserades av Jackson Pollock, Franz Kline och Arshile Gorky. Rosenberg stödde också olika abstrakta expressionistiska konstnärer som hade fört tillbaka figurativa eller narrativa element till sina fria, expressiva målningar, t.ex. Willem de Kooning och Philip Guston.

Däremot drev Greenberg fram sitt stöd för en renare, renare abstraktionsstil, och avfärdade aktivt de Koonings senaste figurativa studier. Istället flyttade han sitt stöd till Washington Colour School Painters som Barnett Newman, Kenneth Nolan och Anne Truitt, som praktiserade ett avskalat, minimalistiskt språk baserat på de optiska förnimmelserna av platta färgmönster. I sin essä American-Type Painting, 1955, hävdade Greenberg att denna nya målarskola ledde en naturlig utveckling mot sann modernistisk konst.

Modernist Painting

I takt med att Clement Greenbergs idéer utvecklades blev de alltmer polariserade och extrema. När kitsch, flerskiktad popkonst och neodada-stilar började växa fram genom New York-konstnärerna Robert Rauschenberg och Jasper Johns, kämpade Greenberg ännu hårdare emot. Han kämpade högljutt mot sitt argument att det modernistiska måleriet måste vara en reduktionsprocess som lösgjorde det från andra medier eller metoder. Han hävdade vidare att abstraktion var en logisk och nödvändig utveckling inom den moderna konsten som tog konsten tillbaka till dess naknaste, mest destillerade essens, vilket han beskrev som den naturliga utvecklingen för formalismen, en teori som först lades fram av konstkritikern Roger Fry i början av 1900-talet.

Dessa idéer exemplifierades i Greenbergs mest ikoniska essä, Modernist Painting, 1961. Han hävdade att måleriet borde vara en ytterst ”ren” aktivitet som förkastar alla former av referenser till omvärlden, inklusive känslomässiga uttryck, illusionism eller något ”rum som igenkännbara objekt kan bebo”. Greenberg fortsatte att förklara hur en målning bör vara helt självrefererande och endast relatera tillbaka till sig själv och inga andra externa referenser till den verkliga världen eller till något annat konstnärligt medium som skulptur eller teckning.

Post-Painterly Abstraction

Trots att de var extrema speglade Clement Greenbergs idéer tidsandan och de hade ett påtagligt inflytande på den ledande konstnärliga utvecklingen under 1960-talet. Helen Frankenthalers, Morris Louis och Jules Olitskis förenklade, mättade färgfältsmålningar är i dag synonyma med Greenbergs idéer och definierar toppen av den modernistiska eran med en hänsynslöst strikt, analytisk attityd till form, färg, textur, skala och komposition. Greenberg kurerade 1964 en utställning med titeln Post-Painterly Abstraction på Los Angeles County Museum of Art som innehöll verk av trettioen olika konstnärer; den var så framgångsrik att Post Painterly Abstraction nu erkänns som en rörelse i sin egen rätt.

Inflytande på konstkritiken

Med utgångspunkt i både sina egna idéer om formalism och den tyske 1700-talsfilosofen Immanuel Kants teorier argumenterade Greenberg i Modernist Painting för ett nytt, objektivt sätt att se på konst. Han ansåg att man borde betrakta konst och skriva om den på ett helt fristående sätt, genom att endast observera de fysiska egenskaperna hos själva objektet. Dessa idéer hade ett stort inflytande på en ny generation av modernistiska konstkritiker som blev kända som ”Greenbergs skola”, däribland Rosalind Krauss, Michael Fried och Barbara Rose, som alla använde ett liknande analytiskt tillvägagångssätt när de dissekerade ett konstverk.

Ryggmärkena mot Clement Greenberg

I mitten av 1960-talet hade konstnärer och kritiker redan gått bortom ytterligheterna i Clement Greenbergs idéer. Många såg hans ståndpunkt som alltför polariserad och dogmatisk, samtidigt som hans borttagande av illusionism, berättande och känslor i måleriet hade ställt in mediet i ett hörn utan någonstans att ta vägen. Och som konstkritikern Rosalind Krauss kom att inse, utplånade Greenbergs överdrivna förenkling av den modernistiska, formalistiska konsten mycket av livets egenheter och irrationalitet. De störande skolorna Pop Art och Fluxus som uppstod i Greenbergs kölvatten förde tillbaka många av det vanliga livets komplexa mångfald till konstpraxis under 1960- och 1970-talen, och skakade sönder mycket av det som han så kraftfullt hade argumenterat för.

Och även om motreaktionen mot Greenbergs idéer kring renodlad modernism och formalism fortsatte i flera generationer, så är den betoning som han lade på självreferentialitet och konstföremålens materialitet en attityd som lever kvar än idag. Många av dagens mest experimentella och spännande samtida målare har i bakhuvudet en medvetenhet om en målning som ett fysiskt objekt, även om de nu har översvämmat den med referenser till det moderna livet, vilket visas i Callum Innes, Tomma Abts, Fiona Rae och Peter Doigs konst.

Och även om Greenbergs något förenklade syn på konsthistorien som en singulär marsch mot abstraktion till stor del har skrivits om i dag, är hans argument att vi bör se målningar endast som sig själva först, utan att relatera dem till något annat, en attityd som fortfarande lever kvar i bakgrunden i dag och som färgar det sätt på vilket så många av oss betraktar konsten, i synnerhet hans tro på konsten som en unik upplevelse som är ”omöjlig att få tag på från någon annan källa”

.