How Clement Greenberg Shaped Modernist Art

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Newfoundland by Helen Frankenthaler, 1975, Private Collection

Renowned art critic Clement Greenberg foi uma das vozes mais influentes e respeitadas do século XX. Conhecido hoje como a “voz da arte americana”, sua ousada e franca celebração da arte abstrata americana nos anos 1940 e 1950 transformou artistas como Jackson Pollock, Willem de Kooning e Barnett Newman em nomes familiares. Acreditando que a arte deve ser destilada em suas propriedades mais puras, simples e poéticas de linha, cor e superfície plana, as idéias de Greenberg influenciaram toda uma geração, levando-os a criar algumas das obras de arte mais icônicas de todos os tempos. “O modernismo”, escreveu ele, “usou a arte para chamar a atenção para a arte”.”

Clement Greenberg’s Early Ideas

clement greenberg portrait
Clement Greenberg, 1982, The Art Newspaper

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Nascido no Bronx para imigrantes judeus-lituanos, Clement Greenberg estudou Literatura Inglesa na Universidade de Syracuse. Depois de se formar, ele se afastou dos empregos antes de encontrar seu caminho para o grupo de escritores e críticos que se autodenominavam os intelectuais de Nova York, incluindo Susan Sontag e Harold Rosenberg. Muitos eram judeus e defensores da política de esquerda, integrando a teoria literária com as crenças marxistas, mas rejeitaram Stalin, inclinando-se em vez disso para as idéias liberalistas do trotskismo.

Muitas das idéias de Greenberg vieram inicialmente de Karl Marx, particularmente a crença de que a arte abstrata de vanguarda era um movimento ousado e revolucionário para longe dos regimes políticos opressivos liderados pelos nazistas ou comunistas. Outra grande influência nas idéias de Greenberg foi o artista e educador alemão Hans Hofmann. Em 1938 e 1939 Greenberg foi a várias palestras de Hoffmann que enfatizaram a importância de um entendimento “formal” na arte, onde cor, linha, superfície e a relação entre planos sobre uma superfície plana eram considerados mais importantes do que o conteúdo figurativo ou literário.

Celebrating the Avant-Garde

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Lava de Hans Hoffman, 1960, Coleção Privada

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Much of Clement Greenberg’s early critical writing appeared in New York’s liberal Partisan Review, e foi fortemente influenciado pelas idéias de Hans Hoffmann. Foi na Partisan Review que Greenberg publicou o primeiro de seus ensaios mais influentes, intitulado Avant-Garde e Kitsch, 1939, que formou a base para muitas de suas idéias futuras.

No ensaio, Greenberg argumenta que a arte vanguardista do início do século 20 era “a única cultura viva” ainda existente, enquanto o surgimento do “kitsch”, material popular ou produzido em massa era uma grande ameaça à sua existência. Argumentando que a imagem “kitsch” era um subproduto da sociedade industrializada pirosa e barata, ele afirmou fortemente que tanto a arte quanto a literatura deveriam oferecer um caminho para uma verdade superior além dessa linguagem “rebaixada”. Esta crença na importância da sociedade para uma arte “alta” de vanguarda focada no processo e experimentação foi fundamental em todas as idéias de Greenberg sobre arte, vindo a informar seus futuros ensaios sobre teoria e prática da arte.

A Newer Laocoon

Após um ano, Clement Greenberg publicou o segundo de seus ensaios de importância instrumental: Towards a Newer Laocoon, 1940. O texto era uma continuação do famoso artigo de Gotthold Lessing, Laocoon: An Essay Upon the Limits of Painting and Poetry, publicado em 1766. Lessing tinha começado a fazer distinções entre diferentes meios artísticos incluindo poesia, pintura e escultura, argumentando como cada um tinha a sua própria linguagem de desenvolvimento distinta que deveríamos reconhecer e apreciar.

Construindo o ensaio de Lessing, as idéias de Greenberg delinearam uma fundamentação histórica descrevendo de onde vieram as origens da pintura moderna e para onde ela se dirigia agora. Ele argumentou que a pintura vinha crescendo cada vez mais aplainada desde os tempos históricos, indo além da narrativa ou do conteúdo literário em direção a uma ênfase no padrão abstrato e na superfície, escrevendo: “Mas o mais importante de tudo, o plano do quadro cresce cada vez mais raso, achatando e pressionando juntos os planos fictícios de profundidade até que eles se encontrem como um sobre o plano real e material que é a superfície real da tela”.”

Expressionismo abstrato

Ilhas amarelas Jackson pollock
Ilhas amarelas de Jackson Pollock, 1952, Tate

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Atrás da década de 1940 Clement Greenberg estabeleceu-se na área de Greenwich Village, em Nova Iorque, onde trabalhou como editor da Partisan Review, editor associado da Commentary Magazine e crítico da The Nation. Ele foi um dos primeiros a identificar e defender o trabalho da crescente escola Abstract Expressionist, incluindo Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell e David Smith e através de sua escrita as carreiras destes artistas foram lançadas em um holofote internacional. À medida que suas carreiras cresceram, Greenberg também cresceu e ele se tornou um gigante no cenário artístico americano, assumindo cargos de professor no Black Mountain College, na Universidade de Yale, no Bennington College e na Universidade de Princeton, onde teve uma influência marcante sobre a próxima geração de pensadores criativos.

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sem título B de Robert Motherwell, 1970, Tate

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A Crise do Quadro do Easel Picture

Ensaiagens universais publicadas durante a década de 1940 permitiram a Greenberg expandir seu argumento sobre a importância da pintura abstrata, incluindo Abstract Art, publicado em 1944, e The Crisis of the Easel Picture, 1948. Neste último texto, ele introduziu o conceito radical e influente do quadro “all-over”, descrevendo uma tendência achatada e repetitiva na arte americana, como praticada por Jackson Pollock, Lee Krasner e Barnett Newman, como uma “pintura descentralizada, polifônica, all-over”, que se fundiu em “pura textura, pura sensação”. Ele também argumentou que a pintura “all-over” tinha surgido como uma reação lógica a uma sociedade industrializada, capitalista, na qual “todas as distinções hierárquicas foram esgotadas … nenhuma área ou ordem de experiência é intrinsecamente ou relativamente superior a qualquer outra”.

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Gothic Landscape de Lee Krasner, 1961, Tate

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Greenberg vs. Rosenberg

Um dos maiores rivais de Clement Greenberg foi seu colega crítico de arte Harold Rosenberg; corre o boato de que às vezes eles quase acabaram algemados durante seus raucosos debates. Embora houvesse muitas sobreposições entre suas idéias, Rosenberg elogiou o que ele chamou de “Pintura de Ação”, uma linha de abstração baseada em gestos energizados e performáticos como praticados por Jackson Pollock, Franz Kline e Arshile Gorky. Rosenberg também apoiou vários artistas expressionistas abstratos que tinham trazido elementos figurativos ou narrativos de volta às suas pinturas livres e expressivas, como Willem de Kooning e Philip Guston.

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Woman by Willem de Kooning, 1952, Metropolitan Museum of Art

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Pelo contrário, Greenberg impulsionou o seu apoio a um estilo mais puro e limpo de abstracção, dispensando activamente os últimos estudos figurativos de Kooning. Em vez disso, ele mudou seu apoio para os pintores da Washington Colour School, como Barnett Newman, Kenneth Nolan e Anne Truitt, que praticaram uma linguagem pared-back, minimalista, baseada nas sensações ópticas dos padrões de cores lisas. Em seu ensaio American-Type Painting, 1955, Greenberg argumentou que esta nova escola de pintores estava liderando uma progressão natural para a verdadeira arte modernista.

Pintura Moderna

Como as ideias de Clement Greenberg se desenvolveram, elas tornaram-se cada vez mais polarizadas e extremas. Quando a ascensão dos estilos kitsch, Pop Art multicamadas e Neo Dada começou a emergir através dos artistas nova-iorquinos Robert Rauschenberg e Jasper Johns, Greenberg lutou ainda mais forte. Ele lutou com veemência contra o seu argumento de que a pintura modernista deve ser um processo de redução que a desenredou de outros meios ou métodos. Ele afirmou ainda que a abstracção era um desenvolvimento lógico e necessário na arte moderna que despojava a arte de volta à sua essência mais baça e destilada, que ele descreveu como a progressão natural para o Formalismo, uma teoria apresentada pela primeira vez pelo crítico de arte Roger Fry no início do século 20.

Estas ideias foram exemplificadas no mais icónico ensaio de Greenberg, Modernist Painting, 1961. Ele argumentou que a pintura deveria ser uma atividade em última análise ‘pura’, rejeitando qualquer forma de referência ao mundo exterior, incluindo expressão emocional, ilusionismo ou qualquer “espaço que objetos reconhecíveis possam habitar”. Greenberg continuou a explicar como uma pintura deve ser totalmente auto-referencial, apenas se relacionando consigo mesma e sem outras referências externas ao mundo real, ou a qualquer outro meio artístico, como a escultura ou o desenho.

Pós-Painterly Abstraction

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Eta de Morris Louis, 1961, Colecção Privada

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Apesar de serem extremas, as ideias de Clement Greenberg reflectiam o espírito da época e tinham uma influência marcante nos principais desenvolvimentos artísticos dos anos 60. As pinturas simplificadas e saturadas de Helen Frankenthaler, Morris Louis e Jules Olitski são hoje sinônimos das idéias de Greenberg, definindo o auge da era modernista com uma atitude implacavelmente rigorosa e analítica em relação à forma, cor, textura, escala e composição. Greenberg curou uma exposição intitulada Post-Painterly Abstraction em 1964 no Los Angeles County Museum of Art que incluiu trabalhos de trinta e um artistas diferentes; foi tão bem sucedida que Post Painterly Abstraction é agora reconhecida como um movimento por direito próprio.

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Arnolfini Baby! por Jules Olitski, 1964, Private Collection

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Influência na crítica de arte

Construindo tanto suas próprias idéias sobre o formalismo como as teorias do filósofo alemão do século XVIII Immanuel Kant, Greenberg argumentou na Pintura Modernista por uma nova e objetiva forma de ver a arte. Ele acreditava que a arte deveria ser vista e escrita sobre ela de uma maneira totalmente distinta, apenas observando as propriedades físicas do próprio objeto. Essas idéias tiveram uma profunda influência sobre uma nova geração de críticos de arte modernistas que ficaram conhecidos como a “Escola de Greenberg”, incluindo Rosalind Krauss, Michael Fried e Barbara Rose, cada um dos quais adotou uma abordagem analítica semelhante ao dissecar uma obra de arte.

The Backlash Against Clement Greenberg

Em meados dos anos 60, artistas e críticos já estavam indo além das extremidades das idéias de Clement Greenberg. Muitos viam o seu ponto de vista como demasiado polarizado e dogmático, enquanto o seu despojamento do ilusionismo, da narrativa e da emoção na pintura tinha encurralado o médium, sem ter para onde ir. E como a crítica de arte Rosalind Krauss veio a perceber, a simplificação excessiva da arte modernista e formalista de Greenberg erradicou muitas das idiossincrasias e irracionalidades da vida. As escolas perturbadoras de Pop Art e Fluxus que surgiram na esteira de Greenberg trouxeram muitas das complexas diversidades da vida comum de volta às práticas artísticas ao longo dos anos 60 e 70, abalando muito do que ele havia defendido tão veementemente.

>5705> pintura de emergência em sala de emergência de Fiona Raw, 1996, Royal Academy of Arts, Londres

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Embora o backlash contra as idéias de Greenberg em torno do puro modernismo e formalismo tenha continuado por várias gerações, a ênfase que ele colocou na auto-referencialidade e na materialidade dos objetos de arte é uma atitude que persiste até hoje. Muitos dos pintores contemporâneos mais experimentais e excitantes de hoje têm no fundo da sua mente a consciência de uma pintura como um objecto físico, mesmo que agora a tenham inundado com referências à vida moderna, como demonstrado na arte de Callum Innes, Tomma Abts, Fiona Rae, e Peter Doig.

Embora a visão algo simplificada de Greenberg da história da arte como uma marcha singular em direção à abstração tenha sido em grande parte reescrita hoje, seu argumento de que devemos ver as pinturas apenas como elas mesmas primeiro, sem relacioná-las a nada mais, é uma atitude que ainda permanece no fundo hoje e colore a maneira como muitos de nós vemos a arte, particularmente sua crença na arte como uma experiência única que é “inatingível de qualquer outra fonte”

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