Florencja i MantuaEdit

Muzyka Dafne zaginęła. Pierwsza opera, do której zachowała się muzyka, została wykonana w 1600 roku na ślubie Henryka IV Francuskiego i Marii Medycejskiej w Pałacu Pitti we Florencji. Opera, Eurydyka, z librettem Rinucciniego, do muzyki Periego i Giulio Cacciniego, opowiadała historię Orfeusza i Eurydyki. Styl śpiewu preferowany przez Periego i Cacciniego był wyostrzoną formą naturalnej mowy, dramatycznym recytatywem wspartym instrumentalną muzyką smyczkową. W ten sposób recytatyw poprzedził rozwój arii, choć szybko przyjął się zwyczaj włączania osobnych pieśni i instrumentalnych interludiów w okresach, gdy głosy milczały. Zarówno Dafne, jak i Eurydyka zawierały także chóry komentujące akcję na końcu każdego aktu na wzór tragedii greckiej. Temat Orfeusza, półboga muzyki, był, co zrozumiałe, popularny i przyciągnął Claudia Monteverdiego (1567-1643), który napisał swoją pierwszą operę, L’Orfeo (Bajka o Orfeuszu), w 1607 roku dla dworu w Mantui.

Monteverdi kładł nacisk na silny związek między słowami i muzyką. Kiedy Orfeusz był wykonywany w Mantui, orkiestra składająca się z 38 instrumentów, liczne chóry i recytatywy zostały użyte do stworzenia żywego dramatu. Była to wersja o wiele ambitniejsza od wcześniejszych – bardziej bogata, urozmaicona recytatywami, bardziej egzotyczna scenograficznie – z mocniejszymi kulminacjami muzycznymi, pozwalającymi w pełni wykorzystać wirtuozerię śpiewaków. W rękach Monteverdiego opera objawiła pierwsze stadium dojrzałości. L’Orfeo ma również zaszczyt być najwcześniejszą zachowaną operą, która do dziś jest regularnie wystawiana.

Opera w RzymieEdit

W ciągu kilku dekad opera rozprzestrzeniła się po całych Włoszech. W Rzymie znalazła orędownika w prałacie i libreciście Giulio Rospigliosi (późniejszym papieżu Klemensie IX). Mecenasami Rospigliosi byli Barberini.

Wśród kompozytorów, którzy pracowali w tym okresie byli Luigi Rossi, Michelangelo Rossi, Marco Marazzoli, Domenico i Virgilio Mazzocchi, Stefano Landi.

Od 1630 roku temat dzieł bardzo się zmienił: te z tradycji pastoralnej i Arkadii, wolą, że wiersze rycerskie, zwykle Ludovico Ariosto i Torquato Tasso, lub te wzięte z hagiografii i chrześcijańskiej commedia dell’arte.

Z zwiększoną liczbą znaków, opery rzymskie stały się bardzo dramatyczne, i miał kilka zwrotów. Wraz z nimi pojawiła się nowa metoda ustalania linii recytatywu, lepiej dostosowana do różnych sytuacji wynikających z bogatej fabuły i bliższa mowie, pełna nawiasów kosztem stylu parataktycznego, który tak charakteryzował pierwsze dzieła florenckie.

Wenecja: opera handlowaEdit

Głównymi cechami opery weneckiej były (1) większy nacisk na formalne arie; (2) początek stylu bel canto („piękny śpiew”) i większa uwaga na elegancję wokalną niż na ekspresję dramatyczną; (3) mniejsze wykorzystanie muzyki chóralnej i orkiestrowej; (4) złożone i nieprawdopodobne fabuły; (5) wyszukana maszyneria sceniczna; i (6) krótkie fanfarowe wstępy instrumentalne, prototypy późniejszej uwertury.

Opera obrała nowy, ważny kierunek, gdy dotarła do republiki weneckiej. To tutaj w 1637 roku Benedetto Ferrari i Francesco Manelli otworzyli pierwszą publiczną scenę operową, Teatro di San Cassiano. Jego sukces sprawił, że opera oddaliła się od arystokratycznego mecenatu i wkroczyła w świat komercji. W Wenecji dramat muzyczny nie był już skierowany do elity arystokratów i intelektualistów, ale nabrał charakteru rozrywkowego. Wkrótce w mieście powstało wiele innych teatrów operowych, które w okresie karnawału wystawiały dzieła dla płacącej publiczności. Aby zaoszczędzić pieniądze, opery zatrudniały bardzo małą orkiestrę. Duża część ich budżetu została wydana na przyciągnięcie gwiazd śpiewu dnia; to był początek panowania kastrata i primadonny (głównej damy).

Głównym kompozytorem wczesnej opery weneckiej był Monteverdi, który przeniósł się do republiki z Mantui w 1613 roku, z późniejszymi ważnymi kompozytorami, takimi jak Francesco Cavalli, Antonio Cesti, Antonio Sartorio i Giovanni Legrenzi. Monteverdi napisał trzy dzieła dla teatrów publicznych: Il ritorno d’Ulisse in patria (1640), Le nozze d’Enea con Lavinia (1641, obecnie zaginione) i, najbardziej znane, L’incoronazione di Poppea (1642). Tematy nowych oper Monteverdiego i innych czerpały na ogół z historii rzymskiej lub legend o Troi, by sławić heroiczne ideały i szlachetną genealogię państwa weneckiego. Nie brakowało w nich jednak wątków miłosnych czy komediowych. Większość oper składała się z trzech aktów, w przeciwieństwie do wcześniejszych oper, które zazwyczaj miały ich pięć. Większą część wersyfikacji nadal stanowiły recytatywy, jednak w momentach dużego napięcia dramatycznego często pojawiały się pasaże arioso, znane jako arie cavate. Pod rządami następców Monteverdiego różnica między recytatywem a arią stała się bardziej wyraźna i skonwencjonalizowana. Widać to wyraźnie w stylu czterech najbardziej utytułowanych kompozytorów następnego pokolenia: Francesco Cavalli, Giovanni Legrenzi, Antonio Cesti i Alessandro Stradella.

Rozprzestrzenianie się opery za granicąEdit

W Rzeczypospolitej Obojga Narodów tradycja produkcji operowych rozpoczęła się w Warszawie w 1628 roku, wraz z wystawieniem Galatei (kompozytor niepewny), pierwszej włoskiej opery wyprodukowanej poza granicami Włoch. Wkrótce po tym przedstawieniu na dworze wystawiono operę Franceski Caccini La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina, którą napisała dla księcia Władysława Wazy trzy lata wcześniej, gdy przebywał on we Włoszech. Jest to również pierwsza, najwcześniejsza zachowana opera napisana przez kobietę. W 1628 roku wystawiono również Gli amori di Aci e Galatea Santi Orlandi. Kiedy Władysław był królem (jako Władysław IV), nadzorował produkcję co najmniej dziesięciu oper pod koniec lat 30. i 40. XVI wieku, czyniąc z Warszawy centrum tej sztuki. Kompozytorzy tych oper nie są znani: mogli to być Polacy pracujący pod kierunkiem Marco Scacchiego w kaplicy królewskiej, mogli też należeć do Włochów sprowadzonych przez Władysława. W 1635 roku wystawiono dramma per musica (jak wówczas nazywano poważną operę włoską) zatytułowaną Giuditta, opartą na biblijnej historii Judyty. Kompozytorem był prawdopodobnie Virgilio Puccitelli.

Opery Cavalliego były wystawiane w całych Włoszech przez zespoły objazdowe z ogromnym powodzeniem. W rzeczywistości, jego Giasone był najpopularniejszą operą XVII wieku, choć niektórzy krytycy byli przerażeni jego mieszanką tragedii i farsy. Sława Cavalli’ego rozeszła się po całej Europie. Jedną z jego specjalności było dawanie swoim bohaterkom „lamentów basowych”. Były to żałobne arie śpiewane nad opadającą linią basu. Wywarły one wielki wpływ na Henry’ego Purcella, którego „When I am laid in earth” z Dydony i Eneasza jest prawdopodobnie najsłynniejszym przykładem tej formy. Reputacja Cavallego sprawiła, że kardynał Mazarin zaprosił go do Francji w 1660 roku, aby skomponował operę na ślub króla Ludwika XIV z Marią Teresą z Hiszpanii. Opera włoska była już wystawiana we Francji w latach czterdziestych XVI wieku i spotkała się z mieszanym przyjęciem, a zagraniczna wyprawa Cavalliego zakończyła się klęską. Francuska publiczność nie reaguje dobrze na wznowienie Xerse (1660) i specjalnie skomponowany Ercole amante (1662), woląc balety, które zostały wstawione między aktami przez florenckiego kompozytora, Jean-Baptiste Lully, a Cavalli przysiągł, że nigdy nie skomponuje innej opery.

Cesti miał więcej szczęścia, gdy został poproszony o napisanie opery dla dworu Habsburgów w Wiedniu w 1668 roku. Il pomo d’oro było tak wielkie, że przedstawienie musiało być rozłożone na dwa dni. Odniosła ogromny sukces i zapoczątkowała włoską dominację operową na północ od Alp. Pod koniec XVII wieku niemieccy i angielscy kompozytorzy próbowali ustanowić swoje własne rodzime tradycje, ale na początku XVIII wieku ustąpili pola importowanej operze włoskiej, która stała się międzynarodowym stylem w rękach kompozytorów takich jak Handel. Oparła się tylko Francja (a jej tradycja operowa została założona przez Włocha Lully’ego). To ustanowiło wzorzec aż do XIX wieku: tradycja włoska była tradycją międzynarodową, a jej czołowi przedstawiciele (np. Handel, Hasse, Gluck i Mozart) często nie byli rodowitymi Włochami. Kompozytorzy, którzy chcieli rozwijać swoje własne narodowe formy operowe, musieli na ogół walczyć z operą włoską. Tak więc, na początku XIX wieku, zarówno Carl Maria von Weber w Niemczech, jak i Hector Berlioz we Francji czuli, że muszą rzucić wyzwanie ogromnemu wpływowi włoskiego Rossiniego.