Emma Amos, o pictoriță figurativă a cărei artă seducătoare din punct de vedere vizual a atacat cu privirea rasismul și privilegiile, a murit la 83 de ani. Galeria ei, Ryan Lee, a declarat într-un anunț prin e-mail că Amos a murit în Bedford, New Hampshire, pe 20 mai, din cauza bolii Alzheimer.
De-a lungul carierei sale, Amos a dat dovadă de un talent pentru a crea tablouri imaginative care îmbinau aspecte ale istoriei artei, ale vieții sale personale și ale evenimentelor actuale, oferind în acest proces tablouri pentru toate timpurile. Imaginile sale izbitoare s-au scufundat în subiecte noduroase care au dezvăluit istorii urâte ale rasismului, sexismului și luptei de clasă – subiecte pe care Amos le-a abordat chiar și atunci când știa că ar putea fi o povară. „Da”, a scris ea în declarația sa de artist, „rasa, sexul, clasa și privilegiile de putere există în lumea artei.”
Această linie de gândire s-a extins la modul în care Amos privea pictura însăși. Culoarea, unul dintre aspectele formale de bază ale picturii, a căpătat nuanțe politice, în opinia lui Amos. „De fiecare dată când mă gândesc la culoare, este o declarație politică”, i-a spus odată istoricului de artă Lucy Lippard. „Ar fi un lux să fiu albă și să nu trebuiască să mă gândesc niciodată la asta.”
În una dintre cele mai faimoase lucrări ale sale, Flower Sniffer (1966), Amos se pictează pe ea însăși în interiorul unui cerc mare alb cu albastru la margini. Portocaliul cămășii ei și galbenul florilor ei pot fi calde, dar nimic altceva din imagine nu contează la fel. În mod deliberat oarecum dezechilibrată, pictura este menită să fie o critică a tradiției autoportretului, Amos ieșind semnificativ mai puțin pasivă decât multe artiste albe care s-au portretizat pe ele însele de-a lungul istoriei artei.
Pânzele lui Amos au avut și o latură jucăușă. O rechemare a lui Flower Sniffer apare pe fundalul lui Sandy and Her Husband (1973), o imagine tandră a unui duo soț și soție dansând într-o sufragerie. Iar în unele dintre cele mai amețitoare picturi ale sale, artiști de circ, animale și instrumente muzicale par să se rostogolească prin vid, ca și cum regulile perspectivei nu ar trebui să se aplice.
Ca multe artiste de culoare care au lucrat în anii ’60 și ’70, Amos a fost recunoscută de marile muzee abia în ultimele etape ale carierei sale, datorită în parte succesului critic al unor expoziții precum „Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power” (organizată de Tate Modern din Londra) și „We Wanted a Revolution: Black Radical Women, 1965-85” (organizată de Brooklyn Museum din New York). Cu toate acestea, Amos deține o poziție neobișnuită în rândul colegilor ei, deoarece a fost implicată într-un grup cheie de artiști de culoare care a primit presă chiar și în timpul său.
Acest colectiv a fost grupul de scurtă durată, deși cu o influență masivă, cunoscut sub numele de Spiral. Cu Norman Lewis, Romare Bearden și Hale Woodruff printre membrii săi, Amos a fost singura femeie invitată să se alăture, fiind adusă de Woodruff, fostul ei profesor. (Amos a încercat, de asemenea, să o atragă în grup și pe Vivian Brown, dar aceasta a susținut că ideea a fost respinsă de bărbații din jurul ei). Au existat dezacorduri între artiștii din Spiral, care lucrau cu toții în moduri foarte diferite, cu privire la ceea ce ar putea însemna noțiunea de „artă neagră”. „Nu cred că există artiști negri”, a declarat Amos pentru ARTnews într-un articol din 1966 despre Spiral. „De ce nu-i lăsăm pe cei albi să intre?”
Spiral a fost format în 1963 și s-a dizolvat la scurt timp după aceea. În 1965, grupul a pus în scenă „First Group Showing: Works in Black and White” într-un spațiu închiriat al unei galerii din New York – o primă expoziție care a sfârșit prin a fi ultima. Dar influența lui Spiral este acum foarte mare. „Spiral a modificat și a făcut să explodeze din interior descendența europeană-americană”, scria criticul Martha Schwendener în Village Voice atunci când un studiu a călătorit de la Birmingham Museum of Art din Alabama la Studio Museum in Harlem din New York.
Spiral nu a fost singurul colectiv radical în care Amos s-a implicat. Pentru o scurtă perioadă în anii ’70, Amos a fost editor la Heresies, o revistă feministă cheie care a publicat texte ale unor artiști precum Howardena Pindell, Ana Mendieta, Adrian Piper și Martha Rosler. „Ei au crezut că voi face, știți, sandvișuri cu unt de arahide și că voi fugi să iau ceai, iar eu doar am stat acolo”, a declarat Amos într-o istorie orală din 2011. „Știți, nu aveam de gând să fac asta.”
Potrivit anunțului galeriei Ryan Lee, Amos a fost, de asemenea, implicată în Guerrilla Girls, un colectiv feminist legendar care a sfâșiat misoginismul lumii artei prin proteste, scrieri și lucrări de artă activistă. Deoarece Guerrilla Girls își face aparițiile publice în măști de gorilă, identitatea membrilor săi a fost mult timp ținută secretă. Amos și-a lăsat implicarea vagă, spunând odată: „Am fost membră a unui grup clandestin de femei foarte faimos care lucra noaptea și nu ieșeam niciodată fără măști pe față.”
Emma Amos s-a născut în 1937 în Atlanta, Georgia. Încă de la o vârstă fragedă, a arătat o înclinație pentru artă și a urmat cursuri la instituții locale. La vârsta de 16 ani, s-a înscris la un program de licență la Antioch College din Yellow Springs, Ohio, unde și-a continuat educația artistică, care mai târziu a inclus și studii în străinătate, la Londra, timp de un an. Până în 1960, s-a mutat la New York.
După ce a lucrat ca profesoară la o școală pregătitoare, Amos a găsit un loc de muncă în atelierul lui Dorothy Liebes, un designer textil care a contribuit la ridicarea practicii țesutului. Experiențele lui Amos cu Liebes, pentru care a lucrat timp de un deceniu, i-au insuflat un interes pentru meșteșug care a rămas cu ea pentru o mare parte din cariera sa. În interviuri, Amos a comparat pictura cu meșteșugul. „Chiar și pânza, pentru mine, este un material textil”, a spus ea odată. Din 1977 până în 1978, Amos a fost co-prezentatoare a serialului TV orientat spre meșteșuguri Show of Hands.
În anii ’80, Amos a început să creeze picturi pentru o serie cunoscută sub numele de „Falling”, care prezintă figuri care se prăbușesc prin spații vaste. „Mi-a plăcut ideea că, dacă ai cădea prin aer, ar fi existat cineva care ar fi încercat să te prindă sau ar fi existat cineva care să se țină de tine, astfel încât să existe doi dintre voi împreună”, a spus Amos. Într-o lucrare memorabilă din această serie, Amos cade printr-un cer albăstrui ținându-se de o fotografie a mamei sale.
După această serie, Amos a produs lucrări care au combinat toate interesele sale cu experiențele sale în domeniul textilelor și al gravurii. (Ea fusese implicată în atelierul de gravură al artistului Robert Blackburn în anii ’70). Implicit în multe dintre ele era un sentiment că Amos era nemulțumită de albia istoriei artei. Pentru Muse Picasso (1997), ea a modelat o pânză ca pe un halat de pictor, punând în centrul ei o imagine a lui Pablo Picasso și încercuind-o cu rondele cu imagini de măști africane și propria ei imagine. În jurul ambelor sunt țesături africane și cuvinte precum „maestru” – o recunoaștere explicită a istoriilor de rasism, colonialism și sclavie din Africa pe care Picasso nu le-a văzut când s-a inspirat din măștile de pe continent.
Chiar și în ultimul deceniu, Amos a primit mai puțină recunoaștere decât ar fi meritat. Studio Museum din Harlem a organizat un studiu în anii ’90, iar Art in General din New York a prezentat o expoziție care a călătorit. Dar puține instituții importante s-au arătat interesate de lucrările ei. „Mă trezesc dimineața și spun: ‘Am o piesă la Muzeul de Artă Modernă’. Mă întreb dacă mai este acolo?” Știi, mă întreb dacă nu cumva am fost deaccesionată”, a spus ea. „Și mă întreb cum se face că nu există nimeni care să știe cine sunt.”
Acea lucrare de la MoMA nu a fost deaccesionată, totuși, iar acum muzeul deține alte cinci piese ale lui Amos. Printre alte instituții care dețin lucrări importante ale artistei se numără Cleveland Museum of Art, Whitney Museum și Brooklyn Museum, iar o retrospectivă Amos este programată să se deschidă la Georgia Museum of Art din Atena în 2021.
.