Emma Amos, een figuratieve schilderes die met haar visueel verleidelijke kunst racisme en privileges aan de kaak stelde, is op 83-jarige leeftijd overleden. Haar galerie, Ryan Lee, zei in een e-mail aankondiging dat Amos overleed in Bedford, New Hampshire, op 20 mei aan de ziekte van Alzheimer.
Gedurende haar carrière, Amos toonde een talent voor het vervaardigen van fantasierijke tableaus die aspecten van de kunstgeschiedenis, haar persoonlijke leven, en actuele gebeurtenissen vermengde, in het proces het aanbieden van beelden voor de leeftijden. Haar opvallende beelden doken in lastige onderwerpen die lelijke geschiedenissen van racisme, seksisme en klassenstrijd ontrolden – onderwerpen die Amos aansneed zelfs als ze wist dat ze een verplichting konden zijn. “Ja,” schreef ze in haar artist statement, “ras, sekse, klasse en machtsprivileges bestaan in de wereld van de kunst.”
Die gedachtegang breidde zich uit tot de manier waarop Amos naar het schilderen zelf keek. Kleur, een van de formele basisaspecten van de schilderkunst, kreeg in Amos’ ogen een politieke ondertoon. “Elke keer als ik aan kleur denk, is dat een politiek statement,” zei ze eens tegen kunsthistorica Lucy Lippard. “Het zou een luxe zijn om wit te zijn en er nooit over na te hoeven denken.”
In een van haar beroemdste werken, Flower Sniffer (1966), schildert Amos zichzelf in een grote witte cirkel met blauw aan de randen. Het oranje van haar hemd en het geel van haar bloemen mogen dan warm zijn, niets anders aan de afbeelding telt als hetzelfde. Het schilderij is opzettelijk wat scheef, en is bedoeld als kritiek op de traditie van de zelfportretten, waarbij Amos beduidend minder passief overkomt dan veel blanke vrouwelijke kunstenaars die zichzelf in de loop van de kunstgeschiedenis hebben afgebeeld.
Amos’s doeken hadden ook een speelse kant. Op de achtergrond van Sandy and Her Husband (1973), een teder beeld van een dansend man-en-vrouw duo in een huiskamer, verschijnt een call-back van Flower Sniffer. En in sommige van haar meest verbluffende schilderijen lijken circusartiesten, dieren en muziekinstrumenten door een leegte te tuimelen, alsof de regels van het perspectief niet van toepassing zijn.
Zoals veel zwarte vrouwelijke kunstenaars die in de jaren ’60 en ’70 werkten, werd Amos pas in een later stadium van haar carrière door grote musea erkend, deels dankzij het kritische succes van tentoonstellingen als “Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power” (georganiseerd door Tate Modern in Londen) en “We Wanted a Revolution: Black Radical Women, 1965-85” (georganiseerd door het Brooklyn Museum in New York). Toch neemt Amos een ongebruikelijke positie in onder haar collega’s, omdat ze betrokken was geweest bij een belangrijke groep zwarte kunstenaars die zelfs toen al pers kreeg.
Dat collectief was de kortstondige maar zeer invloedrijke groep die bekend stond als Spiral. Met Norman Lewis, Romare Bearden, en Hale Woodruff onder de leden, was Amos de enige vrouw die was uitgenodigd om lid te worden, omdat ze was binnengehaald door Woodruff, haar vroegere professor. (Amos probeerde ook Vivian Brown in de groep te lokken, maar zij beweerde dat het idee werd afgeschoten door de mannen om haar heen). Er was onenigheid tussen de kunstenaars van Spiral, die allemaal op zeer verschillende manieren werkten, over wat het begrip “zwarte kunst” zou kunnen betekenen. “Ik geloof niet dat er zoiets bestaat als een negerkunstenaar,” vertelde Amos aan ARTnews in een artikel over Spiral in 1966. “Waarom laten we geen blanken toe?”
Spiral werd opgericht in 1963 en kort daarna ontbonden. In 1965 organiseerde de groep “First Group Showing: Works in Black and White” in een gehuurde galerieruimte in New York – een eerste tentoonstelling die uiteindelijk de laatste zou zijn. Maar de invloed van Spiral is nog steeds groot. “Spiral heeft de Europees-Amerikaanse lijn van binnenuit veranderd en geëxplodeerd,” schreef critica Martha Schwendener in de Village Voice toen een overzicht van het Birmingham Museum of Art in Alabama naar het Studio Museum in Harlem in New York reisde.
Spiral was niet het enige radicale collectief waar Amos bij betrokken raakte. Gedurende een korte periode in de jaren ’70 was Amos redacteur bij Heresies, een belangrijk feministisch tijdschrift dat teksten publiceerde van kunstenaars als Howardena Pindell, Ana Mendieta, Adrian Piper, en Martha Rosler. “Ze dachten dat ik boterhammen met pindakaas zou maken en thee zou gaan halen, maar ik zat daar maar”, zei Amos in 2011 in een oral history. “Weet je, dat was ik niet van plan.”
Volgens de aankondiging van galerie Ryan Lee was Amos ook betrokken bij de Guerrilla Girls, een legendarisch feministisch collectief dat de vrouwenhaat van de kunstwereld heeft verscheurd door middel van protesten, geschriften en activistische kunstwerken. Omdat de Guerrilla Girls in het openbaar optreden met gorillamaskers, is de identiteit van de leden lang geheim gehouden. Amos liet haar betrokkenheid vaag en zei ooit: “Ik was lid van een zeer beroemde clandestiene vrouwengroep die ’s nachts werkte en nooit naar buiten ging zonder maskers op ons gezicht.”
Emma Amos werd in 1937 geboren in Atlanta, Georgia. Van jongs af aan had ze een voorliefde voor kunst en volgde lessen aan plaatselijke instellingen. Op 16-jarige leeftijd schreef ze zich in voor een B.A. programma aan het Antioch College in Yellow Springs, Ohio, waar ze haar kunstopleiding voortzette en later een jaar in het buitenland studeerde, o.a. in Londen. In 1960 verhuisde ze naar New York.
Na gewerkt te hebben als lerares op een middelbare school, vond Amos werk in het atelier van Dorothy Liebes, een textielontwerpster die hielp de praktijk van het weven te verheffen. Amos’ ervaringen met Liebes, voor wie ze tien jaar werkte, wekten een interesse in het ambacht die haar een groot deel van haar carrière bijbleef. In interviews vergeleek Amos schilderen met ambacht. “Zelfs het doek is voor mij textiel,” zei ze eens. Van 1977 tot 1978 was Amos medepresentatrice van de ambachtelijk georiënteerde tv-serie Show of Hands.
Tijdens de jaren ’80 begon Amos schilderijen te maken voor een serie die bekend staat als “Falling” met figuren die door enorme ruimtes naar beneden storten. “Ik hield van het idee dat als je door de lucht viel, dat er iemand zou zijn die je probeerde op te vangen of dat er iemand was die je vasthield, zodat er twee van jullie samen waren,” zei Amos. In een gedenkwaardig werk uit de serie valt Amos door een blauwachtige lucht terwijl ze een foto van haar moeder vasthoudt.
Na die serie maakte Amos werken die al haar interesses combineerden met haar ervaringen met textiel en prentkunst. (Ze was in de jaren ’70 betrokken geweest bij de drukkerij van kunstenaar Robert Blackburn). Impliciet in veel van deze werken was het gevoel dat Amos ontevreden was met de witheid van de kunstgeschiedenis. Voor Muse Picasso (1997) heeft ze een doek gevormd als een schilderskiel, met in het midden een afbeelding van Pablo Picasso en daaromheen rondellen met afbeeldingen van Afrikaanse maskers en haar eigen beeltenis. Rondom beide staan Afrikaanse stoffen en woorden als “meester” – een expliciete erkenning van de geschiedenis van racisme, kolonialisme en slavernij in Afrika die Picasso niet zag toen hij zich liet inspireren door maskers van het continent.
Zelfs in het laatste decennium had Amos minder erkenning gekregen dan ze verdiende. Het Studio Museum in Harlem organiseerde een overzicht in de jaren ’90, en Art in General in New York presenteerde een tentoonstelling die rondreisde. Maar weinig grote instellingen hadden interesse getoond in haar werk. “Ik word ’s morgens wakker en zeg: ‘Ik heb één werk in het Museum of Modern Art. Ik vraag me af of het daar nog steeds is. Ik vraag me af of ik uit de collectie ben gehaald,” zei ze. “En ik vraag me af hoe het komt dat er niemand is die weet wie ik ben.”
Dat werk in het MoMA is echter niet gedeaccessioneerd, en nu heeft het museum nog vijf andere werken van Amos. Andere instellingen die belangrijk werk van haar bezitten zijn onder meer het Cleveland Museum of Art, het Whitney Museum en het Brooklyn Museum, en een Amos-retrospectieve zal in 2021 worden geopend in het Georgia Museum of Art in Athens.