Entrevista de Veronica Roberts & Jane Panetta
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Orly Genger constrói pilhas, paredes, e mesmo quartos inteiros fora da corda, criando grandes esculturas espalhadas que habilmente comanda tanto espaços interiores como exteriores. Através do seu uso recorrente de corda grossa, escolhas de cores extremas e o que pode ser descrito como instalações agressivas, Genger é um escultor interessado em remodelar o espaço e engajar ativamente o espectador. No quadro de avisos do seu estúdio Greenpoint estão fotografias de trabalhos de Richard Serra, Frank Stella, Felix Gonzalez-Torres, e Lynda Benglis. Não é surpreendente, dada a sua prática, que ela olhe atentamente para este grupo de artistas, todos eles ou são grandes praticantes do Minimalismo ou artistas que responderam directamente a essa tradição.
Mas talvez mais intrigantes são as fotografias de fisiculturistas gravadas em várias paredes ao longo do seu estúdio. Para Genger, a fisicalidade da escultura é primordial não só para o seu processo, mas também para as experiências que ela cria. Enquanto grande parte da corda que ela usa é redireccionada do desporto da escalada em rocha, Genger gosta do seu envolvimento intensamente exigente com o material para a luta livre. Para se preparar para as instalações, Genger amarra sua corda em nós à mão, uma tarefa árdua e repetitiva. Uma vez no local, ela ainda luta com o seu material para coaxá-lo em acumulações maciças que se assemelham a tudo, desde plintos e vigas até fluxos de lava derretida. Ela então deixa o trabalho para o público navegar em experiências que muitas vezes são física e psicologicamente envolventes devido à forma como as instalações ocupam e muitas vezes obstruem o espaço. Mas a seriedade dos seus projectos não minimiza a medida em que ela também incorpora um humor lúdico em muitas das suas obras: para Genger esta torna-se mais uma forma de se ligar e surpreender o espectador.
Quando visitámos Genger este Inverno, ela estava ocupada a preparar a exposição, “Mundo Material”: Sculpture to Environment” na MASS MoCA em North Adams, Massachusetts (em vista 24 de abril de 2010 até 27 de fevereiro de 2011), que apresentará seu maior e mais ambicioso trabalho até hoje.
>(foto cortesia de peggy ann)
Veronica Roberts: Gostaríamos de começar por lhe perguntar sobre o trabalho que está a fazer para o próximo espectáculo MASS MoCA. Poderia descrevê-lo um pouco?
ORLY GENGER: Estou trabalhando em uma instalação usando uma corda que eu faço à mão e pinto. Essencialmente, ela será composta de duas partes que formarão um único todo. A primeira parte – ou o que o espectador provavelmente encontrará primeiro – é uma parede que vai do chão ao tecto e que corre de lado a lado, feita de centenas de camadas de corda com nós. Numa extremidade, a parede dará lugar a uma abertura que deixará o material despejar na sala ao lado, criando um ambiente amorfo onde o material toma conta, criando uma paisagem avassaladora.
Vejo a primeira sala como uma espécie de objecto contido: algo que ficamos a olhar e que está muito separado de nós. E então a segunda sala é algo que nos envolve muito – temos de decidir em que ponto estamos nela. Portanto, ela lida com ambos os aspectos de como olhamos para a arte: um é que olhamos para a arte como se fosse outra coisa, num pedestal; o outro quarto é algo do qual nos tornamos parte e sabemos disso porque estamos nele. Estas são duas formas diferentes de entender a escultura. Eu tenho lidado com ambas separadamente. Esta é a primeira vez que as estou combinando em uma escultura.
Jane Panetta: Gostaria de lhe perguntar sobre a sua escolha de cor para este trabalho e sobre as suas escolhas de cor em geral. Parece que são muitas vezes bastante extremas – quer sejam todas pretas, uma ausência de cor – quer sejam cores eléctricas. Você pode elaborar sobre essas escolhas?
GENGER: O trabalho MASS MoCA é o primeiro trabalho todo vermelho que eu fiz. Estou usando esta rara cor vermelha chamada “Pyrazo Quinazo” e estou tentando usar esta cor como um objeto, talvez tanto quanto o próprio objeto físico. Esperemos que seja uma cor que se intrometa em você, como o espaço pode, e idealmente, deve criar uma reação física intensa, que é o que eu tento fazer com a fisicalidade da própria escultura. Minha idéia inicial era ter uma cor que fosse tão poderosa que quando você olha para longe, você vê outra cor. Então, o vermelho na verdade torna-se um objeto que toma conta do espaço, não é apenas uma superfície. Ele assume um papel ativo e agressivo.
(cortesia de larissa goldston gallery)
GENGER: Quanto às escolhas de cor que fiz no passado, no início, eu estava apenas usando as cores brilhantes originais da corda e não pintando-a. Há uma beleza natural na cor deste material tingido, como no Mr. Softy do Museu de Arte Contemporânea Aldrich. Eu ainda não estava focando na cor na época; eu estava apenas focando no processo. Quando comecei a usar cores vivas, era para peças ao ar livre como o Puzzlejuice, instalado no Riverside Park, em Nova York. Os trabalhos ao ar livre são muito diferentes dos trabalhos em interiores. Raramente se consegue ver cores em esculturas ao ar livre, e eu senti que não havia nada de errado em ser acessível, especialmente num espaço público.
No Museu de Arte de Indianápolis, era importante que as peças fossem de preto sólido. Eu estava tentando imitar a aparência do aço, que é pesado. E eu estava tentando me divertir com a maneira como muitos artistas masculinos nos anos 60 e 70 fariam os mesmos cubos ou blocos ou monólitos com aço, tentando esconder sua mão artística atrás de fachadas frias e estóicas.
Roberts: Você pode falar sobre o tipo de corda que você está usando para seu projeto MASS MoCA e onde você a encontrou?
GENGER: Por muito tempo, eu tenho usado corda de escalada porque é muito durável, mas eu precisava de tanta corda para este projeto, e nós simplesmente não tínhamos um orçamento para a corda de escalada. A MASS MoCA é muito engenhosa, e eles descobriram esta enorme recordação de corda de lagosta no Maine que poderíamos ter acesso de graça. Era literalmente montanhas de corda dez vezes o tamanho desta sala. Então, Susan Cross, a curadora, e seu colega Dante Birch foram até o Maine e escolheram corda à mão para mim. A decisão de usar este material nasceu realmente da necessidade; eu nunca diria: “Eu quero trabalhar com corda de lagosta”. Mesmo para a corda de escalada, não é como eu disse: “Quero trabalhar com material de escalada”. Eu tento pegar no meu material e neutralizá-lo, e tento não ficar atolado na sua história. Tento tratá-lo da mesma forma que trataria o aço ou o tijolo, algo que consideraríamos mais neutro, ao contrário de dar uma segunda vida a um objeto.
(foto cortesia de peggy ann)
Roberts: Ao olhar para a corda, parece-me que as formas como a usa parecem ter menos a ver com a sua história como material e mais com as suas propriedades e capacidades. Você não parece ter a intenção de transcender o material como muitos artistas fazem.
GENGER: Certo, meu trabalho não é sobre transcendência. Eu realmente entro no que eu chamo de luta-livre com o material. Brinco com o que ele pode fazer naturalmente, tento resistir ao que ele faz naturalmente, e tento empurrar e tirar proveito dele de algumas maneiras. Isso é mais do que me interessa.
Roberts: Alguns trabalhos, Mr. Softy e Puzzlejuice, por exemplo, quase parecem um tecido de malha ou croché. Há algum interesse em tricotar ou fazer têxteis para si?
GENGER: Odeio todas estas associações. Eu não me relaciono com nenhuma delas. Associo-me mais ao aço do que ao croché. Eu simplesmente não vejo isso como uma espécie de material de malha. Vejo-o como um tipo de material para construir. É em uma escala tão diferente. Eu gostaria que meu trabalho pudesse transcender totalmente essas associações e encontrar um lugar em algum lugar entre aço e tecido, ou ser associado mais com aço do que com tecido.
(cortesia de larissa goldston gallery)
Roberts: Voltando ao seu trabalho MASS MoCA uma última vez, queria perguntar-lhe sobre as ligações que sente que o seu trabalho tem com paisagens. Acho interessante que a maneira como você descreve o material muitas vezes parece ligado à paisagem. Você fala de canyons de corda, da forma como o muro da MASS MoCA se dissolve de forma orgânica…
GENGER: Eu estou sempre interessado em opostos. O aço para mim representa a permanência. Paisagem eu vejo mais preocupado com o movimento. É provavelmente por isso que eu falo de ambos. Eu estou fixado no que se passa entre os dois. A permanência do aço combinado com a flexibilidade do movimento. E ter tudo isso num só mundo, num só objecto, porque normalmente não o faz, atrai-me mesmo.
Panetta: Quanto do trabalho da MASSA MoCA determinou com antecedência, e quanto do trabalho vai chegar quando montar o trabalho no local?
GENERA: Os desenhos preparatórios que fiz para o trabalho da MASSA MoCA são anormais para mim. Eu não costumo fazer desenhos para esculturas. Normalmente meus desenhos são trabalhos independentes que informam a escultura, mas não são desenhos preparatórios. Na verdade odeio planear – faz-me sentir confinado. Eu tinha que fazer isso nesta situação. Muitas decisões precisavam ser tomadas com antecedência para um projeto desta escala. Acho que uma das partes mais difíceis do trabalho que faço é ficar com a ideia inicial. Durante vários meses suas idéias crescem e mudam, mas você ainda tem que ficar com aquela visão que você teve aquela semana, aquele mês. Acho que isso é uma das coisas mais desafiadoras com peças em grande escala. Mas há sempre um elemento de espontaneidade e surpresa ao finalmente instalar uma obra nesta escala, que é a parte excitante.
Roberts: Quando Jane e eu estivemos pela última vez aqui no seu estúdio, tivemos a oportunidade de levantar a corda que você está usando para o projeto MASS MoCA. Até tocá-lo, acho que não apreciamos muito o peso deste material, seja corda de lagosta ou corda de escalada. Pode falar um pouco sobre a fisicalidade do seu processo?
GENGER: A fisicalidade tornou-se uma grande parte do trabalho. Eu acredito em trabalhar o teu rabo. Eu diria até que a quantidade de esforço e suor que eu coloco no trabalho é tudo. O trabalho vem do trabalho, mesmo do mau trabalho.
(cortesia de larissa Goldston gallery)
Panetta: A última vez que nos conhecemos, você mencionou que gostava de ter um dia inteiro de trabalho. Isso realmente deixou uma impressão em mim. E para continuar sobre este tema e a importância da experiência física de certos trabalhos, estou pensando em MASSPEAK em particular – o que você pensa sobre a forma como essa peça convida o espectador a passar por uma espécie de experiência física também?
GENGER: Eu não estava pensando conscientemente sobre isso inicialmente, mas as pessoas me disseram isso, então agora eu começo a ver isso. O meu trabalho pede às pessoas para trabalhar, e há definitivamente uma interacção física com o trabalho. Não é o mesmo para todos, mas quero que o espectador esteja envolvido – física e psicologicamente.
Roberts: Pode descrever um pouco o MASSPEAK?
GENGER: MASSPEAK foi a primeira instalação de sala real que eu fiz. Foi na Larissa Goldston Gallery, em Nova Iorque. Eu basicamente enchi a galeria inteira com uma corda com nós. Na primeira sala, fiz dois desfiladeiros que você andou entre eles. E depois, na segunda sala, foste confrontado com uma onda de corda a sair da sala e na tua direcção. Ele ultrapassou completamente o espaço de uma forma que controlava onde você caminhava e como você via e experimentava a peça.
>(cortesia de larissa goldston gallery)
GENGER: Uma das coisas que eu quero destacar é que eu sei que simplesmente encher uma sala com qualquer coisa é interessante. E há um perigo nisso. Pegue qualquer coisa e encha uma sala com ela, e você tem uma instalação. O que eu estou tentando fazer – e estamos voltando ao jogo de luta livre – é pegar um material e empurrar ou aproveitar suas limitações e inclinações para criar algo novo. Eu não vou comprar um milhão de coisas numa loja e colocá-las numa sala. Estou a construir.
Panetta: O vosso trabalho é muito mais empenhado do que isso. Primeiro, você está lutando com o material. Depois, o material, de certa forma, é a luta pelo espaço.
GENGER: Gosto disso – a ideia de escultura a lutar pelo espaço. É isso que ela faz. E é transparente. Com a corda, é tudo visível. De certa forma, eu quase compararia o trabalho à performance porque o processo é tão visível e porque o meu trabalho está tão ligado à ação. Às vezes eu faço peças de performance, mas também acho que algumas das minhas esculturas, por causa de como são feitas, são quase como os restos de uma performance.
Roberts: Jane e eu achamos seus títulos intrigantes, especialmente os títulos de uma palavra que você usa frequentemente, como Puzzlejuice, MASSPEAK, Posedown, e Reg. Você pode explicar de onde estes vêm?
GENGER: Eu normalmente sinto que esculturas enormes devem ter títulos curtos e esculturas pequenas devem ter títulos mais longos, apenas para equilibrar as coisas. (Embora eu possa estar quebrando minha própria regra com esta nova peça.) MASSPEAK é uma palavra inventada em inglês. Em hebraico, MASSPEAK significa “bastante”. MASSPEAK era uma sala dividida em dois desfiladeiros esmagadores, e era uma peça muito pessoal para mim. Na altura, os meus pais estavam a passar por um dos piores divórcios do mundo. As pessoas não precisavam saber disso, mas tratava de uma massa, de um pico, mas para mim, também se relacionava com aquela tradução de “basta”. Por isso, era um título muito significativo para mim. “Posedown” é na verdade um termo, um grande termo, usado em competições de musculação. No final de uma competição, é um posedown – todos os concorrentes começam a posar, e os juízes julgam as poses em um sistema de pontos. Eu gostei da ideia de ter uma sala cheia de esculturas que tentavam se superar umas às outras.
Panetta: Voltando ao Sr. Softy e a esta ideia do performativo, podemos falar um pouco sobre o que veio primeiro? Quando você inicialmente concebeu a obra, imaginou que seria tanto uma instalação escultórica quanto um site de performance?
GENGER: Eu fiz a peça primeiro e depois pensei em fazer a performance. Esta era uma instalação horizontal, e ela estava diretamente no chão; a horizontal é muito feminina para mim. Comecei a pensar na armadura, na estrutura e no que quer que estivesse sentado. De alguma forma, a peça agiu como um objeto muito passivo que simplesmente tomou a forma do chão em que repousava. Eu queria fazer a peça animada, fazer com que ela ganhasse vida. Rastejar por baixo era uma forma de se tornar a armadura para a obra. Em essência, estou tentando entender melhor a escultura; uma forma de nos relacionarmos com a escultura é tentando nos imaginar no centro da obra, como as armaduras. É assim que entendemos como as coisas são feitas, como as coisas se sustentam: rastejando por baixo e sendo um participante mais ativo no seu ser, em vez de simplesmente deixá-lo ali.
Quando trabalho com um material, estou sempre tentando descobrir como entrar nele. A primeira vez que fui convidado a criar uma impressão, não sabia nada sobre isso, mas sabia que havia uma imprensa, e me perguntava se poderia colocar meu corpo através da imprensa. A impressora disse: “não, você não pode fazer isso!”
Panetta: Eu estava curioso sobre sua inclusão dos fãs no Reg Versus Fans. Você já usou objetos prontos antes nas instalações?
GENGER: É raro para mim usar um objeto pronto no meu trabalho. Eu queria usar os fãs porque eu estava pensando em quietude versus movimento e me perguntava como mostrar o peso e a permanência de algo. Podias ter fãs ou vento a soprar na peça para sempre, e mesmo assim não se mexia. Toda a sala estava cercada por este ar circulante, mas o objeto ficou ali, completamente parado.
Panetta: Também, quando entrei na Larissa Goldston Gallery para ver Reg Versus Fans, fui atingido pelo odor da escultura. Foi intencional este “assalto físico” da sua parte?
GENGER: Foi bom que tenha acontecido. Eu realmente não pensei nisso porque era realmente verdade como era o meu estúdio. Por isso não o planeei, mas foi um bónus maravilhoso. Uma idéia que eu quero fazer em algum momento é fazer uma peça que realmente transpire. Não sei como fazer isso sem ser mais “high-tech”, mas é algo que já está cozinhando na minha cabeça há algum tempo. Eu penso em fazer uma obra e na possibilidade de que ela possa realmente suar.
Roberts: Eu adoro esta ideia.