Cunoscutul critic de artă Clement Greenberg a fost una dintre cele mai influente și respectate voci ale secolului XX. Cunoscut astăzi ca „vocea artei americane”, celebrarea sa îndrăzneață și sinceră a artei abstracte americane în anii 1940 și 1950 a transformat artiști precum Jackson Pollock, Willem de Kooning și Barnett Newman în nume cunoscute. Considerând că arta ar trebui să fie distilată în cele mai pure, mai simple și mai poetice proprietăți ale liniei, culorii și suprafeței plane, ideile lui Greenberg au influențat o întreagă generație, determinându-i să creeze unele dintre cele mai emblematice opere de artă din toate timpurile. „Modernismul”, scria el, „a folosit arta pentru a atrage atenția asupra artei.”

Clement Greenberg’s Early Ideas

Născut în Bronx din imigranți evrei-lituanieni, Clement Greenberg a studiat literatura engleză la Universitatea Syracuse. După absolvire, a umblat între slujbe înainte de a se regăsi în grupul de scriitori și critici care se numeau intelectualii newyorkezi, printre care Susan Sontag și Harold Rosenberg. Mulți dintre ei erau evrei și susțineau o politică de stânga, integrând teoria literară cu convingerile marxiste, dar îl respingeau pe Stalin, înclinând în schimb spre ideile liberaliste ale troțkismului.

Multe dintre ideile lui Greenberg proveneau inițial de la Karl Marx, în special credința că arta abstractă de avangardă era o mișcare îndrăzneață și revoluționară de îndepărtare de regimurile politice opresive conduse de naziști sau comuniști. O altă influență majoră asupra ideilor lui Greenberg a fost artistul și educatorul german Hans Hofmann. În 1938 și 1939, Greenberg a participat la mai multe prelegeri ale lui Hoffmann, care subliniau importanța unei înțelegeri „formale” în artă, în care culoarea, linia, suprafața și relația dintre planuri pe o suprafață plană erau considerate mai importante decât conținutul figurativ sau literar.

Celebrând avangarda

Major parte din primele scrieri critice ale lui Clement Greenberg au apărut în publicația liberală Partisan Review din New York, și au fost puternic influențate de ideile lui Hans Hoffmann. În Partisan Review, Greenberg a publicat primul dintre cele mai influente eseuri ale sale, intitulat Avant-Garde and Kitsch, 1939, care a stat la baza multora dintre ideile sale viitoare.

În eseu, Greenberg susține că arta de avangardă de la începutul secolului al XX-lea era „singura cultură vie” încă existentă, în timp ce apariția „kitsch-ului”, a materialului popular sau produs în masă era o mare amenințare la adresa existenței sale. Argumentând că imaginile „kitsch” erau un produs secundar al societății industrializate de prost gust și ieftine, el a afirmat cu tărie că atât arta, cât și literatura ar trebui să ofere o cale către un adevăr mai înalt dincolo de acest limbaj „degradat”. Această credință în importanța societală pentru o artă de avangardă „înaltă” axată pe proces și experimentare a fost esențială în toate ideile lui Greenberg despre artă, ajungând să informeze viitoarele sale eseuri despre teoria și practica artei.

Un Laocoon mai nou

Doar un an mai târziu, Clement Greenberg a publicat cel de-al doilea dintre eseurile sale importante din punct de vedere instrumental: Towards a Newer Laocoon, 1940. Textul era o continuare a celebrului articol al lui Gotthold Lessing, Laocoon: An Essay Upon the Limits of Painting and Poetry, publicat în 1766. Lessing începuse să facă distincții între diferite medii artistice, inclusiv poezie, pictură și sculptură, argumentând cum că fiecare dintre ele are propriul limbaj distinct de dezvoltare pe care ar trebui să îl recunoaștem și să îl apreciem.

Plecând de la eseul lui Lessing, ideile lui Greenberg au conturat un raționament istoric care descria de unde au venit originile picturii moderne și încotro se îndrepta acum. El a argumentat că pictura s-a aplatizat din ce în ce mai mult încă din timpurile istorice, trecând dincolo de conținutul narativ sau literar către un accent pe modelul abstract și pe suprafață, scriind: „Dar cel mai important dintre toate, planul tabloului devine din ce în ce mai puțin adânc, aplatizând și presând împreună planurile fictive ale adâncimii până când acestea se întâlnesc ca unul singur pe planul real și material care este suprafața reală a pânzei.”

Expresionism abstract

În anii 1940, Clement Greenberg s-a stabilit în zona Greenwich Village din New York, unde a lucrat ca redactor la Partisan Review, redactor asociat la Commentary Magazine și critic la The Nation. A fost unul dintre primii care a observat și a susținut lucrările școlii expresioniste abstracte în plină dezvoltare, inclusiv ale lui Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell și David Smith, iar prin intermediul scrierilor sale, carierele acestor artiști au fost lansate în lumina reflectoarelor internaționale. Pe măsură ce carierele lor au crescut, a crescut și cea a lui Greenberg, care a devenit un gigant al scenei artistice americane și a preluat posturi de conferențiar la Black Mountain College, Yale University, Bennington College și Princeton University, unde a avut o influență marcantă asupra următoarei generații de gânditori creativi.

Criza tabloului de șevalet

Câteva eseuri publicate în anii 1940 i-au permis lui Greenberg să își extindă argumentele în favoarea importanței picturii abstracte, printre care Abstract Art, publicat în 1944, și The Crisis of the Easel Picture, 1948. În acest din urmă text, el a introdus conceptul radical și influent al tabloului „all-over”, descriind o tendință aplatizată și repetitivă în arta americană, așa cum a fost practicată de Jackson Pollock, Lee Krasner și Barnett Newman, ca o „pictură descentralizată, polifonică, all-over”, care se topea în „textură pură, senzație pură”. El a susținut, de asemenea, că pictura „all-over” a apărut ca o reacție logică la o societate industrializată, capitalistă, în care „toate distincțiile ierarhice au fost epuizate… nicio zonă sau ordine a experienței nu este intrinsec sau relativ superioară alteia”.

Greenberg versus Tate, 1961. Rosenberg

Unul dintre cei mai mari rivali ai lui Clement Greenberg a fost colegul său, criticul de artă Harold Rosenberg; se zvonește că uneori era cât pe ce să sfârșească în cătușe în timpul dezbaterilor lor zgomotoase. Deși existau multe suprapuneri între ideile lor, Rosenberg a lăudat ceea ce el numea „Action Painting”, un filon al abstracției bazat pe gesturi energice, performative, așa cum au practicat Jackson Pollock, Franz Kline și Arshile Gorky. Rosenberg a susținut, de asemenea, diverși artiști expresioniști abstracți care au readus elemente figurative sau narative în picturile lor libere și expresive, cum ar fi Willem de Kooning și Philip Guston.

În schimb, Greenberg și-a impus sprijinul pentru un stil de abstracție mai pur, mai curat, respingând în mod activ ultimele studii figurative ale lui de Kooning. În schimb, el și-a îndreptat sprijinul către pictorii Școlii de culoare de la Washington, cum ar fi Barnett Newman, Kenneth Nolan și Anne Truitt, care practicau un limbaj minimalist, bazat pe senzațiile optice ale modelelor de culori plate. În eseul său American-Type Painting, 1955, Greenberg a susținut că această nouă școală de pictori conducea o evoluție naturală către adevărata artă modernistă.

Pictura modernistă

Pe măsură ce ideile lui Clement Greenberg s-au dezvoltat, acestea au devenit din ce în ce mai polarizate și extreme. Când au început să apară stilurile kitsch, Pop Art cu mai multe straturi și Neo Dada prin intermediul artiștilor newyorkezi Robert Rauschenberg și Jasper Johns, Greenberg a ripostat și mai dur. El a combătut cu vehemență argumentul său conform căruia pictura modernistă trebuie să fie un proces de reducere care să o disocieze de alte medii sau metode. De asemenea, a afirmat că abstracția era o evoluție logică și necesară în arta modernă, care a dezbrăcat arta până la esența sa cea mai pură și distilată, pe care a descris-o ca fiind progresia naturală a formalismului, o teorie prezentată pentru prima dată de criticul de artă Roger Fry la începutul secolului XX.

Aceste idei au fost exemplificate în cel mai emblematic eseu al lui Greenberg, Modernist Painting, 1961. El a susținut că pictura ar trebui să fie o activitate în cele din urmă „pură”, respingând orice formă de referință la lumea exterioară, inclusiv expresia emoțională, iluzionismul sau orice „spațiu pe care îl pot locui obiecte recognoscibile”. Greenberg a continuat să explice cum o pictură ar trebui să fie în întregime autoreferențială, raportându-se doar la ea însăși și fără alte referințe exterioare la lumea reală sau la orice alt mediu artistic, cum ar fi sculptura sau desenul.

Abstracția post-picturală

Chiar dacă erau extreme, ideile lui Clement Greenberg reflectau spiritul vremii și au avut o influență marcantă asupra principalelor evoluții artistice ale anilor 1960. Picturile simplificate și saturate Colour Field ale lui Helen Frankenthaler, Morris Louis și Jules Olitski sunt astăzi sinonime cu ideile lui Greenberg, definind apogeul epocii moderniste cu o atitudine necruțător de strictă și analitică față de formă, culoare, textură, scară și compoziție. Greenberg a curatoriat o expoziție intitulată Post-Painterly Abstraction în 1964 la Los Angeles County Museum of Art, care a inclus lucrări de treizeci și unu de artiști diferiți; aceasta a avut un succes atât de mare încât Post Painterly Abstraction este acum recunoscută ca o mișcare de sine stătătoare.

Influență asupra criticii de artă

Potrivit atât propriilor sale idei despre formalism, cât și teoriilor filosofului german din secolul al XVIII-lea Immanuel Kant, Greenberg a susținut în Modernist Painting un nou mod obiectiv de a vedea arta. El credea că arta ar trebui să fie privită și să se scrie despre ea într-o manieră complet detașată, observând doar proprietățile fizice ale obiectului în sine. Aceste idei au avut o influență profundă asupra unei noi generații de critici de artă moderniști care au devenit cunoscuți sub numele de „Școala lui Greenberg”, printre care Rosalind Krauss, Michael Fried și Barbara Rose, fiecare dintre ei adoptând o abordare analitică similară atunci când disecă o operă de artă.

The Backlash Against Clement Greenberg

Până la mijlocul anilor 1960, artiștii și criticii depășeau deja extremitățile ideilor lui Clement Greenberg. Mulți vedeau punctul său de vedere ca fiind prea polarizat și dogmatic, în timp ce eliminarea iluzionismului, a narațiunii și a emoției în pictură întorsese mediul într-un colț, fără a mai avea unde să meargă. Și, așa cum criticul de artă Rosalind Krauss a ajuns să realizeze, simplificarea excesivă a artei moderniste și formaliste a lui Greenberg a eradicat o mare parte din idiosincrasiile și iraționalitățile vieții. Școlile disruptive de Pop Art și Fluxus care au apărut în urma lui Greenberg au readus multe dintre diversitățile complexe ale vieții obișnuite în practicile artistice de-a lungul anilor 1960 și 1970, zdruncinând o mare parte din ceea ce Greenberg susținuse cu atâta vehemență.

Deși reacția de respingere a ideilor lui Greenberg în jurul modernismului pur și a formalismului a continuat timp de mai multe generații, accentul pus de el pe autoreferențialitate și pe materialitatea obiectelor de artă este o atitudine care persistă și astăzi. Mulți dintre cei mai experimentali și mai incitanți pictori contemporani de astăzi au în minte o conștientizare a unui tablou ca obiect fizic, chiar dacă acum l-au inundat cu referințe la viața modernă, așa cum demonstrează arta lui Callum Innes, Tomma Abts, Fiona Rae și Peter Doig.

În timp ce viziunea oarecum simplificată a lui Greenberg asupra istoriei artei ca un marș singular spre abstractizare a fost în mare parte rescrisă astăzi, argumentul său potrivit căruia ar trebui să vedem tablourile doar ca atare în primul rând, fără să le raportăm la nimic altceva, este o atitudine care persistă și astăzi și colorează modul în care atât de mulți dintre noi privesc arta, în special credința sa în artă ca o experiență unică care este „imposibil de obținut din orice altă sursă.”

.