Kuuluisa taidekriitikko Clement Greenberg oli 1900-luvun vaikutusvaltaisimpia ja arvostetuimpia ääniä. Hänet tunnetaan nykyään ”amerikkalaisen taiteen äänenä”, ja hänen rohkea ja suorapuheinen amerikkalaisen abstraktin taiteen ylistys 1940- ja 1950-luvuilla teki taiteilijoista, kuten Jackson Pollockista, Willem de Kooningista ja Barnett Newmanista, tunnettuja nimiä. Greenberg uskoi, että taide pitäisi tislata puhtaimpiin, yksinkertaisimpiin ja poeettisimpiin ominaisuuksiinsa, joita ovat viivat, värit ja tasainen pinta, ja hänen ajatuksensa vaikuttivat kokonaiseen sukupolveen, minkä ansiosta he loivat joitakin kaikkien aikojen ikonisimmista taideteoksista. ”Modernismi”, hän kirjoitti, ”käytti taidetta kiinnittämään huomiota taiteeseen.”

Clement Greenbergin varhaiset ideat

Syntynyt Bronxissa juutalais-liettualaisten maahanmuuttajien lapsena Clement Greenberg opiskeli englantilaista kirjallisuutta Syracusen yliopistossa. Valmistuttuaan hän ajelehti työpaikkojen välillä ennen kuin löysi tiensä New Yorkin intellektuelleiksi itseään kutsuvien kirjailijoiden ja kriitikoiden joukkoon, johon kuuluivat Susan Sontag ja Harold Rosenberg. Monet heistä olivat juutalaisia ja kannattivat vasemmistolaista politiikkaa yhdistäen kirjallisuusteoriaa marxilaisiin uskomuksiin, mutta he hylkäsivät Stalinin ja kallistuivat sen sijaan trotskilaisuuden liberalistisiin aatteisiin.

Monet Greenbergin ajatukset olivat alun perin lähtöisin Karl Marxista, erityisesti uskomus siitä, että abstrakti avantgarde-taide oli rohkea ja vallankumouksellinen siirto poispäin natsien tai kommunistien johtamista sortavista poliittisista järjestelmistä. Toinen merkittävä vaikuttaja Greenbergin ajatuksiin oli saksalainen taiteilija ja kasvattaja Hans Hofmann. Vuosina 1938 ja 1939 Greenberg kävi useilla Hoffmannin luennoilla, joissa korostettiin ”muodollisen” ymmärryksen merkitystä taiteessa, jossa väriä, viivaa, pintaa ja tasojen välistä suhdetta tasaisella pinnalla pidettiin tärkeämpänä kuin figuratiivista tai kirjallista sisältöä.

Avantgarden juhlinta

Suuri osa Clement Greenbergin varhaisimmista kriittisistä kirjoituksista ilmestyi newyorkilaisessa vapaamielisessä Partisaanin aikakauslehdessä (Partisan Review), ja se oli vahvasti Hans Hoffmannin aatemaailman vaikutteita. Juuri Partisan Review -lehdessä Greenberg julkaisi ensimmäisen vaikutusvaltaisimmista esseistään otsikolla Avant-Garde and Kitsch, 1939, joka muodosti perustan monille hänen tuleville ajatuksilleen.

Esseessä Greenberg väittää, että 1900-luvun alun avantgardetaide oli ”ainoa elävä kulttuuri”, joka oli vielä olemassa, kun taas ”kitschin”, populaarin tai massatuotetun materiaalin ilmaantuminen oli suuri uhka sen olemassaololle. Hän väitti, että ”kitsch”-kuvasto oli mauttoman, halvan teollistuneen yhteiskunnan sivutuote, ja väitti voimakkaasti, että sekä taiteen että kirjallisuuden olisi tarjottava tie korkeampaan totuuteen tämän ”halventuneen” kielen tuolla puolen. Tämä usko prosessiin ja kokeiluihin keskittyvän ”korkean” avantgardetaiteen yhteiskunnalliseen merkitykseen oli avainasemassa kaikissa Greenbergin taidetta koskevissa ajatuksissa, ja se tuli vaikuttamaan hänen tuleviin esseisiinsä taideteoriasta ja -käytännöstä.

A Newer Laocoon

Vuotta myöhemmin Clement Greenberg julkaisi toisen instrumentaalisesti tärkeistä esseistään: Towards a Newer Laocoon, 1940. Teksti oli jatkoa Gotthold Lessingin kuuluisalle artikkelille Laokoon: An Essay Upon the Limits of Painting and Poetry, joka julkaistiin vuonna 1766. Lessing oli alkanut tehdä eroa eri taiteenalojen, kuten runouden, maalaustaiteen ja kuvanveiston, välillä ja väitti, että jokaisella oli oma erillinen kehityskielensä, joka meidän tulisi tunnistaa ja arvostaa.

Lessingin esseen pohjalta Greenbergin ajatukset hahmottelivat historiallisen perustelun, jossa kuvattiin, mistä modernin maalaustaiteen juuret olivat tulleet ja mihin se oli nyt menossa. Hän väitti, että maalaustaide oli historiallisista ajoista lähtien muuttunut yhä tasaisemmaksi ja siirtynyt kerronnallisen tai kirjallisen sisällön ohi kohti abstraktin kuvion ja pinnan korostamista, ja kirjoitti: ”Mutta mikä tärkeintä, kuvataso muuttuu yhä matalammaksi ja matalammaksi tasoittaen ja painaen yhteen fiktiiviset syvyystasot, kunnes ne kohtaavat yhtenä kokonaisuutena todellisen ja materiaalisen tason, joka on kankaan todellinen pinta.”

abstrakti ekspressionismi

Clement Greenberg asettui 1940-luvulla New Yorkin Greenwich Villagen alueelle, jossa hän työskenteli Partisan Review -lehden päätoimittajana, Commentary Magazinen apulaistoimittajana ja The Nationin kriitikkona. Hän oli yksi ensimmäisistä, joka havaitsi ja edisti orastavan abstraktin ekspressionismin koulukunnan, kuten Jackson Pollockin, Willem de Kooningin, Robert Motherwellin ja David Smithin töitä, ja hänen kirjoitustensa ansiosta näiden taiteilijoiden urat nousivat kansainväliseen valokeilaan. Heidän uransa kasvaessa myös Greenbergin ura kasvoi, ja hänestä tuli amerikkalaisen taiteen jättiläinen, joka toimi luennoitsijana Black Mountain Collegessa, Yalen yliopistossa, Bennington Collegessa ja Princetonin yliopistossa, jossa hänellä oli huomattava vaikutus seuraavan sukupolven luoviin ajattelijoihin.

The Crisis of the Easel Picture

Monien 1940-luvulla julkaistujen esseiden avulla Greenberg saattoi laajentaa väitteitään abstraktin maalaustaiteen merkityksestä, muun muassa vuonna 1944 julkaistun teoksen Abstract Art ja vuonna 1948 ilmestyneen teoksen The Crisis of the Easel Picture. Jälkimmäisessä tekstissä hän esitteli radikaalin ja vaikutusvaltaisen käsitteen ”all-over”-kuva, jossa hän kuvasi Jackson Pollockin, Lee Krasnerin ja Barnett Newmanin amerikkalaisessa taiteessa harjoittamaa latteaa, toistuvaa suuntausta ”hajautetuksi, moniääniseksi, all-over-maalaukseksi”, joka sulautui ”silkaksi tekstuuriksi, silkaksi tuntemukseksi”. Hän väitti myös, että ”all-over”-maalaus oli syntynyt loogisena reaktiona teollistuneeseen, kapitalistiseen yhteiskuntaan, jossa ”kaikki hierarkkiset erot on käytetty loppuun … mikään kokemuksen alue tai järjestys ei ole luontaisesti tai suhteellisesti ylivertainen muihin nähden”.

Greenberg vs. Rosenberg

Yksi Clement Greenbergin suurimmista kilpakumppaneista oli hänen taidekriitikkokollegansa Harold Rosenberg; huhujen mukaan he päätyivät joskus melkein käsirautoihin riehakkaiden väittelyjensä aikana. Vaikka heidän ajatustensa välillä oli monia päällekkäisyyksiä, Rosenberg ylisti sitä, mitä hän kutsui ”Action Paintingiksi”, abstraktion suuntausta, joka perustui Jackson Pollockin, Franz Kline’n ja Arshile Gorkin harjoittamiin energisiin, performatiivisiin eleisiin. Rosenberg tuki myös useita abstrakteja ekspressionistitaiteilijoita, jotka olivat tuoneet figuratiivisia tai narratiivisia elementtejä takaisin vapaaseen, ekspressiiviseen maalaukseensa, kuten Willem de Kooningia ja Philip Gustonia.

Greenberg sitä vastoin puski tukeaan puhtaammalle, siistimmälle abstraktion tyylilajeille, ja hän hylkäsi aktiivisella otteella de Kooningin viimeisimpiä figuratiivisia tutkimuksia. Sen sijaan hän siirsi tukensa Washingtonin värikoulukunnan taidemaalareille, kuten Barnett Newmanille, Kenneth Nolanille ja Anne Truittille, jotka harjoittivat pelkistettyä, minimaalista kieltä, joka perustui litteiden värikuvioiden optisiin aistimuksiin. Esseessään American-Type Painting, 1955, Greenberg väitti, että tämä uusi maalarikoulukunta johti luonnollista kehitystä kohti todellista modernistista taidetta.

Modernistinen maalaustaide

Kun Clement Greenbergin ajatukset kehittyivät, niistä tuli yhä polarisoituneempia ja äärimmäisempiä. Kun New Yorkin taiteilijoiden Robert Rauschenbergin ja Jasper Johnsin kautta alkoi nousta esiin kitsch, monikerroksinen pop-taide ja neodada-tyylinen tyyli, Greenberg taisteli entistä kovemmin vastaan. Hän taisteli äänekkäästi väitettään vastaan, jonka mukaan modernistisen maalaustaiteen on oltava reduktioprosessi, joka irrottaa sen muista välineistä tai menetelmistä. Hän väitti lisäksi, että abstraktio oli modernin taiteen looginen ja välttämätön kehityskulku, joka riisui taiteen pelkistetyimpään, tislattuimpaan olemukseensa, jota hän kuvasi formalismin luonnolliseksi kehityskuluksi, teorian, jonka taidekriitikko Roger Fry esitti ensimmäisen kerran 1900-luvun alussa.

Näitä ajatuksia havainnollistettiin Greenbergin ikonisimmassa esseessä Modernistinen maalaus, 1961. Hän väitti, että maalauksen tulisi olla viime kädessä ”puhdasta” toimintaa, joka hylkää kaikenlaiset viittaukset ulkomaailmaan, mukaan lukien tunneilmaisun, illusionismin tai minkä tahansa ”tilan, jossa tunnistettavat esineet voivat asua”. Greenberg jatkoi selittämällä, kuinka maalauksen tulisi olla täysin itsereferentiaalinen, vain itseensä takaisin viittaava, eikä mitään muita ulkopuolisia viittauksia reaalimaailmaan tai mihinkään muuhun taiteelliseen välineeseen, kuten veistokseen tai piirustukseen.

Post-maalauksellinen abstraktio

Vaikka ne olivatkin äärimmäisyyksiin meneviä, heijastivat Clement Greenbergin aatteet kuitenkin aikansa henkeä, ja ne vaikuttivat voimakkaasti 1960-luvun johtaviin taiteellisiin kehityskulkuun. Helen Frankenthalerin, Morris Louisin ja Jules Olitskin pelkistetyt, värikylläiset Colour Field -maalaukset ovat nykyään synonyymejä Greenbergin ajatuksille, jotka määrittelevät modernismin aikakauden huipun armottoman tiukalla, analyyttisellä suhtautumisella muotoon, väriin, tekstuuriin, mittakaavaan ja sommitteluun. Greenberg kuratoi Los Angelesin piirikunnan taidemuseossa vuonna 1964 Post-Painterly Abstraction -nimisen näyttelyn, joka sisälsi kolmenkymmenenyhden eri taiteilijan teoksia; se oli niin menestyksekäs, että Post-Painterly Abstraction on nykyään tunnustettu omaksi liikkeekseen.

Vaikutus taidekritiikkiin

Perustaen sekä omiin käsityksiinsä formalismista että 1700-luvun saksalaisen filosofin Immanuel Kantin teorioihin Greenberg argumentoi Modernistisessa maalaustaiteessa uudenlaisen, objektiivisen tavan nähdä taidetta. Hän uskoi, että taidetta olisi katsottava ja siitä olisi kirjoitettava täysin irrallisella tavalla, vain itse kohteen fyysisiä ominaisuuksia tarkkailemalla. Nämä ajatukset vaikuttivat syvästi modernististen taidekriitikoiden uuteen sukupolveen, joka tunnettiin nimellä ”Greenbergin koulukunta”, kuten Rosalind Krauss, Michael Fried ja Barbara Rose, joista jokainen omaksui samankaltaisen analyyttisen lähestymistavan taideteoksen analysoinnissa.

Clement Greenbergin vastareaktio

1960-luvun puoliväliin mennessä taiteilijat ja kriitikot olivat jo siirtyneet Clement Greenbergin ajatusten ääripäiden ulkopuolelle. Monet pitivät hänen näkemystään liian polarisoituneena ja dogmaattisena, ja hänen luopumisensa illusionismista, kerronnallisuudesta ja tunteista maalaustaiteessa oli ajanut välineen nurkkaan, eikä sillä ollut enää paikkaa, jonne mennä. Kuten taidekriitikko Rosalind Krauss oivalsi, Greenbergin modernistisen ja formalistisen taiteen liiallinen yksinkertaistaminen poisti suuren osan elämän omalaatuisuudesta ja irrationaalisuudesta. Greenbergin vanavedessä syntyneet pop-taiteen ja fluxus-taiteen häiritsevät koulukunnat toivat monia tavallisen elämän monimutkaisia monimuotoisuuksia takaisin taidekäytäntöihin 1960- ja 1970-luvuilla ja horjuttivat paljon siitä, minkä puolesta hän oli niin kiivaasti puhunut.

Vaikka vastareaktio Greenbergin puhdasta modernismia ja formalismia ympäröiviä ajatuksia vastaan jatkui vielä useiden sukupolvien ajan, hänen itseensä ja taideobjektien materiaalisuuteen kiinnittämänsä huomion painottaminen on asenneilmapiiri, joka säilyy edelleen. Monilla nykypäivän kokeilevimmista ja jännittävimmistä nykymaalareista on takaraivossaan tietoisuus maalauksesta fyysisenä esineenä, vaikka he ovatkin nyt tulvineet siihen viittauksia moderniin elämään, kuten Callum Innesin, Tomma Abtsin, Fiona Raen ja Peter Doigin taide osoittaa.

Vaikka Greenbergin jokseenkin yksinkertaistettu näkemys taidehistoriasta singulaarisena marssina kohti abstraktiota on nykyään pitkälti kirjoitettu uudelleen, hänen väitteensä siitä, että maalaukset pitäisi nähdä ensin vain omana itsenään, suhteuttamatta niitä mihinkään muuhun, on asenne, joka on yhä nykyäänkin taustalla ja värittää tapaa, jolla niin monet meistä katsovat taidetta, erityisesti hänen uskonsa taiteeseen ainutkertaisena elämyksenä, jota ”ei voi saavuttaa mistään muusta lähteenä.”