Immersive Theater
di Stephen M. Eckert

Il Contemporary Performance Think Tank si concentra su una serie di argomenti riguardanti il campo del teatro e della performance contemporanea e conduce ricerche e interviste per produrre un libro come risorsa per i professionisti. Il tema di quest’anno è quello degli artisti e delle compagnie contemporanee che ridefiniscono le relazioni con il pubblico e spingono le relazioni formali di architettura, artista e pubblico. Per questo libro il Think Tank ha scelto cinque aree all’avanguardia di questa ricerca da esplorare: coreografia contemporanea, Mixed Reality Performance, Performance Cabaret, Immersive Theatre e Social Engaged Art. Ogni sezione di questo libro include un’introduzione alla pratica specifica, una conversazione con un artista, e una lista di artisti che lavorano nella e intorno alla pratica specifica. “Che cos’è il teatro immersivo?” fa parte di una serie di post. Controlla ogni giorno per vedere i prossimi post.

In un’epoca di binge-watching, live-tweeting e Oculus Rift, come può il teatro competere come intrattenimento totalizzante? Forse è il nostro desiderio di essere più che spettatori – di essere risucchiati a capofitto in mondi alternativi – che ha alimentato il recente boom del teatro immersivo, che scambia la quarta parete per corridoi tortuosi e piste da ballo, nella speranza di dare al pubblico non uno spettacolo ma una “esperienza”. – Michael Schulman, The New Yorker1

Il teatro immersivo è una forma di performance che enfatizza l’importanza dello spazio e del design, curando ambienti tangibili e sensuali e concentrandosi sull’esperienza personale e individuale del pubblico.2 La forma è emersa negli ultimi due decenni come un movimento importante nella performance e si trova oggi in un momento di mainstream. Essendo una forma che sovverte molte delle relazioni stabilite del teatro convenzionale, il suo successo può essere visto come il riflesso di un bisogno più grande nel pubblico di oggi. Con gran parte della vita contemporanea che si svolge in spazi digitali e privi di terreno, il pubblico desidera esistere come corpi fisici in luoghi reali; presentato con una cultura bidimensionale, il pubblico di oggi cerca stimoli espansivi e viscerali; in una società priva di privacy, il pubblico trova attraente la prospettiva di un’esperienza intima e personale.3

Quando un pubblico entra in un teatro normale, sa cosa ottiene – poltrone, un programma, un gelato, un palco, due metà – e di conseguenza si accascia, spegnendo tre quarti del suo cervello. Ho voluto creare produzioni dove il pubblico è fisicamente presente, in modo che sia guidato da una base, da una sensazione viscerale e che prenda decisioni istintive. Quel tipo di spettacolo lascia un’impronta molto più grande su di te rispetto al semplice guardare qualcosa.
– Felix Barrett, Punchdrunk4

Le pratiche contemporanee di teatro immersivo possono essere viste come una fusione dell’arte installativa e dei teatri fisici e visivi del XX secolo. Elementi delle pratiche moderniste si riflettono nel lavoro contemporaneo, comprese considerazioni sul design scenografico, sul rapporto attore-pubblico e su stili di performance altamente fisici.5 Anche gli happening e il teatro ambientale degli anni Sessanta, con la loro composizione aperta, l’attenzione all’immediatezza e il riconoscimento dell’importanza della durata, prestano elementi alla forma immersiva di oggi6 , con le pratiche dell’installazione e della live art dagli anni Sessanta in poi che ispirano gran parte dell’estetica dell’intimità e dell’attenzione partecipativa che si osserva nel lavoro immersivo contemporaneo, ponendo lo spettatore all’interno dell’opera stessa, sovvertendo la distanza critica.7

Le compagnie che fanno teatro immersivo oggi sono molto interessate allo spazio fisico, con produzioni site-specific in magazzini, ospedali o nightclub comuni, e grande attenzione ai dettagli tangibili dell’ambiente. Le produzioni spesso traggono ispirazione dal luogo, o scelgono il luogo in base al soggetto dell’opera, ma la trasformazione di un non-teatro in uno spazio immersivo è ampiamente praticata.8 Questa connessione tra l’opera e il luogo, incorporando la drammaturgia dello spazio all’interno della produzione, è in molte compagnie un aspetto essenziale della loro pratica.

Lo spazio-che sia una pausa sospesa, un’area vuota, una stanza vuota o un cosmo senza limiti-esegue… è il fondamentale immateriale-materiale utilizzato dai designer che creano siti per la performance teatrale. Lo spazio è la materia degli architetti (che lo costruiscono) e degli scenografi (che lo astraggono); vissuto dagli abitanti (immersi in esso).
– Dorita Hannah, Performance Perspectives: A Critical Introduction9

Il teatro immersivo fornisce esperienze sensuali con il pubblico incoraggiato non solo a sentire e vedere una produzione, ma anche a toccarla, assaggiarla e annusarla. I disegni scenici consumano completamente i membri del pubblico con ogni aspetto ricercato e specificamente progettato e messo in atto.10,11 Cibo e bevande sono spesso presenti come parte dell’esperienza e le produzioni possono contenere opportunità di interagire fisicamente con gli elementi scenici.12,13 Il suono nella pratica immersiva si concentra analogamente sul radicamento e sulla tangibilità, cercando di collocare il pubblico all’interno dell’opera, di metterlo all’interno di un nuovo mondo.14 Questi elementi sono considerati con la stessa accuratezza dello spazio della performance e tutti sono similmente di supporto drammaturgico ai temi dell’opera.

“Alcune delle cose che la troupe e i collaboratori di Punchdrunk creano mi stupiscono ancora. Per Sleep No More abbiamo costruito una città chiamata Gallow Green, e uno dei nostri designer ha preso in giro questo vecchio orario ferroviario. È accurato e funzionante, ma l’ha adattato per includere Gallow Green tra le stazioni reali. È emblematico dell’esperienza Punchdrunk: 97 per cento meticolosamente reale, ma con minuscole e cruciali sovversioni per incasinarti la mente”. – Felix Barrett, Punchdrunk15

In questi spazi le performance possono essere dirette e lineari, progettate come un’esperienza su binari; oppure ambienti tentacolari che enfatizzano la scelta e l’esplorazione. In entrambi i casi l’esperienza del singolo membro del pubblico è il fulcro del lavoro. Il lavoro immersivo ha bisogno di un pubblico per esistere e molto di esso cerca di dare potere o sfidare il pubblico.16 Molte compagnie e artisti stanno creando lavori con relazioni individuali tra il pubblico e gli interpreti. I membri del pubblico possono essere separati dal gruppo e guidati da uno o più performer per tutta l’esperienza o per parte di essa, i performer possono fornire momenti di intimità ai partecipanti all’interno di un evento più grande, o l’intera esperienza può essere limitata a un partecipante alla volta. Il lavoro one-to-one può anche mettere in coppia i partecipanti tra loro, confondendo ulteriormente la linea tra pubblico e performer.17

Non si tratta solo di numeri ma molto di più del teatro dell’intimità… Penso che il pubblico voglia questo perché rimanda la sfida di creare significato e interpretazione ai membri del pubblico. È il modo in cui abbiamo sempre immaginato il mondo virtuale, ma è vivo. – Vallejo Gantner, PS12218

Fondato a Londra da Felix Barrett nel 2000, ma dopo essersi espanso a livello internazionale, Punchdrunk è stato il pioniere della forma immersiva contemporanea in cui gli spettatori in libertà vivono eventi drammatici su larga scala in spazi teatrali altamente dettagliati. Combinando testi canonici con performance fisiche, design scenografico sensuale e location site-specific, la compagnia sovverte l’aspettativa teatrale convenzionale di spettatori passivi.19 Queste produzioni sono un’esperienza fuori dai binari, con il pubblico incapace di vedere ogni elemento della scena, e costretto a scegliere quale personaggio o narrazione seguire o meno. Al pubblico viene anche chiesto di indossare maschere in stile veneziano per tutta la durata dell’evento, dando loro una funzione scenografica oltre a fornire un anonimato carnevalesco e un rilassamento delle tipiche regole sociali.

La produzione più recente della compagnia, The Drowned Man: A Hollywood Fable, ha occupato quattro piani di un ufficio di smistamento della Royal Mail chiuso da tempo, trasformando lo spazio nel fittizio studio cinematografico Temple Pictures. Con un’estetica dell’epoca d’oro di Hollywood e una narrazione tratta da elementi diversi come romanzi pulp, film noir, Ray Bradbury e Woyzeck, l’accoglienza della critica è stata molto positiva.20 Il progetto era anche una collaborazione con il National Theater, non la prima volta che la compagnia ha collaborato con un’entità più grande e affermata (The Crash of the Elysium era in coordinamento con la BBC, costruito intorno ai personaggi e ai mondi di Doctor Who21), ma rappresentava un ponte tra la vecchia guardia del teatro convenzionale e la nuova forma immersiva.

Punchdrunk è iniziato come un’idea che avevo con alcuni amici all’università. È nato dal desiderio di creare un lavoro in cui il pubblico è al centro dell’esperienza. Volevamo strapparlo dalla sicurezza delle tradizionali poltrone del teatro e metterlo al centro dell’azione, dotato di identità e scopo. – Felix Barrett, Punchdrunk22

Fondata anch’essa nel 2000 e guidata dai direttori artistici Zach Morris, Tom Pearson e Jennine Willett, Third Rail Projects mira a reinventare la danza e la performance, e a riunire l’arte e il pubblico attraverso diversi elementi di performance site-specific, teatro-danza, installazioni artistiche, progetti video e multimediali, e ambienti di performance immersivi.23 Third Rail considera molto i propri spazi mentre sviluppa il lavoro, con temi, strutture e scelte scenografiche direttamente ispirate dal sito della produzione. Morris descrive spesso l’importanza di “ascoltare” uno spazio.24 Sebbene siano di dimensioni simili, le installazioni immersive di Third Rail differiscono da quelle di Punchdrunk per l’attenzione al teatro-danza e per una direzione molto più guidata e su binari. Piuttosto che vagare liberamente, il pubblico procede da uno spazio all’altro in modo più lineare.

La produzione newyorkese di Then She Fell della Third Rail, una stravagante e surreale rivisitazione delle Avventure di Alice nel Paese delle Meraviglie montata in un ex istituto medico, è al suo quarto anno,25 mentre la loro mite esperienza di resort con fontana di giovani degli anni Settanta, The Grand Paradise, è stata acclamata sia a Los Angeles che a New York lo scorso anno.26 Entrambe le opere prevedono incontri individuali e sono state finanziate tramite crowdsourcing online. Learning Curve, sviluppato con l’Albany Park Theater Project in collaborazione con il Goodman Theater, colloca i partecipanti in una scuola superiore di Chicago ed è stato creato con la comunità locale di studenti, insegnanti e genitori.27Sweet & Lucky, commissionato dal Denver Center for the Performing Arts,28 ha invitato il pubblico in un misterioso negozio di antiquariato che conduce a una serata di incontri onirici intorno ai temi della memoria e della mortalità.29

Il nostro compito è, si spera, creare un mucchio di punti davvero interessanti. Ma il compito del pubblico è quello di collegare quei punti. E possono collegarli come vogliono. La cosa bella di questo tipo di teatro è che io uscirò da uno spettacolo e tu uscirai da uno spettacolo, e potremmo aver visto molti degli stessi punti, ma la mia immagine sarà molto diversa dalla tua. Ed è un po’ questo che è sorprendente. E un modo molto diverso di pensare alla narrazione. – Zach Morris, Third Rail Projects30

Fondata nel 2011 dal direttore artistico Annie Saunders, la compagnia californiana Wilderness prende il nome dagli spazi in disuso dove allestisce le sue produzioni site-specific. In questi luoghi inesplorati e disabitati, “creano eventi teatrali immersivi, esperienziali e interdisciplinari che sconvolgono i confini tra osservatore e osservato”. 31

La loro produzione del 2015 di The Day Shall DeclareIt è stata un’esperienza di teatro-danza guidata con un cast di tre performer, testi di Tennessee Williams e Studs Terkel, una serie di stanze che combinano “decorazioni dell’epoca della Grande Depressione con un’estetica industriale urbana contemporanea” e un design del suono ancora “più risonante di qualsiasi cosa sia pronunciata dal cast di tre persone.”32Antigone Project, un lavoro in fase di sviluppo che sarà in tournée nel 2017/18, è un “intimo duetto teatrale” che racconta il mito edipico “situato in un enorme fortino di coperte, nato dall’immaginazione di Antigone mentre è sepolta nella grotta” con lo scopo di creare “un’esplorazione ravvicinata e umana dell’eroina e del fratello che seppellisce.”33 L’opera è stata creata con il sostegno della Getty Villa, della San Francisco Playhouse e dell’Harvey Milk Center.

Quando sono arrivato a Los Angeles, Stavo cercando di capire cosa avrei fatto qui e andavo in giro e vedevo un sacco di spazi davvero intriganti, apparentemente abbandonati, specialmente in centro. E così ho deciso che volevo fare un lavoro che occupasse temporaneamente quegli spazi. Voglio dire, sentivo davvero di voler esplorare quegli edifici, e ho pensato che forse questo è il tipo di lavoro che voglio fare a Los Angeles, come invitare la gente in questi spazi e creare questi mondi temporanei. – Annie Saunders, Wilderness34

Artista tedesca residente nel Regno Unito che lavora con diversi mezzi tra cui arte visiva, film, installazione e performance, il lavoro di Britt Hatzius “si riferisce o spesso prende il formato dell’immagine in movimento, sia nella sua forma tecnica che concettuale, esplorando idee intorno al linguaggio, all’interpretazione e al potenziale di discrepanze, rotture, deviazioni e (mis-)comunicazione.”35

Nella sua opera immersiva, Blind Cinema, il pubblico è seduto in un teatro, bendato, e si fa descrivere un film proiettato da bambini che sussurrano all’orecchio attraverso un imbuto. L’opera si concentra su “ciò che sta al di là del senso della vista (lasciando la realtà illusoria del cinema per rientrare in quella dell’immaginazione), l’attenzione oscilla tra ogni mondo condiviso ma interno guidato dalla voce che sussurra, e lo spazio fisico condiviso del cinema oscurato”.36This is Not My Voice Speaking, una collaborazione tra Hatzius e Ant Hampton, divide il pubblico in “Uno” e “Zero” e lo guida attraverso esperienze che utilizzano una vecchia tecnologia tra cui un giradischi, un proiettore di diapositive, cassette e pellicola 16mm. I partecipanti hanno il compito di seguire un “manuale” di istruzioni fisiche e vocali. Così facendo “la voce salta dalla cassetta al vinile e, alla fine, viene sincronizzata con quello che sembra essere un vecchio filmato in 16mm di un giornalista barbuto”. L’opera “muove il pubblico-performer all’interno di tre elementi comunicativi che formano un’inquietante triangolazione: la voce umana, il linguaggio del ‘manuale’ di istruzioni e i media registrabili (di ultima generazione) fisicamente manifesti. “37

The Extra People è piuttosto pericoloso in realtà, non per il pubblico, ma per le nozioni di rappresentazione e partecipazione (…) facendoci sprofondare nella realtà sociale ed economica che definisce i nostri tempi: vuota, scollegata, monitorata, vagamente minacciosa e molto pubblica: su un palco, infatti. Mentre ci prepariamo ad andarcene, un altro gruppo entra e lo spettacolo continua. – Molly Grogan, Exeunt Magazine38

Shasta Geaux Pop è la creazione della performer multidisciplinare di New York Ayesha Jordan e della regista Charlotte Brathwaite. Il pezzo è stato prodotto all’Under the Radar Festival nel 2017 e al The Bushwick Starr nell’autunno del 2016, ma il personaggio è stato sviluppato per molti anni in precedenza da Jordan.39

Una “festa hiphop underground immersiva “40 , l’opera ha come protagonista il personaggio titolare, una “pop star-tista e trascinatrice che fa cadere le mascelle e le tette una canzone alla volta… intendo il tempo. “41 La produzione trasforma i teatri in feste sotterranee immersive e fonde elementi di immersione (attenzione allo spazio, design tangibile) con quelli del cabaret e della performance solista. Shasta si esibisce ugualmente per e interagisce con i membri del pubblico durante tutta la performance che combatte una narrazione o una storia semplice e lineare e costruisce invece un ambiente aperto per l’esperienza del pubblico.

…non è uno spettacolo. Meglio pensarlo come un incontro. Un evento, dove posso rivelare il funzionamento interno di me stesso… attraverso la musica. Possiamo creare delle connessioni intime. Capite? Sento di essere più di un esecutore, più di un artista. Io connetto. Chiamiamola connessione. Andiamo tutti ad una connessione. – Shasta Geaux Pop, New York Theater Review42

Forse il più grande cambiamento del teatro immersivo nell’ultimo decennio è stata la crescente accettazione e l’abbraccio della forma da parte delle istituzioni teatrali convenzionali. Oltre alle già citate opere di Punchdrunk e Third Rail, diverse produzioni immersive sono state sviluppate in collaborazione con istituzioni teatrali convenzionali. I teatri regionali statunitensi stanno mostrando interesse per questa forma, con il Guthrie che ha presentato Relics di Sarah Agnew come parte della sua Dowling Space Initiative43 e il Center Theater Group che ha commissionato The Object Lesson di Geoff Sobelle come parte di un’iniziativa simile.44 La Jolla Playhouse continua a ospitare l’annuale Without Walls Festival di lavori site-specific.45 Il teatro immersivo si può trovare persino nel centro del teatro americano tradizionale, le case di Broadway, con produzioni come Natasha, Pierre, and the Great Comet of 181246 di Ars Nova e The Encounter47 di Simon McBurney che quest’anno riempiono i teatri di Broadway e usano l’etichetta di immersione come un importante punto di vendita. Si può speculare sulla ragione della maggiore visibilità e del successo del teatro immersivo, ma è chiaro che sta entrando in risonanza con il pubblico in modi in cui la forma teatrale tradizionale non può farlo.

Altre letture:
10 compagnie di teatro immersivo da scoprire
Teatro immersivo: In Conversation With Shasta Geaux Pop

Note

1. Michael Schulman, “Immersive Theater on Broadway”, New Yorker, 24 ottobre 2016, http://www.newyorker.com/magazine/2016/10/24/immersion-theater-on-broadway.
2. Josephine Machon, Immersive Theaters: Intimacy and Immediacy in Contemporary Performance (Basingstoke: Palgrave Macmillan, 2013), 66.
3. Machon, Immersive Theaters, 72.
4. “Punchdrunk visionary Felix Barrett: ‘If audiences get used to the rules, change them,'” Telegraph, June 19, 2015, http://www.telegraph.co.uk/culture/culturenews/11675468/Punchdrunks-Felix-Barrett-If-audiences-get-used-to-the-rules-change-them.html.
5. Machon, Immersive Theaters, 29.
6. Machon, Immersive Theaters, 31.
7. Machon, Immersive Theaters, 33.
8. Machon, Immersive Theaters, 65, 85.
9. Dorita Hannah, “Event-space: Spazio della performance e performatività spaziale”, in Performance Perspectives: A Critical Introduction, eds. Jonathan Pitches e Sita Popat (Basingstoke: Palgrave Macmillan, 2011), 54-62.
10. Machon, Immersive Theaters, 77.
11. Claire Bishop, Installation Art: A Critical History. Londra: Routledge. 2006. Partecipazione. Londra, Whitechapel Gallery e Cambridge, MA: MIT Press. pp. 14.
12. Machon, Immersive Theaters, 78.
13. “Immersive Theater, Defined: Five Elements in Sleep No More, Then She Fell, and More,” Howlround, accessed February 25, 2017, http://www.howlround.com/immersive-theater-defined-five-elements-in-sleep-no-more-then-she-fell-and-more.
14. Machon, Immersive Theaters, 95.
15. “Punchdrunk visionario,” Telegraph.
16. Machon, Immersive Theaters, 42.
17. Machon, Immersive Theaters, 55.
18. Felicia R. Lee, “Theater for Audiences of One,” New York Times, 28 luglio 2010, http://www.nytimes.com/2010/07/28/theater/28one.html.
19. “About,” Punchdrunk, accessed on February 25, 2017, http://www.punchdrunk.org.uk/about/.
20. “The Drowned Man,” Punchdrunk, accesso il 25 febbraio 2017, http://www.punchdrunk.org.uk/the-drowned-man/.
21. “The Crash of the Elysium,” Punchdrunk, accesso il 25 febbraio 2017, http://www.punchdrunk.org.uk/the-crash-of-the-elysium/.
22. Antonio Wilson, “The Drowned Man: An interview with immersive theater masters Punchdrunk,” Creative Review, 15 luglio 2015, http://www.creativereview.co.uk/the-drowned-man-an-interview-with-immersive-theater-masters-punchdrunk/
23. “About the Company,” Third Rail Projects, accessed February 28, 2017, http://www.thirdrailprojects.com/about#abouthecompany.
24. James Carter, “Third Rail Projects Holds Up Mirror to the Audience”, The Civilians, 1 aprile 2016, accesso 27 febbraio 2017, http://www.extendedplay.thecivilians.org/third-rail-projects-holds-up-a-mirror-to-the-audience-40116/.
25. “Then She Fell”, Third Rail Projects, accesso 27 febbraio 2017, http://www.thirdrailprojects.com/thenshefell#tsf.
26. “The Grand Paradise”, Third Rail Projects, accesso 27 febbraio 2017, http://www.thegrandparadise.com.
27. “Learning Curve,” Third Rail Projects, accesso 27 febbraio 2017, http://www.thirdrailprojects.com/learningcurve#lcpage.
28. Hope Grandon, “Theater Company to Create New Immersive Theater Piece with Third Rail Projects,” Denver Center for the Performing Arts Newscenter, 20 luglio 2015, http://www.denvercenter.org/blog-posts/news-center/2015/07/20/theater-company-to-create-new-immersive-theater-piece-with-third-rail-projects.
29. “Sweet and Lucky,” Third Rail Projects, accesso 27 febbraio 2017, http://www.thirdrailprojects.com/sweetandlucky#salpage.
30. Carter, “Third Rail Projects Holds Up Mirror to the Audience.”
31. “About,” Wilderness, accesso 20 febbraio 2017, http://thisisthewilderness.com/about/.
32. Charles McNulty, “‘The Day Shall Declare It’ has dazzling visuals, limited depth,” Los Angeles Times, March 10, 2015, http://www.latimes.com/entertainment/arts/la-et-the-day-shall-declare-it-review-20150311-column.html.
33. “The Antigone Project,” Wilderness, accesso 20 febbraio 2017, http://thisisthewilderness.com/portfolio/the-antigone-project/.
34. Bill Raden, “A Q&A with Annie Saunders of The Day Shall Declare It,” Stage Raw, 12 maggio 2016, http://stageraw.com/2016/05/12/a-qa-with-annie-saunders-of-the-day-shall-declare-it/.
35. “BIO,” Britt Hatzius, accesso 3 marzo 2017, http://www.britthatzius.co.uk/bh_BIO.html.
36. “Blind Cinema,” Britt Hatzius, accesso 3 marzo 2017, http://www.britthatzius.co.uk/blind_cinema.html.
37. “Non è la mia voce che parla”, Britt Hatzius, accesso al 3 marzo 2017, http://www.britthatzius.co.uk/notmyvoice.html.
38. “Ant Hampton-The Extra People”, Attenborough Center, accesso al 3 marzo 2017, http://www.attenboroughcentre.com/events/612/ant-hampton-the-extra-people/.
39. “About”, Ayesha Jordan, accesso al 20 marzo 2017, http://www.ayeshajordan.com/#about.
40. “SHASTA GEAUX POP,” Charlotte Brathwaite, accesso al 20 marzo 2017, http://charlottebrathwaite.com/SHASTA-GEAUX-POP.
41. “Shasta Geaux Pop,” Ayesha Jordan, accesso al 20 marzo 2017, http://www.ayeshajordan.com/shasta-geaux-pop/.
42. Jody Christopherson, “Jody Christopherson Interviews Shasta Geaux Pop.” New York Theater Review, 31 agosto 2016, http://newyorktheaterreview.blogspot.com/2016/08/jody-christopherson-interviews-shasta.html.
43. “Relics,” Guthrie Theater, accesso 1 febbraio 2017, http://www.guthrietheater.org/plays_events/plays/relics.
44. “The Object Lesson,” Center Theater Group, accesso 1 febbraio 2017, http://www.centertheatergroup.org/tickets/kirk-douglas-theater/2015-16/the-object-lesson.
45. “Without Walls Series,” La Jolla Playhouse, accesso 1 febbraio 2017, http://www.lajollaplayhouse.org/the-season/wow-series.
46. “Natasha, Pierre, and the Great Comet of 1812,” Great Comet Broadway, accessed March 25, 2017, http://greatcometbroadway.com.
47. “The Encounter,” Encounter Broadway, accessed March 25, 2017, http://theencounterbroadway.com.